海伦·威斯格茲
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16世纪 坂本井户茶碗
1950年代，禅经由铃木大拙等人在西方的传播，美国、法国与德国艺术家也大胆地展开以禅为启发的艺术创作的探讨：约翰‧凯奇（John Cage）、伊夫‧克莱茵（Yves Klein）、马克‧托贝（Mark Tobey）、艾德‧莱因哈特（Ad Reinhardt）、皮尔‧亚勒金斯基（Pierre Alechinsky）、禅49（Zen 49）团队的出现，为当时的艺术创作带来了不一样的面貌。
当西方碰上东方，当现代艺术碰上禅……何谓禅？何谓禅的艺术？在荷兰艺术史学者、荷兰莱顿大学教授海伦·威斯格茲（Helen Westgeest）看来，禅无可言喻，只能心领，它诉诸一种生活态度与“空”的美学。当西方1950-1960年代现代艺术遇上禅时，又怎样直接或间接的产生创作上的变化呢？
海伦·威斯格茲在结合现当代视觉艺术、摄影和艺术史基础上，企图验证禅与西方现代艺术的感通与关联。在其专著《禅与现代美术——1950年代的东西方艺术互动》（Zen in the fifties: interaction in art between East and West）中，作者以其独特的视角，探讨二十世纪50年代以来，东西方艺术与文化间的交融和感通，尤其是禅文化，如何让战后西方现代艺术趋之若鹜。
然而，威斯格茲关于禅宗，关于艺术与禅宗最基本的理论，还是源自于铃木大拙，也是基于此，她并未将论述重点放在禅宗的历史，避开知识盲点，将内容聚焦于禅宗与战后现代艺术，立意清晰独到，内容通俗易懂，层次分明。要了解战后禅宗与艺术的具体情况，不失为一本入门级的读物。
在接下来的两篇文章中，我们将选择威斯格茲专著的两个精华部分，一窥禅与艺术，禅与战后现代艺术之间的关系。
海伦·威斯格茲专著中英文版
禅结合了宗教与世俗，它影响到禅艺术，不仅表现于传统的形式如诗歌及绘画，也更出现于日常生活的活动方式，如书写（书道）、泡茶（茶道）、插花（花道）、自卫（柔道）、箭术（箭道）及剑术（剑道）。这些艺术包含了必要的身体成份，避免了心灵与身体之间的对立。
这些禅艺术广为流行的结果，使得无意间禅的各种样貌成为许多日本人日常生活的一部分。在中国，禅却是主要与绘画、书法及诗歌相关联，使得禅艺术基本上流传于文人雅士之间，不过对禅宗哲学的认识，日本一如中国，均限于菁英分子圈内。
梦窗疏石《春屋号并偈》
显然临济禅与艺术之间的关系较密切，在许多宗教中，艺术只是被当做是远非重要的精神状态的插图，然而，禅艺术被认为是寻求顿悟的手段，所以在临济禅中，艺术与冥想间有特殊的连系关系。
赫尔穆特·布林克（Heinrich Dumoulin）曾如此描述这种关系：“冥想给予了禅艺术灵感，而冥想经验也在艺术中自然呈现出来”。禅要我们释放自己而不受束缚，并将艺术演练当做开悟与自我解脱的方法，而自我并不是我们所能掌握得了的，我们也不会为自我所毒害。禅要我们与我们生命内在的心灵活动保持接触，而不是躲在自我之中，或是借助任何外在或附加力量。
佚名《达摩像》纸本水墨
在叙述禅画──水墨的某些特点之前，我先简要地谈一下它如何传入日本及其发展的历史。
六世纪后半叶，佛教从中国传入了日本，当时日本尚没有任何宗教，只有一种源自灵魂说信仰的崇拜仪式，它被人称之为神道，以区别于佛教。在那段时期，佛教绘画也从中国传入，而致产生了日本最古老的绘画，直到好几个世纪之后，也就是第九世纪时，典型的日本风格绘画才发展出来。
此种称为“大和绘”的绘画深受文学影响，在意境上相当具有诗情，艺术家试图唤起观赏者的感情。此后，感情的表达即成为日本绘画的一项重要特质。
