8-9月伦敦展览｜从跨文化背景的游戏体验到对物质历史的浪漫想象

Barbican正在呈现艺术家Francis Alÿs（1959年生于比利时安特卫普）的全新大型展览。这是艺术家近15年来在英国最大的机构个展，将Barbican的野兽派建筑转变为一个游戏般的电影式游乐场。展览“Francis Alÿs: Ricochets”首次在英国展出他的系列作品“儿童游戏”（1999年至今），并包含大量全新作品。

在过去的二十年里，Alÿs走访了全球超过15个国家，拍摄儿童游戏的影片——从墨西哥的“抢椅子”到伊拉克的“跳山羊”，再到阿富汗的“狼与羊”。“儿童游戏”记录了游戏的创造性，突出了由于快速城市化、社区瓦解以及数字娱乐普及而日渐衰落的社交互动。

展览的影像与Alÿs的绘画作品形成对话，并展示了“儿童游戏”系列的多屏沉浸式装置。每部影片记录了在全球不同环境和背景下的游戏体验，包括尼泊尔、比利时、摩洛哥、加拿大和古巴等地区。

Alÿs还首次展出了一组全新的动画影片，描绘了传统和鲜为人知的手部游戏，这些游戏由儿童和成人共同玩耍，如“拇指大战”和“叠手游戏”。每部作品由数百个简单的黑色线条构成的手部动作动画组成，与色彩饱和的“儿童游戏”影片形成对比。

展览设计将游戏作为展览体验的核心部分。其中，由Barbican与Alÿs的长期合作伙伴Rafael Ortega共同开发的两个游戏室中，观众被邀请参与游戏的互动体验。

本次展览是Vibha Galhotra在英国的首次个展，展示了她在过去十五年中环境艺术与概念艺术实践的发展。

Galhotra的多媒体艺术实践关注在气候变化、消费主义、资本主义和全球化的推动下，世界地形的剧烈变化。她的作品在概念上与20世纪60至70年代的大地艺术运动有着密切联系。Galhotra还从生态学、经济学和灵性等不同学科汲取灵感，形成了一种诗意的视觉表达。

在展览中，中心展品取自艺术家的“WOUNDED”系列。这组作品暗示了人类在地球上留下的伤痕。作品表面上的“伤痕”制造过程成为地球感知到的痛苦及其脆弱状态的隐喻，纸质模具上留有尖锐物体的印痕。使用的技术呼应了她最喜爱的印度艺术家Somnath Hore的“伤痕”作品，Hore也采用了类似的手法。

在“FLOW”中，Galhotra重新利用了印度传统脚铃——ghungroos，这种脚铃通常用于古典舞蹈和装饰品，但在她的作品中则用于静默的沉思。通过将ghungroos从其音乐和节奏的本质中分离出来，Galhotra创造了新的动作和图案，视觉上表现出无声的、逐渐恶化的环境。“FLOW”的结构模仿了亚穆纳河的路径，突显了污染如何将这条神圣的河流变成了一种危险。

画廊正在呈现“Painting, Smoking, Eating”展览，该展览由Andrew Salgado联合策展，标题来源于菲利普·加斯顿的一幅画作。展览汇集了13位来自世界各地的艺术家，他们的作品直接探讨了关于绘画本身的主题。此次参展的艺术家们用自嘲的方式拆解了艺术持续再生产的过程，将艺术家自身描绘为局外人的方式，为观众提供了一个再审视的入口。

这是Gabriel Esteban Molina在 Yamamoto Keiko Rochaix, London画廊的第二次个展，展览利用镜头语言探索艺术家关于过往的记忆。展览包括虚拟现实视频、增强现实作品和数字印刷品，分布在画廊的两层空间中。第一层展示了艺术家在加拿大阿尔伯塔省埃德蒙顿被拆除的家，地下一层则进一步深入探讨艺术家在智利童年时期的空间。

