T10｜十次来自全球的「一拍即合」
文化
2024-10-04 18:01
广东
摄影是游乐园。摄影是乐趣，甚至兴奋。摄影是回到艺术的原点。摄影是建立连接。摄影是亲密和性感。摄影是直觉。摄影是向公众展示之前的世界。摄影色彩、纹理和层次。摄影是适可而止。摄影是光。这是“一拍即合”10组海外
面孔的回答。今天，他们用作品
证明自己的理解。BLOOM
Allyssa Heuze
目前定居巴黎
为《T》中文版创作的摄影系列，实现了我一直以来的一个心愿。这组照片的创作灵感来自《爱丽丝梦游仙境》（Alice’s Adventures in Wonderland），讲述爱丽丝掉进兔子洞后，在五彩缤纷的世界里与植物对话的故事。对我来说，《爱丽丝梦游仙境》是一个失去童年，失去天真的故事。不要失去想象力和好奇心，是这个故事对我的启示，也是这个系列的创作出发点。在拍摄前，我已经构想了一个清晰的拍摄计划，和花艺师合作设计了每一个场景。在拍摄现场，我们将女性身体与花卉装置交融，让人和植物成为一体，象征从童年到成年的过渡状态。我在一个主要由女性组成的家庭中长大，女性能量总会给我很多启发。回忆童年，我总会想到祖父那如丛林般郁郁葱葱的花园。他是园艺师，家里满是花花草草。受他的影响，我从小就与植物非常亲近。除了花草之外，他还特别热衷于收集相机，我记得小时候总是想要抢他的相机来拍照。我大概是从十二三岁开始拍照的。我 16 岁时，妈妈在她的餐厅里给我办了人生中第一场小型个展，展示了我在旅行时拍下的一些照片。某天，当我在思考自己将来要做什么，“摄影师”这个词很自然地出现在我的脑海。我十几岁时的拍摄和时尚没什么关系，无非是一些风景和生活照。后来，尝试过婚礼摄影和活动摄影，从巴黎的戈布兰图像学院（École de l’image des Gobelinsi）毕业后，我便开始正式接触时尚摄影了。摄影对我来说像是一个游乐园，我可以在里面收集记忆、图像和情感，定格和凝固我想捕捉的瞬间，然后创造出故事。摄影是一个充满想象力和创造力的领域，它很自由，每个人都可以在其中有所诠释。摄影风格则是一个人经历的混合体，经历的事情、看过的艺术作品，会潜移默化地融入一个人的创作，而后随着实践的增加自然而然地出现。作为摄影师，我觉得我们应该在思考画面时向后退一步，问问自己究竟想在画面中捕捉到什么。光线、角度、构图 …… 当然都是需要琢磨的，但也需要适当地被忘掉。摄影师不能只考虑特定的技术要素，模特作为活生生的人，他们真实的动作、情感，往往更能带来惊喜，找寻控制与不控制之间的微妙平衡让我很着迷。我进入时尚摄影行业 8 年了。这 8 年间，我发现最难的是证明你有自己的价值。竞争很激烈，很少有品牌或媒体愿意冒险去尝试新的视角和风格，也很少冒险起用新人。我认为，旧制度都是应该被打破的，因为如果没有人去突破，就很难有更多元的风格和作品出现。当然，行业也有好转的一面。我一直都对街头选角和真实世界中的面孔更感兴趣。在现在的工作中，我已经能看到有越来越多的品牌愿意选择多元化的模特。Credits:
花艺师：Domitille Basso / Thyrse
选角：Lisa Dymph Megens
模特：Chinti、Jade、Nyakier
化妆：Azusa Kumakura
发型：Yuri Kato
后期：Gaia Rousset
摄影助理：Patricia Zheng
花艺助理：Lokz Phoenix
制片：Sophie Walsh、Jordan Groves@IndustryArt
AZULI IN THE LAKE HOUSE
Ana-Roque
