5-6月美国展览｜从亲缘关系的解离到集体记忆的追溯

本次展览是Joan Jonas在美国迄今为止最全面的回顾展，展出了她50多年来的创作。展览精选了她从1968年至今的作品，包括视频、绘画、照片以及装置和表演。

Joan Jonas曾谈到：“我认为诗歌、雕塑、电影或舞蹈之间没有很大的大区别。”五十多年来，Jonas通过自己的跨学科实践重新定义了表演、视频、绘画、雕塑和装置之间的界限。

受文学、能和歌舞伎剧院以及艺术史的影响，她早期的实验作品探索了既定的元素——无论是距离、镜子、相机，甚至是风——如何改变一个人的感知。在后续的创作中，她持续通过沉浸式多媒体装置表达对于气候变化和物种之间的亲属关系和历史问题的关注。

展览展示了Roni Horn最新的纸面系列作品，以及以前从未展出过的铸造玻璃雕塑。这些作品突出了她对身份、意义和感知的持久探索，揭示Horn对人类与自然世界关系的思考。

近40年来，绘画一直是Horn作品不可或缺的一部分。她通过构建、解构然后重建图像和文本来扩展标记语言。对于她名为“Slarips”（反向书写的“螺旋”一词）的最新系列，Horn制作了一系列水彩螺旋。随后，她将画好的图像剪下来，并将它们拼凑成新的镶嵌作品。每个标题都刻意错误地拼写了“螺旋”一词，这表明与作品的原始原始材料有深刻的背离。

Horn既是一位作家，也是一位视觉艺术家，言语自然地渗透到她的创作中。在这次展览中，她对语言的使用与作品的标题有关，也出现在展出的雕塑中：铸造玻璃作品的标题引用了小说、电影和广播的语录。

在20世纪90年代中期她开始制作铸造玻璃雕塑，将彩色熔融玻璃倒入模具中，然后在几个月内逐渐退火。Horn花了数年时间开发了特定的技术流程，使得这些作品在固态的质感里同时拥有流动的视觉效果。它们不透明、粗糙纹理的侧面带有铸造模具的印象，而它们光滑的火抛光顶部让人想水池的晶莹剔透的表面。水，通常被认为是变化的普遍象征，是Horn的永恒主题。她曾说：“与其说水是一种物质，不如说是一种东西，其身份是基于它与其他事物的关系......水不是物体，而是成为意识的隐喻——时间、物理和人类状况的隐喻。”

这是意大利艺术家Vincenzo De Cotiis在洛杉矶的首次个展。这件作品被认为是国际当代收藏设计的先驱之一，是艺术家对城市环境问题观察的延续。

该系列呈现了一系列雕塑作品，深入研究了形式和材料领域，采用了深色单色、有机成分和原始表达的调色板。这些作品邀请观众参与移民和文化混合的主题，作为艺术奥德赛进入当代城市生活的美学。

Crossing Over类似于一位人类学家的工作，De Cotiis通过对文化和痕迹的研究，结合了给定时期内的差异和相似之处。艺术家认为纯粹的时间是永恒的，没有出现在我们充满图像、模拟和重建现实的世界中。穿越成为一种细致入微的挂毯，将时间多样性和永恒存在的永恒纯洁的错综复杂线编织在一起。

De Cotiis说：“穿越是一次旅程，一次探索，寻找我见过的地方和存在于我想象中的空间。我追求文化，寻找与我的重叠的符号和图标。这是关于污染的研究。所有这些都是分层在我内心的，属于我，但最重要的是，我仍然没有遇到的东西。”

Liminal Spaces是印度艺术家Siji Krishnan的新作品展览。Siji Krishnan以情感风景绘画而闻名，她在作品中捕捉了在印度南部的乡村成长经历，以及个人和集体记忆之间的对话。她的家庭绘画——以乡村生活的感官印象为框架的复杂详细肖像——审视了人类与自然世界之间的血缘关系。失重的米纸表面，让人想起16世纪巴约挂毯的长篇叙事记录或乔治·莫兰迪静物的美感。

在这次展览中，Siji Krishnan建立了自己作为母亲的家庭认同感；创作行为（在画布上和身体上）使她能够“获得新的视角并体验新的生活”。她的每个主题虽然植根于熟悉的过去，但都集中在现在，并邀请观众仔细倾听其中的故事。

为了达到纹理的质量，Siji Krishnan将纤维状、脆性的宣纸层叠在一起。水彩画在精致的蓝色和泥土色调的薄水中堆积起来，以达到类似于旧地图或棕褐色照片的柔软、奇异的古铜色。错觉意味着Siji Krishnan的笔触和主题的意向性——自然世界的地形与乡村生活的建筑融为一体。她在亚麻布上的作品也具有相同的性质。

