10-11月美国展览｜从身份构建的审视到自然元素的再生

Rachel Mica Weiss 在 Carvalho Park 画廊的首次个展“Cyclicalities”展览，展示了她对边界、限制和自主性的深入探索。通过两件具有动力元素的大型混凝土雕塑，展览突出了“锁链”这一象征，讨论了社会规章和个人自由之间的张力。手工雕刻的蓝色雪花石膏和大理石链条为作品赋予了视觉上的重量与象征意义，暗示了人类生活中无形的约束与循环。Weiss 的作品精心探讨了空间与时间的交互作用，激发观众思考身份与社会之间的复杂关系。

她通过这些雕塑质疑物理空间与个人自由的界限，展示了如何通过艺术表达人类行为背后的隐喻和社会结构。动力元素的加入使雕塑带有动态的对比，进一步深化了展览主题。

Lee Bae 在 Perrotin 画廊的“Between”展览，探讨了材料、空间与时间的交织。Lee Bae 的创作主要围绕木炭这一媒介展开，木炭在他手中成为文化和艺术的桥梁，连接着传统与当代。展览展示了他一系列以木炭为核心的作品，包括纸上绘画、青铜雕塑等，彰显了他对材质与形态的深刻理解。Lee Bae 将简单的几何形态与极简主义表现手法相结合，通过黑色的质感和表现力，探索抽象艺术中的动态与静态、存在与虚无之间的关系。

他的木炭作品充满韩国传统水墨画的影响，表现出对自然和生命本质的深刻思考。展览中的青铜雕塑则呈现了形体和物质的多样性，呼应了 Lee Bae 对于文化交融的关注。展览中的每一件作品都像是在讲述一个故事，揭示了人与自然、材料与文化之间的微妙对话。

Leonardo Drew 在 Galerie Lelong & Co. 的第三次个展，展示了其特有的无题艺术风格。展览的核心是一个环绕画廊中央柱子的爆炸性现场装置，用锥形结构反应空间的建筑特征。此外，Drew 还展出了一系列在他的作品集中独特的、使用大胆色彩和反光材料的墙面作品。他的创作核心是不断创造与再创造，通过重新想象回收材料并引入新材料，展现了他实践的可能性扩展。

在主画廊空间，一个垂直形状的巨大装置将展示木板的纹理，这些木板曾在他2019年的展览中首次使用，后来被重新用于其他装置，现在则重新诠释以适应画廊的现代工业风格。墙面和地面的元素共同营造出从混乱到清晰的视觉旅程，物质的积累传达出强烈的情感和形式声明。

这次展览在CARVALHO PARK呈现，展示了纽约艺术家和设计师Liam Lee与蒙特利尔的陶瓷与纺织艺术家Elisabeth Perrault的作品。展览通过两个建筑规模的装置展示Perrault的作品，一种是陶瓷花朵，在悬挂的状态中展现了它们的衰败之美；另一件作品则是在画廊墙上波动展开的花卉皮肤。Lee则通过他迄今为止最大的羊毛挂毯作品，探索纺织与雕塑的界限。

Perrault的作品深刻地触及到自然与人工的关系，她的作品不仅仅是视觉上的享受，更引发对生态与美学的思考。Lee的挂毯作品，通过色彩和形状的变化，展示了生物形态的密度和重量，传达了生命的动感和灵性。

展览中，Lee和Perrault的作品共同探索了自然界的多维度和感官体验。从花园到工作室的创作过程中，二人的作品都在探讨、挑战并重新定义我们与自然世界的连接。

Layo Bright 的首次个展“Heartwood”在 Halsey McKay 画廊隆重展出，展览以“心材”这一隐喻为核心，象征着个人力量与身份的根源。作品通过使用玻璃与青铜这两种具有强烈对比的材料，探讨了韧性、自我治愈以及文化传承等主题。玻璃的透明性与青铜的坚固性并存，象征了脆弱与力量之间的平衡。

展览灵感源自尼日利亚的传统工艺与文化符号。Bright 的作品中借鉴了伊费（Ife）文化中的头颅铸造技术，这种技艺在古代西非文明中象征着王权与精神力量。此外，Bright 还结合了尼日利亚传统发型“Shuku”的象征性，展示了文化符号在身份建构中的重要性。这种发型以其优雅的曲线和造型，成为了 Bright 作品中线条与形状的设计灵感。

通过这些雕塑，Bright 探讨了个人与文化记忆的复杂关系。她的作品不仅仅是对传统的重新解读，更是对自我认知的深层次反思。Bright 利用雕塑来表达文化遗产与当代身份之间的联系，作品中的每一件都承载着对个人与社会历史的双重探索。