目前定居里斯本和巴黎
我 11 岁时买了第一台相机，小时候就一直喜欢记录身边的事物。我已经在摄影行业工作 8 年了，但坚持这么久，没什么特别的原因。摄影是我一直感兴趣的事情，我不断从中发现了更多的灵感和兴趣，它已经是我的一部分了。时尚摄影从来都不是我的目标，但我的工作却朝着这个方向发展。我偏好保持我创作图像的方式，即使是时尚摄影，我的作品也不是传统的时装片，而是更纪实性的，比如简单的人体姿势或肖像，甚至是教学式的。我黑白照片拍得比较多，因为我自认为对黑白的图像和事物更敏感。我对色彩的感知仍处于发展阶段，这一点体现在，看到彩色的东西和黑白的东西，我的感受完全不同。我最喜欢的颜色是黄色，或浅木般的米色。对我的摄影产生重要影响不是某个人，而是摄影画册，甚至纸张的类型和质地，换句话说，从拍摄到后期制作的整个生产过程都对我产生了影响。我会想象一张照片已经印在书页上的样子，大多数时候，我喜欢而且需要纸张的质感。拥有个人的摄影风格非常重要。但我不能确定自己是不是已经拥有了个人风格，我觉得我还在不断发展，我也相信，我今天所做的一切对我来说都很有意义，并能在拍摄时打动我。我喜欢简单、自然和真实，我喜欢普通的姿势，喜欢图像的重复性 —— 我的作品不需要太多东西，所以常常没有特别华丽的造型，但一定要有一张有力的面孔。我拍摄静物时也是如此。我会把以前的教学书籍当作拍摄日常物品的基础，用重复的画面教大家如何使用它们。当然，人们看到的是创作者在构建图像的每个阶段都审慎选择的结果。对我来说，选角很重要，它能让我置身当下。一切都要合情合理。在如今的摄影行业，我看到了很多同质化的东西，你分辨不出照片是谁拍的。光看照片就能认出的摄影师，我一只手就能数过来。但我的创作方式不仅仅是为了创造出属于自己的视觉形象，更是为了让我感受到乐趣，甚至是兴奋。Credits:
模特：Azuli Peeters
拍摄地：葡萄牙阿连特茹大区（Alentejo）旧圣克拉拉湖（Lake of Santa Clara-Velha）
MEAT,
DOLLAR,
JACKET
Angèle Moraiz & Paul Mougeot
目前定居巴黎
我们是一对生活在巴黎的摄影师组合，从 2020 年 6 月开始以组合的形式，进行摄影为表现方式的艺术实践。我们是在摄影学校认识的，疫情封城的时期，与他人合作比较困难，于是我们干脆决定一起工作。工作时，我们之间没有明确的分工，而是一起完成项目中涉及的所有环节。由于我们毕业于同一所学校，接受的摄影教育几乎是一样的，并且在每开启一个项目前，我们会先讨论，为接下来的工作找到清晰的思路，也会解决任何关于项目的分歧，所以，我们彼此间没什么需要妥协的地方。而且，我们的合作建立在一个大前提之下，那就是项目必须是两个人都感兴趣的。我们两个必须站在一起，全力以赴地完成自己喜欢的项目。我们都是在从事创意工作的家庭中长大的，从小接触艺术。AM+PM 的创作灵感大部分来源于绘画，尤其是抽象艺术。在我们看来，物品没有等级之分，将物从环境中剥离出来，简化为形状和颜色，是一种揭示图像本质的方式。与《T》中文版合作的这组摄影作品名为《肉，美金，夹克》（Meat, Dollar, Jacket），我们选取了这 3 个生活里司空见惯的东西，通过一次次打印与扫描，使物品的细节逐渐模糊，先是让位于色彩和轮廓，直至完全消失，留下一片空白 —— 即回归所有艺术作品的原点：一张白纸。因为《T》中文版的邀约，我们第一次完整地实践了反复印刷的想法。此前，我们只做过一些测试，这次终于把设想发挥到了极致。概念及其背后想要表达的东西是最重要的，极致的抽象，也许就是我们追寻的结果。