这是贝浩登与艺术家维Vivian Greven合作的首次个展，此次展览呈现艺术家创作的全新系列画作。Greven在这组作品中运用其独特的视角捕捉了人们渴望的亲密时刻，将古希腊与罗马美学中精雕细琢的身姿与天体的浩瀚氛围融于一体。

对Greven而言, 绘画是一种探寻生而为人的方式：如何与他人建立亲密关系以及与他人的身心产生连结。她的手法是将肉身形体转译再现，无论它们是新古典主义的雕塑、网络上发现的影像，抑或自己拍摄的照片。她将它们转化为运用丰富的油彩与丙烯颜料创作的大尺幅画作。当一种构图吸引了她的注意力, Greven便会一而再、再而三地重复临摹，通常形成有特定名称和编号的系列作品。然而，尽管她的形式是超现实主义的，轮廓与明暗对比经过其高超技艺的描摹看起来近乎立体，但这些画作并非直接复制自原始素材，而是格蕾文对色彩与构图进行的创造性改编，赋予每幅画作独特且丰富的意蕴。

特别是在过去的几年里，Greven对“连结”（connection）的概念颇有兴趣：在某些时刻, 我们彼此相遇, 不再分离。本次展览的画作正是从主题与形体层面来探讨这一理念。《Wh Ole I and II》、《Ae Tha》和《Lamia VI》几幅作品的灵感源于意大利新古典主义雕塑家安东尼奥·卡诺瓦（Antonio Canova）根据阿普列尤斯（Apuleius）的古罗马故事所雕刻的著名雕塑《爱神与普塞克》（Amor and Psyche）。雕塑描绘了神话故事中爱神丘比特以亲吻唤醒沉睡的凡人恋人普塞克的瞬间, 此后二人便在快乐中永恒相伴。《Sphinx III》和《Sphinx IV》则是一个新系列的最初两件作品, 灵感来自1984年的奇幻电影《无尽的故事》（The Never Ending Story）中守卫城门的被叫做斯芬克斯的有翼生物，它们会向那些它们视为不够资格通过的人发射镭射光以示拒绝入内。展览中的其他作品则描绘了不那么具体特指的场景, 如一个亲吻的特写, 或者一个穿着紧身金色泳衣的女人的背部。

这是美国第一个专门以Anselm Kiefer摄影作品为中心的展览。自1968年以来，摄影一直是Kiefer一个重要实践方向。最初他使用他父亲的35毫米相机，该媒介支撑着他绘画的演变。

展览的标题指的是Roland Barthes在他的批评文章《Camera Lucida: Reflections on Photography》（1980）中提出的概念。Punctum（拉丁语“穿刺”或“伤口”）意味着照片的细节，在主要由其文化编码的主题形成的情感或个人影响之外引发一种感觉或个人影响。仿佛在描绘从未发生过的事情的记忆，Kiefer的照片传达了一种全面、令人回味的、甚至忧郁的光环，超越了对时间和地点的传统表现。

这些照片加强了Kiefer作品中废墟和破坏以及成长和更新等主题的连续性，主题从向日葵和白雪覆盖的田野到茂密的城市景观。名为Merkaba（2010-13和2010-15）和Jericho（2010-15）的作品描绘了La Ribaute的塔楼雕塑，La Ribaute是他位于法国巴尔雅克的前工作室建筑群，现在是他基金会Eschaton的一部分。

Der gestirnte Himmel über uns und das moralische Gesetz in uns（我们内心的道德法则，我们上方的星空）（1969-2009），这是一篇模仿的游记，Kiefer在充满文化色彩的欧洲地点摆出姿势，挪用和重新语境化了禁忌姿态，以对抗第二次世界大战的历史分量。在较新的作品中，Kiefer用水粉画了照片的上半部分，增加了一个充满星星的天空，与康德的线条产生共鸣。

Kang的实践以探索紧张、界限和平衡为中心。她的绘画和雕塑探寻了新旧之间的和谐，在当代背景下重新诠释了Jeongganbo和Chunaengmu等传统艺术形式。画廊展出的是Jeong、Mat、Narrow Meadow和Mora系列作品，以及两个新的雕塑系列，Mountain和Column。

对于这些作品，Kang将传统技术与特定材料相结合，创造出受韩国文化启发的动态形式，但又深入参与当代社会问题和艺术史。

植根于她作为传统画家的训练，Kang的作品探索了尽管我们有很多差异，但我们如何保持联系。在关注过去思想今天如何表现时，Kang采用了“Jinkyung”或“真实观点”绘画的传统概念，该概念试图通过共同象征主义原则来代表主题的本质。