事实上，大量案例都表明，采用哼唱以及基于内心听觉来读谱或背谱等不用乐器的练习，可以暂时摆脱演奏技巧、乐器性能与身体机能等方面的限制，而完全聚焦于音乐方面的理解与诠释问题，往往具有意想不到的效果。另一种在构建诠释阶段的常用方法是聆听或观看其他演奏（唱）家的现场表演或录音录像。例如意大利歌唱家、作曲家与音乐作家托西（Pier Francesco Tosi，1653—1732）建议“尽可能多的去听那些最有名望的声乐家，并同样关注那些最杰出的器乐家，因为从聆听他们的专注体验中，能够得到比无论什么样的教学提示都更有益处的收获。”而这种基于聆听的学习在C.P.E.巴赫看来是一种“可以忍受的偷窃（tolerated larceny），在音乐中更为必要……只有通过这种方法，那些不容易被演示，很少被写下来的琐碎事项才变得显而易见”。关于通过聆听的学习，当代音乐心理学家斯洛波达（John A. Sloboda，1950—）也有类似看法：“演奏的专业技能首先需要一种发达的分析聆听能力，以便能够“捕捉到”那些构成大师级演奏的细微时速和强度[例如力度]变化，并随后进行模仿。以我本人和很多音乐家的经验，没有真正令人满意的方法能够描述表情的变化，并在某种程度上让人们能够将它们吸收到自己的演奏中。”不过，笔者认为这种以模仿为主要目标的聆听其实存在着一定风险，这就像我们在撰写学术论述前当然需要去大量阅读文献，但这显然不能以抄袭为目的，即便这种剽窃在C.P.E.巴赫以及许多人看来或许是可以“容忍的”，但这无疑会影响我们演奏中的“原创性”，以及作为一名独立艺术家的长远发展。事实上，在斯洛波达撰写以上这段话的35年后，现在我们已经有了一些令人满意的方法能够描述表情的变化，例如针对速度、力度等各种演奏参数的可视化分析等。这在尼古拉斯·库克看来是一种真正有效的增强聆听（augmented listening）手段（例如图1与图3等），可以辅助我们从录音与录像中感知并学习到更多有关音乐表演的诠释方法及规律，从而帮助我们形成自己独特的诠释规划与表演风格。 （二）发展专业技能的练习发展专业技能的练习，一方面是所有音乐表演从业人士的日常行为，例如音阶、琶音、练声与练习曲等每日常规的一般技巧练习；另一方面则是用来攻克特定乐曲中技巧难点的应用技巧练习，通常最好在构建诠释的练习基本完成之后再全面展开，因为弓法、指法、踏板、气息等具体技术手段，通常决定于我们对音乐的特定理解。对于每日常规的一般技巧练习来说，我们可以借助现代运动生理学的原理来理解某种技巧的学习过程，一般说来可以分为四个阶段：1.泛化阶段；2.分化阶段；3.巩固阶段；4.自动化阶段我们花很长时间学习某一种技巧，便是为了使它达到一种自动化的程度，比如在演奏由音阶构成的乐句时，若我们已经熟练地掌握了音阶的演奏技巧便可以把注意力更多地放在乐曲的处理上，根本不用多想该如何演奏音阶。而对于在乐曲中遇到的应用技巧来说，主要有三大类练习方法。其一是分段法，即把大段的练习材料分成若干小段来逐一解决，分段的依据首先要保证长度要短到可以较为轻松地解决其中存在的问题，其次是要考虑到音乐的曲式与句法结构；其二是分解法，即把复杂技巧片段分解为我们已经掌握的各种典型的一般技巧，再通过符合音乐诠释需要的方式将它们组合起来。其三是慢练法。这是一个老生常谈的话题，有两点值得注意：一是虽然节奏放慢了，但动作要尽可能接近于原速时的状态。二是当慢练完成以后恢复原速时，要有逐渐加速的过程。需要补充的是，构建诠释与发展技巧的练习并不是决然分开的。因为演奏乐器或歌唱、指挥本身的动觉与听觉反馈，有时也会给我们很大的启发，从而促使我们修正甚至完全改变原先的理解与诠释。例如在弦乐上用巴洛克弓演奏，由于弓子较短、较软且很有韧性，因此会自然引导演奏者采用更为轻巧且短促的断奏风格。