入行以来，我们大部分的作品都集中在静物拍摄上。我们两个本身都喜欢收集物品，也都认同用物而非人来传递理念的表达方式。时尚行业有着大量的图片需求，快节奏的产出无形中降低了图像的品质。拍摄静物让我们获得了相对缓慢的工作节奏，能够真正地花时间和精力去观察物的不同角度、形状、色彩，并享受各种各样针对物的实验过程。私下里，我们会各自拍自己感兴趣的东西，做自己的创作。Angèle 依然画画，现代主义抽象绘画对她的影响很深。在成为摄影师之前，Paul 是街头涂鸦艺术家，现在偶尔做做 3D 打印雕塑。我们喜欢的事物并不完全一致，但正是这种不一致和相互影响，让彼此的世界更丰富，也在合作中激发出新的创意。艺术家在职业生涯不同时期创作的作品，往往会有不同的风格，这是因为人总是在变化的。对于 AM+PM 来说，我们关注自我，关注作品背后的概念，并且相信摄影师和艺术家需要跟随自己的直觉。只要坚持做自己，风格就会自然而然地出现。EVERY NEW
"NEW ME"
FALLS APART
Celine Paradis
目前定居柏林
我的第一台相机是 14 岁时在家乡的跳蚤市场上买的，那是一台佳能 AF 35MM。青少年时期，我就很喜欢打扮我的朋友，给他们拍照。20 岁出头的时候，我和另一位摄影师朋友接到了一份平面杂志的拍摄邀约。我从此进入了时尚摄影领域，那也是我第一次到巴黎。2018 年，我在西班牙的巴塞罗那摄影与设计学校（Fotodesign School Barcelona）获得了硕士学位，如今回到德国，定居柏林。事实上，摄影并不是我唯一的创作媒介，我一直在尝试和探索不同的表达类型，绘画、诗歌、电影都给了我很多启发，激发我的好奇心和想象力，也让我和我的创作都变得更加完整。摄影师与表演者往往处于不同的位置，因而这两者的视角很不一样。但我既是摄影师，也是表演者。长期以自己的身体为表达工具，让我在摄影时更能体会模特的世界。对我来说，摄影是一种直接与周围的人和环境建立联系的方式，我创造的图像是我思考的某种反映。我希望每一幅画面都有它相应的情感。与《T》中文版合作的这组作品呈现的是一位表演者的状态。模特是个乌克兰女孩，我在 Instagram 看到她的照片时，就觉得她已经在某种程度上处于我创造的那个角色状态了。这段经历很有趣，为此，我和团队还制作了一个选角视频来保留那段回忆。对我来说，镜子是观察和了解自己的工具，是进入内心世界的媒介，镜中人是自我的分身。我很喜欢观察他人，喜欢看到人们放下戒备、流露真我的样子，所以最终选择用两张模特照镜子的照片来开启这个系列。我相信每个人都有自己独特的创意表达方式，我们越是拥抱这一观点，就越能了解自己是谁，从而远离外界环境的影响。时尚行业的工作节奏非常快，对于摄影师来说，这很有挑战性，但也让人担心走得太快会迷失自己。创作需要充足的时间和空间来构思。在拍摄现场，我往往不喜欢操之过急，因为一个安全的空间对我来说非常重要。这可能就是我更偏爱用胶片拍摄的原因，它能让我更接近“当下”，在拍摄的同时思考图像的最终样貌。而且，我喜欢胶片对色彩的处理，喜欢它带来的怀旧感。我发觉，当下的时尚摄影存在一种回归纪实，或者将不完美带入叙事的趋势，大家不再只生产以往那种精雕细琢的时尚图像了。虽然这个行业依旧被男性主导，但我在入行后的几年里，也感觉到女性摄影师的创作空间在扩大。社交媒体让我们可以通过网络在全球范围内展示自己的作品，行业环境的变化也让我们更能专注自己做的事。时尚和时尚行业都有所变化，在我看来，这是一件很好的事。Credits:
造型：Maia Gonzáles
