4-5月伦敦展览｜从生态女权主义到对物质性和时间性的探寻

作为概念艺术、电影和表演的先驱、音乐家和世界和平的倡导者，小野洋子(YOKO ONO)在美国、日本和英国进行着多样化的艺术实践。YOKO ONO: MIND OF THE MIND是她在英国迄今为止举办的最大的展览，展览将展出超过200件作品，其中包含：乐谱、装置、电影、音乐和摄影等作品，以回顾她的艺术生涯。

思想是她创作的核心，她常常以诗意、幽默甚至是激进的方式表达自己的观念。展览呈现了她最受关注和影响力的表演和艺术作品，其中包括 Cut Piece (1964)——她邀请观众用自己的方式去剪下她的衣服。

本次展览展出了21位艺术家探索雕塑动态和形式的可能性，这些作品捕捉了生物的无意识本能，在画廊空间的各个角落里蠕动、呼吸、漂浮和挤压。与大多数展览不同，观众可以自由的选择观展的路线，而不是遵循固定的系统去观看。

埃娃·法布雷加斯的管状粉红生物在充满着粉红灯光照亮的房间里蔓延。宛如分子结构闪烁的光芒的作品则是塔拉·多诺万对于雕塑多形态的实验。在画廊的另一处空间里，霍利·亨德里创作的像是管道般蜿蜒的雕塑正试图穿出窗外，而琳达·本格利斯的粘性作品将观众的注意力拉回到材料的特性上。在愈发数字化的时代里，这些雕塑邀请我们以视觉、触觉的方式去观看和体验。

Cloud songs on the horizon是艺术家Ranjani Shettar在欧洲的首次重要机构展览，呈现了艺术家手工制作的五件全新大型悬挂雕塑，遍布了整个温室空间。Shettar雕塑的灵感源于大自然的复杂性，她在创作中使用了一系列材料，包括木头、不锈钢、麻布、漆等，并采用了改编自传统印度手工艺的技术。展览将持续至7月，观展需要提前在Barbican官网预约。

Surrogates是奥地利艺术家厄温·沃姆（Erwin Wurm）的全新雕塑展，包含艺术家首次展出的三个系列作品：Paradise、Mind Bubbles和Dreamers，与艺术家在约克郡雕塑公园的展览同时进行。此次展览展出了涂漆金属和环氧树脂雕塑，以及他标志性的One Minute Sculptures作品。这些作品无不体现了沃姆对传统雕塑概念的反叛，他试图打破主体与客体、人类与非人类、观众与参与者之间的传统区分。

在整个展览中，沃姆转换二维和三维、质量、容积、皮肤和表面、运动和时间，使熟悉的事物变得陌生。就像他曾给汽车和房屋增加了体积，重新塑造了我们与物品作为资本主义地位象征的关系一样，在本次展览中，女性高跟鞋的形态几乎被扭曲到难以辨认。鞋子的高跟使个体的身高增加了，他将其描述为一种“社会游戏”。

自1980年代末以来，服装一直是沃姆的灵感之源，当时他的工作室附近有大量二手衣物，促使他进行了一系列持续至今的对已经使用的物品的广泛实验。他曾谈到：“衣服是我们的第二层皮肤，一种将我们的身体与外界隔离的外壳。”

The Substitutes呈现为无躯体的人形，仅由排列得像被身体穿戴的镂空铝制服装组成，身体本身却是缺席的状态。它们的“皮肤”将雕塑内部的隐藏体积与它们所站立的外部空间分开。这些服装、姿势和（通常单色调的）色彩调色板突出了我们可能赋予个体所选择穿着的特定社会价值观。这些雕塑成为了人体的“替代品”或“代理人”，其体积、质量和形式由铝制衣服的“第二层皮肤”定义。

这些新系列作品与艺术家的One Minute Sculptures系列作品一起展出，这些作品集中体现了他对基于时间的、参与性雕塑的创新方法。这个系列始于1996年至1997年，它们由书面或绘制的说明组成，通常由个体在基座上进行长达一分钟的表演。通常融入日常物品，它们将观众从旁观者转变为参与者，动摇了传统的艺术参与方式。在Ely House展示的One Minute Sculptures被沃姆描述为这个系列的一个“新篇章”，标志着这个系列的重要演变。每件作品都引入了抽象的雕塑元素，即使没有被参与者激活，这些元素仍然存在。