此外，在同一次练琴的时间段里，我们经常也需要把构建诠释与发展技巧的练习整合起来交替进行。例如图6呈现了青年唢呐演奏家李帅帅对于某次180分钟练习时间的详细规划，右图横坐标是乐曲的小节数，纵坐标是以分钟为单位的练习时间。从图中我们可以看出，他首先花了一些时间聆听了这首作品的完整音频，然后分段落学习了这首作品，他的分段依据是作品ABA的曲式结构。在每个段落中他遵循了先抠（细读）谱子、再看谱通奏的顺序，在A段和B段练好后，他又从头读了一遍乐谱，确保在音乐上完全理解后再继续往下。最后的背奏过程，他也遵循了先分段背奏，再完整背奏的顺序，很好地体现了本文所提及的各种理念与方法。
这些研究结果的差异，一方面说明埃里克森等人当年的研究可能确实存在一些方法论上的瑕疵；另一方面，两个相差超过1/4个世纪且在不同地区开展的实证研究，也可能在很大程度上受到时代与社会环境变迁的影响。总的说来，在当前信息爆炸的快节奏社会，在任何领域更加强调的都是质量和效率，而非数量与时间的积累，练琴数量与质量之间的关系也是如此。根据麦克纳马拉2019年的更新研究，最好的学生在成年后应该有能力以更高的效率自主练习并不断进步，而不再需要过多地依赖于老师以及更多练琴时间的堆砌，这完全符合当前时代的特点，也符合一个成年人的生活应该更加丰富多彩的需要。 结语 本文的研究表明，在构建诠释的阶段，演奏者可以利用针对历史录音的可视化分析、哼唱旋律等多样化的方法结合乐谱分析与文献梳理等传统手段来进行具有创造性的准备工作。而后，演奏者还可以根据发展技能的练习原则，尽可能采用合理的时间投入与最小化的重复练习（减少重复对于保持乐曲的新鲜感来说十分重要）来逐段（参照曲式结构）攻克乐曲中所包含的技巧难点，从而取得练习数量与质量之间的最优化平衡。这对于那些功课繁忙的中小学生以及其他练习时间有限的学习者来说尤其重要。总之，在音乐表演的构思与练习过程中，应该通过对乐曲的深度理解来引领科学有效且目标明确的练习，并兼顾一般技巧的保持与进步。这诚如C.P.E.巴赫所言：“智慧的练习将易于取得那些通过极度滥用肌肉永远无法得到的效果”。 作者简介：杨健，上海音乐学院音乐工程系特聘教授；中国录音师协会声音艺术专业委员会副主任，中国计算机学会计算艺术分会常务委员，中国音乐家协会西方音乐学会副秘书长，表演科学国际研讨会（International Symposium on Performance Science）学术委员会委员，《艺术与科技国际学报》（International Journal of Arts and
Technology）编委，普罗科菲耶夫国际音乐比赛评委，上海市曙光学者、高层次人才入选者；先后以优异成绩获工学学士（自动化）、文学硕士（小提琴演奏与教学）及文学博士（西方音乐史）；主持完成《中国音乐基础数据库》、《跨学科视野下的音乐表演体系研究》、《可视化分析在音乐研究中的综合应用》等国家级与国际合作课题十余项；发表论文、专著、译著、乐谱、CD与App等百余件；曾获霍英东教育基金会高校青年教师一等奖，英国剑桥大学圣约翰学院海外访问学者奖学金，中国国家留学基金委奖学金，中国青少年音乐比赛最佳教师奖，奥地利音乐学最佳论文奖。本科课程：音乐编程、音乐科技设计以及音频音乐与计算机的交融（中国大学MOOC，合作）；硕博研究生课程：音乐类在线应用的设计与开发、音乐可视化分析的方法与应用、音乐表演学位论文写作研讨（弦乐）
、跨学科视野下的音乐表演研究（上音首届研究生精品课程）；主要研究方向：音乐科技、音乐表演与音乐人工智能；Email: yangjian@shcmusic.edu.cn。本文原载（注释从略，详见原文）：杨健.音乐表演的构思与练习[J].音乐生活,2023(02):14-19.