化妆：Sandra Martín Díaz
发型：Sonam Solanki
灯光师：Pascal Schrattenecker
后期：Obsidian Studio
制片：David Haro
模特：Nes Uronich at DOPE Models Management
RISING
SUN
Cole Fawcett
目前定居温哥华
与《T》中文版合作的这组作品名为《日出》（Rising Sun）。当我拍摄完成后回看照片，这个名字就自然而然地出现在我的脑海里了。对我来说，整组图像传递出的情绪有点像初升的太阳，能够给人能量。这次拍摄在墨西哥进行，我向一位从事建筑和室内设计的朋友借了他那间位于上世纪 50 年代建筑中的公寓。模特很有魅力，他有着一具非常男性化的身体，但留了 7 年的长发为他增加了一些女性气质；他整体看起来是很阳刚的，却会在镜头前摆出很阴柔的姿势。这种反差让我在拍摄过程中有点疑惑：“我到底是要捕捉他的阳刚之气，还是阴柔之美？”
我一直都希望模特能在我的镜头下展现出他们真实的面貌，展示出他们细腻的一面。由于我不会西班牙语、模特不会英语，我们俩之间的沟通除了用谷歌翻译，就只能靠比画。拍摄时，当模特跟着我的动作调整身体，某种程度上，我俩就互为镜像了。我很明确自己喜欢简单的画面，喜欢特定的色调，也喜欢让模特成为焦点。所以在拍摄的过程中，我会一次次移开背景中我认为多余的东西，也会多次要求模特调整动作。不到 20 岁时，我曾拒绝过一次成为模特的邀约，一方面是因为那时候的我不喜欢自己的身体，另一方面，是因为我意识到自己更想做摄影师。选择拍摄地点、把控人物的动作和服装、控制灯光 …… 协调所有元素，这件事本身就很令人兴奋。与此同时，我也意识到创作图像有助于疗愈我的心灵。摄影就是我的沟通方式。有人会觉得我的作品太过性感或私密，但我不得不说，这就是我对外沟通的呈现。我从来没有谈过恋爱，那种与人亲密接触的渴望会通过图像流露，而且，我也希望能够用一种更亲密的视角捕捉人物，打破彼此间的壁垒。拍摄裸体男性，在西方摄影中的历史很长。我在研究 Robert Mapplethorpe、George Dureau、George Platt Lynes 等人的作品时发现，他们拍摄裸体的方式真的很有意思。不只是名人，残疾人和侏儒也在他们的镜头下展现出了各自的魅力。2018 年，我参加了 JW Anderson 举办的摄影比赛“你的照片 / 我的未来”（Your Picture / Our Future），并且成为最终的入围者之一。在那之后的一年半里，我多次与 JW Anderson 合作，那真是一段很美好的时光。这个奖项在很大程度上鼓励了我，让我相信自己应该继续拍下去。但不得不说，年轻摄影师想要创作出有一定水平的作品，真的很难。即便你很清楚自己想要展现的东西是什么，如果没有足够的资金（没有相机、灯光，没有钱租借场地等），或许就只能产出一些无人欣赏的平庸之作。即便室外拍摄能省下棚费，一年里却只有一半的时间适合在室外拍摄。更何况，造型师和模特不愿意在恶劣的条件下工作，而你又能在室内找到多少面不同的背景墙呢？所以，尚未出头的摄影师常常会问自己：“我应该及时止损，先赚钱，还是继续坚持拍摄？”