到了十二世纪末，日本人不仅热衷于自中国传来的禅，日本禅僧也开始画水墨画，而中国的水墨画在日本被人收藏并临摹。十四世纪自室町幕府（1333-1573）时期开始发展出更具日本风格的禅画，画中的感情获得表现，当时最有名的艺术家是雪舟等扬（1420-1506），他花了三年时间在中国游学，发展出一种在纸上泼墨的高度表现风格，此技法被人称为泼墨，而雪舟即以大胆的笔触结合泼墨，许多画家继续发扬此一风格。
雪舟《破墨山水画赞》（局部）
十六世纪较知名的禅画家有白隐慧鹤（1685-1768），他有力的笔法表现力更胜于雪舟；仙崖义梵（1750-1838）的风格既具诗意又带讽刺，而南天和尚（1839-1925）则是将此技法发挥至极，他曾在他的自传中称，其整个身体就如同画笔一般。
由于风格多样，无法一一指出所有禅画的特征，不过仍然有不少经常重复出现的样貌，久松真一在他的《禅与美术》（Zen and the Fine Arts）书中整理出“禅之美学”七项特征：不均齐、简朴、自然、静寂、脱俗、幽玄、枯槁，他指出不均齐、自然及脱俗乃偏好一种不规则又绵延不绝的情境。
除了久松所列出的特点外，我们还可附加一项，即在整体结构中的形象安置，如同动一发而引千钧般的微妙，其部分原因是由于画作的空灵空间一如画中形象一般重要。
白隐慧鹤《达摩像》纸本设色
铃木曾在他的论文中如此叙述水墨画的风格与技巧：以尽可能的快速时间将灵感转移到纸上，在拖拉线条时要尽可能的迅速，线条越少越好，而在绝对必要时才将之展示出来，不容许深思熟虑、不能擦拭、不得重复、不可修改，也不能改变形状；画师任由他的毛笔在毫无自觉力的情形下移动，如果在毛笔与纸张之间出现了任何逻辑或省思，将会使整个效果遭致破坏，画面上既无明暗光影，也无透视配合。
在水墨画中并不主张写实主义，其实也不需要符合这些要求，它所企图的是如何将事物的精神转化到纸上来，因此每一笔触都必须随着生命的脉搏跳动，笔触间要有生命呼吸振动的律动感，那必然是活生生的呈现。
仙崖义梵《寒山拾得图》纸本水墨
至于此种绘画形式想要表现的是什么，他续称：
实际上，无论画家如何忠实地提示我们大自然中的物象，我们都无法公正地去评断它，水墨艺术家推论称：为什么不完全放弃此一企图？还不如让我们从我们自己的想像力去创造活生生的物象，只要我们所有的人都依属于相同的宇宙，我们的创作就可能展现出某些与我们所称的自然物相一致的东西来。
但是这并不是我们作品的基本元素，每一作品除了其相似性外，尚有它自己的特点价值，在每一笔触中不都有某些不同的个性吗？每一艺术家的精神均在其间活动着，他所描绘的鸟即是他自己的创造物。这就是水墨画家对待他艺术的态度，而我想要陈述的即是，此态度正是禅对待生命的方式，创造的精神运转于每一处地方，不管是在生活中或艺术中，那都是创作。
对画中没有色彩，铃木如此写道：“水墨画是如此的自然天成，无需任何彩色，因为它提醒我们的是大自然的物象，水墨画也不需要完全或不完全的复制重现，就此点言，它正如同书法一般。”
牧溪《叭叭鸟图》纸本水墨
最后提一下有关书法“书道”的禅艺术，它不仅关注到此艺术形式的文字特质，书写的过程至少也很重要，它强调的是整个身体的运用，到处都要注意到，如此才会使与绘画媒材结合的整体感觉出现。
就此方面言，书法艺术家与水墨画家的手法有极密切关系，因而书法造形与水墨造形所呈现的是一致的，书法文字与纸张之间具有统一性，故其造形与残留的造形之间的关系，在书法艺术作品中显得格外重要。
就其高度的表现特性而言，其笔触与水墨画非常类似。此外，书法的感觉与水墨画中的形象，均在描写现实，并在时间的过程中，去捕捉一种几乎近于抽象的特质。
道本寂传《无事》纸本水墨
无准师范《归云》纸本水墨
无准师范《器宇》纸本水墨
中峰明本《劝缘疏》（局部）纸本水墨
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