Whitecube正在呈现达伦·阿尔蒙德（Darren Almond）的个展Life Line，他的绘画作品拥抱了时间、记忆和地点的不稳定性。阿尔蒙德将时间视为连续且可变的，现实且抽象的，他持续探讨着我们与自然界的变化关系。

对时间层次的敏感 - 无论是机械的、物理的还是宇宙的 - 阿尔蒙德的抽象冥想引导了观众对时间的体验。Life Line最初源自艺术家童年时期在维根（Wigan）边缘的一个被淹没的矿坑旁垂柳树下垂钓的记忆。他对这片水体上光线的反射深感着迷，Life Line通过二联画引入了这段早期记忆。由发光的壁龛组成，这些绘画在四面墙上形成了一条地平线。作为对持续时间的研究，这些窗户般的景观绘画描绘了不同季节的景象。每块面板都覆盖着不同的金属箔：金、铜或钯，然后再配以柳树的细长轮廓，各处于不同的叶芽阶段。从金色的春叶的翠绿新鲜到钯色的光秃秃的冬季树枝，一个季节性的节奏在展览空间中展现出来。

在Bite the Hand展览中，纽约艺术家伊托·巴拉达（Yto Barrada）正展出纺织品作品、雕塑、版画，以及影像装置。这次展览呈现的纺织作品，是在她位于丹吉尔的天然染料花园——“母船”中染色的，该花园是一个生态女权主义研究中心和艺术家驻地场所，今年初在Artangel的支持下向公众开放。

在过去的二十年里，巴拉达的创作涉及历史、社会记忆和当代政治议题。她以色彩的分解和物质性重新追溯了失落的历史，自然规律与殖民主义和资本主义之间的关系。对于巴拉达来说，缓慢和即兴是一种抵抗规律和节奏作为纪律和生产力的方式。通过对天然染料的艺术和科学研究与实践，巴拉达找到了自己的方式去反抗资本化的节奏和时间性。

Wayfinding是英国艺术家阿米莉亚·鲍尔斯（Amelia Bowles）的首次个展，她的作品融合了雕塑、绘画和建筑的元素，利用光线、色彩捕捉了虚空和非物质性，调和了生理、认知和感知的平衡。鲍尔斯以一种抽象自然的方式呈现复杂世界的痕迹，通过形式、比例、方向和颜色来调和虚空和实质之间的关系。

与“抽象化”过程一致，鲍尔斯展示了她的思考过程，她从绘图开始，这些绘图引导她尝试剪纸形状。她将这些形状发展成地图，标注了尺寸，探索她所确定的形式如何在雕塑上实现。然后是三维拼贴，逐步转换成大型作品的模型。最终她才决定最适合的材料，并转向雕塑形式。作为形而上的极简主义者，她将复杂的思考融入到抽象的元素中，邀请观众进入感知的世界。

弗朗索瓦·莫雷勒（François Morellet）以一种几何抽象法将视觉元素和动态的特征融入作品创作中，并将霓虹管、钢铁等材料运用在作品里解构和重构出抽象的语言，打开了系统和随机性之间的对话。

在早期的作品中莫雷勒使用方形的面板为主要材料，通过引用数字和算法在面板表面绘制出线条。自1963年起，他在作品中使用霓虹灯管这一材质，将光源引入到他的艺术表达之中。到了1970年代，他将随机数和对角线等数理的元素的可能性加入到作品里。直至1980年代中期，为了反抗常与极简主义和抽象主义联系在一起的规则，莫雷勒开始在他的作品中使用双关语，打破了先前对于数学公式的一贯运用。

NISO首次举办的群展展示了十一位具有影响力的当代艺术家的作品。从Hitoshi Nakazato (1936-2010) 和Claude Chaussard (b. 1954) 的线条作品到 Takis’ (1925-2019)的无重力结构电磁雕塑，再到Max Wechsler (1925-2020) 和Nanami Inoue (b. 1996)的抽象表达。展览的每件作品都在探索一种内在的平衡性和物质性的概念。