我接拍过不怎么感兴趣的项目，但是成片效果不佳。我能从中看到自己的挣扎和矛盾。这也是我选择在摄影之外有一份工作的原因。当我不再靠摄影维持生计，我就可以有所选择。我可以拒绝拍摄那些我不感兴趣的产品图，而欣然接受那些我喜欢的、适合的、具有艺术性的项目。在我看来，现在的时尚摄影就像《T》中文版观察到的那样，熟悉的名字重复出现，而这一现象限制了时尚摄影多元化的艺术表达。在我居住的加拿大，情况也是这样，很少有杂志或品牌愿意冒险起用新人。我觉得，如果年轻摄影师能在当下的时尚摄影行业获得名气和好的工作机会，自我营销起了一定作用。因为除了努力去获得“大人物”的认可，我们不知道自己还能怎么做。毕竟，新人摄影师需要打开那扇通往时尚杂志的门。我不是一个害羞的人，与他人沟通和自荐对我来说都不是难事。即便如此，我在过去 6 年里努力地扮演自己的公关，也只收到过两三位编辑的回复。现在的我，已经停止这么做了。Credits:
模特：Abel Sánchez
ARCHIVE
2018-2024
(WHERE YOU ARE
NOW)
Cristina Stolhe
目前定居蓬特韦德拉
从事摄影这一行对我来说是一件自然而然的事。我 7 岁就有了一台宝丽来相机，小时候还偷用过家人的数码相机。摄影过去是，也将一直是我要做的事。我并不是追求摄影技术的那类人。我更喜欢用手机拍照，而不是用十三四岁时买的单反相机。用手机拍照让我感到自己是隐形的，以此来发现自己的拍摄风格也更有趣。风格或许就是最重要的，但我并不会把它看作一成不变的东西。不断探索和培养自己，就会形成具体的风格。我避免给自己或自己的风格下定义，或者说，我觉得没有必要去想它，但我知道我是依赖直觉的。光线、构图和画面的质地对我来说非常重要。我最喜欢构图，近乎痴迷。我非常喜欢把玩图片，创作视觉叙事。我这次的作品是在讨论非肉体死亡与肉体死亡的概念，这在过去几年里一直吸引着我去探索和思考 —— 用一种非传统的方式。此外，它也事关无形与有形之间的联系。我会被一些非常亲密的东西吸引，喜欢在陌生人身上找到这种感觉。这些都反映了我的情感和想法，或者归根结底，我的生活。生活及生活中的人、电影和展览都是我的灵感来源。虽然我总是说 Nan Goldin 和 Jonas Mekas 代表两种不同的视觉语言，但他们对待亲密关系和美的方式，以及他们构建亲密关系和美的方式，总是让我深受启发。我非常喜欢用一种更依赖直觉的方式来拍摄，也觉得自己在做一些有意义的事情，但有时我会尝试剥离情感，去理解这个行业是如何运作的。如果情况允许，我很想拍完就走，这是我的本能，也许是因为我刚刚取得了一些成就，没必要勉强做一些事情。我相信艺术作品的某种独立性，和随之而来的自由，有时这与行业无关，可能只是因为你使用工具的方式更感性，不受环境控制。在这种情况下，工具的使用方法本身就是有趣和重要的。但有时我又怀疑一切意图。BEFORE
LEAVING
THE WINDOW
Iñigo Awewave
目前定居巴黎
我的第一台相机是佳能 AE-1，当时，我非常渴望学习如何用胶片相机拍摄。我的第一批摄影作品都是用它拍的。起初，我用纪实手法拍摄我周围的一切：我的伴侣、家人和空间环境。后来，我逐渐开始寻找“更多的东西”。就这样，我发现了时尚摄影这个领域。在这里，我可以自如地探索和表达自己。好的摄影作品不可能有所谓完美的“公式”。这是成为一名摄影师的美好之处，但也是可怕之处。总有一些事情是你无法控制的。曾经有一段时间，我常常在摄影棚里拍摄，非常注重灯光，但现在我觉得我的作品非常多样化。从用胶片摄影开始，我就学会了拥抱错误和不完美。我也认为这是我创作的出发点：追求美，但总是伴随着与不完美的对比。学习摄影之前，我学的是平面设计。我一直喜欢平面设计，并用它来介入我的作品。也许正因如此，它让我的构图更有条理，也让我在拍摄时能更快地想象出构图。奇怪的是，我的大脑总是在处理胶片冲洗后的事情 —— 我会想象最终的效果，旋转照片，考虑后期制作中加入的图形元素等等。