在 Petzel 画廊，Kristin Walsh 的首次个展“The Working End” 展现了她对纽约地铁系统的独特视角。展览通过七件大型雕塑，探索城市公共设施中的日常物品——如扶手、灯具、转门等——如何在无形中引导、限制和影响着人们的行为。Walsh 以铝制雕塑的形式，精确复制了这些常被忽略的物件，揭示了它们的象征意义，既是公共服务的标志，也是社会控制的象征。通过结合传统和机械化技术，展览让观众重新思考这些物件在日常生活中的存在与作用。

展览中的雕塑作品不仅是一种机械的表现，更通过独特的材料质感与现代设计的对比，形成了一种带有讽刺意味的感官体验。Walsh 在这些作品中，以极简的形式语言探讨了权力、管理与公共空间的关系，将这些物件从日常生活中抽离出来，使其成为社会结构的隐喻。她将看似平凡的物品重新赋予了意义，提醒观众关注我们日常忽视的公共设施所扮演的关键角色。

Nan Goldin 在 Gagosian 画廊的新展览不仅展示了她的两个新的动态影像作品，还有一系列令人印象深刻的新照片。这次展览特别突出了 Goldin 对自我表达和情感探索的不懈追求。展览中的亮点包括一个特别设计的观影亭，让观众可以在一个相对私密的空间内深入体验 Goldin 的影像世界。这种设置使得个人的感受和反应成为体验的核心部分，强化了观众与作品之间的互动。

Goldin 的艺术实践始终围绕着对个人历史的回顾和对社会现象的敏锐观察，她的作品经常探讨与社会边缘人物的关系。在本次展览中，Goldin 通过将经典美术作品与个人生活照片结合的方式，展现了跨越时代的视觉和情感共鸣。此外，她创造了一系列新的网格式摄影作品，这些作品在视觉上与博物馆中的艺术品相呼应，内容上则深入挖掘了爱与损失的主题。

在这次展览中，Goldin 进一步延伸了她对影像的探索，不仅仅局限于静态的摄影，更加深入地运用动态影像来表达时间的流逝和记忆的重构。这些动态作品，结合了声音和动态画面，为观众提供了一种全新的感受历史和记忆的方式。Goldin 的这种方法，既是对她早期工作的延续，也是对摄影媒介可能性的探索。

展览不仅是对 Goldin 作为艺术家身份的庆祝，也是对她所关注的社会主题的深入探讨。通过这次展览，Goldin 期望能够激发观众对于个人与社会、历史与现实之间关系的反思和讨论。这种深入的情感和社会层面的探讨，是 Goldin 艺术实践中不可或缺的一部分，也是她作品能够持续吸引人们关注的原因。

Jimmy Centeno 的个展“LA TINTA NEGRA Y ROJA FORJANDO LAS PALABRAS CON HIERRO”在 Rusha & Co. 画廊展出，以雕塑、装配和混合媒介作品为载体，探讨社区、身份与反抗主题。Centeno 从画廊周围的社区中收集材料，将这些物件转化为象征自我决断和抵抗的艺术作品。他的创作融合了去殖民化思潮、墨西哥和非洲的口述传统，并从全球南方的视角进行深入探讨，关注劳作、时间和历史记忆的消逝与保存。

展览中，Centeno 通过铁、木材等硬质材料创造出具有张力的雕塑，反映了他对劳动者及其文化贡献的尊重。他作品中的符号与形式源自墨西哥原住民和非洲文化，反映了历史中的抗争与集体记忆。这些雕塑不仅仅是物理对象，更承载着丰富的文化内涵，成为对抗全球化和现代资本主义压迫的象征。

Centeno 的作品特别关注劳动者在历史中被忽视的角色，利用铁和木材的坚固与柔韧性，展现了工人阶级对社会的贡献。通过这些作品，他提醒我们重视劳作的尊严，以及如何在现代世界中保持身份与文化认同。展览不仅仅是一种美学体验，更是一场政治、历史与文化的对话，激发观众对社会结构和历史压迫的深刻思考。

Gustav Metzger 的展览“And Then Came the Environment”在 Hauser & Wirth 画廊展出，展示了这位艺术家对环境问题的长期关注。Metzger 是“自动毁灭艺术”的先锋，他的作品结合了科学与艺术，以创新手法警示工业化、战争与污染对地球的破坏。展览呈现了他自1960年代起的多项作品，包括液晶雕塑、化学实验以及与环保主题相关的装置艺术。Metzger 倡导观众反思人类活动对自然环境的影响，并提倡社会变革和环境保护。他的作品不仅探讨了生态破坏，还呼吁通过艺术促发人们的环保意识，提醒观众保护地球的紧迫性。

展览中的许多作品通过逐步变化的视觉效果，展示了破坏与再生的循环，表现了自然的脆弱与复原力。Metzger 的创作强调了“受损自然”这一概念，反映了他对生态、社会和文化议题的深刻思考。他希望通过艺术呼吁人们采取积极行动，以应对环境危机。