说实话，正是通过我和伴侣的关系，我才允许自己有所求。这段关系让我感受到了自由与安全感，而这种感觉对我能够继续创作是必需的。因此，他是最能激发我摄影灵感的人之一，有了他，我开始毫无顾忌地自由创作。我最个人化的作品就是这样开始的。我之所以提到这一点是因为，尽管我的时尚摄影作品会参考 Viviane Sassen 和 Nan Goldin 等伟大的当代艺术家，但我的作品总是包含着我最初捕捉到的有关亲密关系的回忆。在摄影中创造自己的视觉风格是很重要的，但我一直倡导不断试错，尝试新的技术、新的视觉语言 …… 从根本上说，就是不断实现创造力的进化。我认为，形成摄影风格是一件有机的事情。然而，潜意识、亲密关系和恐惧总会在作品中浮现。我创作的这组作品名为《向窗外去》（Leaving the Window），接到这次的创作邀请时，我的第一个想法是用玻璃作为某种中间的介质 —— 我总会在我的图像故事中加入一个固定的元素。接着，我和化妆师、我的朋友 Thierry 一起，确定了创作一组肖像的想法。我们希望以此进入一个更加幕后的、向公众展示自己之前的世界，并结合概念化的静物图像，创造一个更加亲密的故事。模特和静物摄影相结合的叙事方式对我来说非常有趣，这让我得以创作出更多个人化的作品。在创作的最后，我总是先设计排版，再选择照片。我喜欢有多种选择和可能，寻找不同的构图、形状、颜色 …… 自由地发展出最终成果。作为一名创意工作者，我能感受到这个行业给予新人的空间是有限的。我阅读了许多时尚杂志，的确，大师的名字总是重复出现。当才华不以影响力来衡量时，业内也就没有更多的新兴艺术家的代表。这可能会令人沮丧。好在有一些空间可以让新人展示他们的作品，但我认为，新人应该更多地出现在主要媒体上。我们所处的时代在各方面都十分有趣，时尚也是如此。我希望西方继续学习和倾听亚洲的声音。看到媒体间的互动越来越多，一个更加多元化的全球社区正在形成，这真是一件好事。Credits:
化妆：Thierry Do Nascimento
发型：Andrea Idini
美术：Marc Ferrer
选角：Chouaïb
制片：Martin Naïtali
模特：Flavie Sammartano、Sophia Makibdji、Akuol Deng Atem、Tianna St. Louis、Ash Foo、Coline Leclere
后期：The Black Room Studio
I ONLY EXIST
ON HOLIDAYS
Jamie-maree Shipton
目前定居巴黎和伦敦
对大部分人来说，“Debut”是一个描述一次性事件的词 —— 你出道了，就不会再出道了。但我认为，我们在不断进化，我们也在不断推出不同版本的自己。这一次，我集中于展现度假方式。当我度假时，我会打扮成一个全新的人 —— 一个法国南部的我，一个泰国的我。时装就是这么有趣的一件事，它可以改变我们展示自己的方式。我大学毕业于新闻专业，为澳大利亚版《i-D》等时尚杂志撰过稿。我的第一台相机就是那时买的，我过去经常采访不同的设计师，参观他们的工作室。这台相机很容易操作，我用它为文章配图，或仅仅是用来让我记住自己的写作内容。但我拥有一台真正职业意义上的相机也就不过 4 年时间。我做过造型（现在也仍然如此）和艺术指导，但我一直对摄影感兴趣。我在澳大利亚长大，在我上学的时候，没有那么多机会接触时尚产业，我就什么都学着做一点。我观察发型师怎么做头发、化妆师如何化妆，我看制片如何选角、安排拍摄，我也学习摄影师的工作方法。但最后，有两件事让我真正开始从事摄影。作为一名造型师，有时你付出了很多努力来完成一个项目，但最终结果并不是自己满意的效果。于是，我开始在拍摄现场用手机或小相机记录后台，发在 Instagram 上。后来，人们开始真正喜欢我的作品，我也开始利用自己的时间拍摄更多的东西，做个人项目。新冠疫情是第二个原因。在那期间，我意识到我需要发挥自己所有的创造力。过去的一年半里，我就专注于摄影。直到我以摄影师和造型师的身份签约了现在的经纪公司，我才觉得自己得到了足够的肯定。这证明，我有足够多的客户，足够多的作品，让我感觉自己可以踏入（摄影）这个行业 —— 我做了自己该做的事，让自己在这个行业站稳了脚跟。在拍摄前，我总是会先做计划，我必须清楚自己在做什么，不管是拍摄场景还是造型，细节还是全身。我喜欢做拼贴（collage），为了增强叙事性，我经常把妆容和外景、静物和人像拼在一起。有时，我喜欢为总是光鲜亮丽、近乎完美的时尚图像赋予一点点不完美。在这次拍摄中，我只做了一些简单的拼贴，把模特抠出来，放在带有色块的背景上。如果我用彩色背景纸拍摄，就不能达到我想要的平面效果。可以说，我的拍摄既有计划性，也有后期随意发挥的空间。我不想只是为了拼贴而拼贴，我需要确保它与我的摄影审美相平衡，这样才有意义。今年 2 月，我为 JW Anderson 和 Miu Miu 拍摄了走秀广告，画面中既有走秀的模特，也有彩色或纯白的背景、座椅、嘉宾和布景设计。我认为，在背景中保留和剥离不同的元素已经成了我的视觉风格。我并不会从别人那里寻找灵感。我的创作方式就是向别人展示我的视觉语言：色彩、纹理和层次之间的平衡，图像中的颗粒感，以及我通过细节和美感裁剪图像的方式。我对时尚的理解不仅仅是漂亮的衣服和一面白墙，它必须有目的，它应该有追求。世界上的图像已经够多了，Instagram 和 TikTok 不断地对我们进行视觉轰炸，另一方面，我们也证明了自己有多重视表象。归根结底，这个世界是有窥视欲的，时尚摄影只是这一点的延伸。但我认为，时尚摄影在表征和叙事上仍然发挥着重要的作用，我们需要美丽的事物，就像我们需要艺术一样。身为这个行业中的女性，我有时不得不承认，摄影领域仍然是男性主导的，我们需要付出更多才能获得和男性摄影师同样的待遇。也许每个行业都有自己的问题，我只想做好自己的工作。Credits:
造型：Jamie-maree Shipton、Isabel Bonner
化妆：Marie Bruce
发型：Shunsuke Meguro
美甲：Amy Hide
美术：Haleimah Darwish
选角：Caitlin Prosser
模特：Vera Vollebregt
造型助理：James William Creighton
制片：Madi Swain、Joanna Smirnova at HenHouse Productions
生日快乐
Junshen Wu & Yannic Moeken
目前定居柏林
我（Junshen Wu）和 Yannic 目前定居柏林，是在 2015 年认识的，2019 年开始共同创作。合作久了之后，就自然而然成了一个“组合”，一起接下工作邀约。通常我负责摄影，他负责静物造型。除此之外，我们还和制片人 Sandra von Mayer-Myrtenhain 合办了一本独立刊物《Famous For My Dinner Parties》，从食物的角度谈论社会和文化议题。这本杂志是 2020 年创办的，起初是电子刊，去年发行了第一本实体刊物，今年是第二期。我以时尚记者的身份入了行，为杂志撰写时尚和生活方式相关的文章。我第一次从事摄影是在日本留学时，为时尚杂志拍摄街拍，也在 Livehouse 拍摄乐队的演出照。但后来我放弃了一段时间摄影，因为那时我不太自信。我并非摄影科班出身，总觉得自己比别人差。直到我去德国留学，在白湖艺术设计学院（Weißensee Kunsthochschule Berlin）学面料设计。在这过程中，需要拍下自己的作品、记录设计过程，让我锻炼出了以微距展现质感的拍摄能力。现在，我们的拍摄对象大都以食物为主，同样需要这种能力。Yannic 也不是造型科班出身，他硕士毕业于柏林自由大学（Freie Universität Berlin）的德国文学专业。我们作品的视觉风格很多变，但是我们很注重其中的故事性，这一点可能也与 Yannic 的专业背景有关。用摄影来讲别人的故事、我们看到的故事，偶尔也讲自己的故事，这种非自传性的叙事在一定程度上也让我们有别于他人。在创作过程中，我们会常常问自己某个元素对于画面的必要性。我们的作品中没有任何纯粹装饰性元素，每个内容都要有在画面中存在的道理。比如这次的拍摄，有一张照片设定了办公室环境，桌上有个茶杯蛋糕 —— 那是什么人的办公室？会用这样的笔吗？会用什么样的打印机？会用什么样的相框来装裱自己的家庭合影？虽然每张照片里都有很多物件，但它们都是我们考虑后才会放在画面中的。我们这组拍摄作品叫《生日快乐》，每张照片里的“角色”都不一样，有小孩、母亲、上班族、宠物和偶像。缺席的主角形象使这组照片的戏剧性更强 —— 我们喜欢戏剧性。这次的拍摄更多是从《T》中文版即将创刊 10 周年出发的。周年也是个具有生日性质的纪念日，我们也一直想以生日为主题拍摄。它本来就是自带张力的一天：你在这一天可能会很开心，也可能很失落。这种情绪的起伏让我们很想讲述一个与之相关的故事。虽然从整个时尚摄影行业的层面上说，静物摄影在媒体的需求量比较少，但就我们自己的创作而言，静物摄影是最主要且适合的方式。拍静物和拍模特，需要摄影师具备的技术和能力并不太相同。由于静物摄影的画面场景较小，细节自然就会被放大，也就需要摄影师有更多耐心。另一个需要静物摄影师拥有的可能是，非完美主义。知道适可而止、恰到好处是很重要的。媒体和广告行业似乎都有自己的圈子，这也从侧面证明我们从事的这一行不太愿意那么冒险。有时候冒险是很值得的，虽然会有失败的风险，但一旦成功后的成就感无法比拟。时尚摄影行业可以更冒险一点，更多元一点，媒体也可以更自信一点，相信自己的眼光。目前，我们接到的时尚摄影工作不多，但我们还是抱有和时尚媒体合作的期待，如果我们自己都没有希望，就很难去做一件事。我和 Yannic 都是这样的人。Credits:
摄影及食物造型：Junshen Wu & Yannic Moeken at Famous For My Dinner Parties
创意及制片：Sandra von Mayer-Mrytenhain at Famous For My Dinner Parties
这组作品以人物肖像为主，重现了我在伦敦居住的第一个房间，人物姿势和画面构图的灵感来自“渴望”的概念。UNTITLED
Lengua
目前定居柏林
12 岁时，我会摆弄妈妈的相机，我 17 岁有了自己的第一台相机。我从事摄影的原因没有别的，只是因为对事物感到好奇。音乐人以及所有与声音有关的图像制作对我的影响很大。在我看来，个人风格没有那么重要，重要的是关注的主题。我工作中的一个“小习惯”就是从不依赖闪光灯，我会试着不那么依赖设备和器材。光就是一切，是一张好照片的关键。Credits:
造型：Danny Reed
发型：Joe Burwin
选角：People File