该项目最初是为了创建一个数字纪念碑，纪念他家人在埃德蒙顿市中心租住了15年的战前住宅被迫搬迁。项目灵感来源于古希腊的记忆术，俗称“记忆宫殿”或地点法，即人在大脑中创建一个与记忆中真实空间相关联的虚拟空间，可以在脑海中“旅行”到相应地点。在得知房子即将被拆除后，艺术家转向使用摄影技术，如360度球形视频、增强现实、摄影测量和3D打印，创建了一个虚拟的记忆宫殿，并探索这些数字工具如何通过突出空间、物体和记忆之间的关系来与我们的过去进行有意义的互动。

展览中的两部视频展示了疫情期间时间的流逝，包括寒冷的早晨、温暖的夏日，以及从温馨的家到充满悲伤再到最终空无一人的房子的转变。这些影像从360度球形视频、智能手机照片、社交媒体帖子等中选取。艺术家还创建了“记忆宫殿AR”应用程序，观众可以下载该应用，在智能手机上获得沉浸式增强现实体验，看到艺术家的旧居原貌。

地下一层空间进一步探索了艺术家创作的根源，即他父母来自的智利大家庭的家。Molina在童年时期经常前往智利，对这个紧密团结、生活质朴的大家庭及其宽敞的房子怀有深厚感情，并继续珍藏着那段记忆。然而，这所房子在近年来经历了重大改造，失去了往日的生气。这个装置作品是对逝去过去的记忆的颂歌，这段记忆多次被地理、时间和文化所移除。影像素材来源于艺术家2022年智利之行拍摄的360度录像和3D扫描仪，也来自家庭照片和VHS录像带档案。Molina基于几十年前的VHS录像带影像，生成了他所深爱的祖母家的3D渲染图，这些图像类似于绘画或梦中的回忆。在Molina的作品中，多维的技术被用作探索叙事和情感维度的工具。

Patrick Heide Contemporary Art 画廊正在呈现一场汇聚四位跨越不同世代的国际艺术家的展览：Oskar Holweck（1924-2007，德国）、Jonathan Callan（1961年生，英国）、Sam Lock（1973年生，英国）以及Bonolo Kavula（1992年生，南非）。每位艺术家都以独特的方式探索了书籍和杂志作为媒介的广泛可能性，并将其转化为抽象雕塑、混合媒介绘画和拼贴作品。

此次展览源于围绕Oskar Holweck作品的对话，他是欧洲纸艺的先锋，今年是他诞辰100周年。作为与零派（Group Zero）运动相关的一员，Holweck的艺术主要聚焦于纸张这一材料及其操控方式。作为纸张实验的精神之父，他主要致力于白色工业用纸的创作，将其视为一种雕塑材料，以揭示白色的“有色”本质。展览标题灵感来自Holweck对其广泛方法的描述：“……弯曲、折叠、皱褶、折痕、压缩、挤压、伸展、划线、穿孔、撕裂、切割、粘合、敲击、捶打、钻孔、锯切……”

这些工艺中的一些也应用于展览中其他三位艺术家的作品中：Jonathan Callan（挤压）、Sam Lock（撕裂）和Bonolo Kavula（冲孔）。然而，与Holweck不同的是，当这些艺术家在其创作中使用书籍和杂志形式的纸张时，他们并非主要采取以过程为基础的方法，而是拓展至概念层面及更远的领域。他们探讨了纸张作为一种形式和质感实体以及信息载体的多种属性，同时与文化和记忆主题互动。

“Emii Alrai: A Lake as Great as Its Bones”展览名称取自Nemi湖，这是一座位于罗马南部的火山口湖。此次装置作品从湖泊悠久的造船、沉船、发掘和破坏历史中汲取灵感，将陶瓷、金属制品和雕塑相结合，构建了一个融合虚构、碎片和不确定过去痕迹的世界。

Alrai对物质历史有着持续的探索，这些历史与考古遗址和博物馆展示相关。她使用金、白镴、银、铜和黏土等材料，这些材料具有内在的等级制度，并曾被用于公元1世纪在Nemi湖上建造的宫殿般的船只中。在一系列新绘画作品中，Alrai使用沥青描绘了让人联想到Nemi湖周围古老景观的地形。沥青自然存在于湖底的泥中，艺术家通过这些绘画唤起了发掘埋藏物的动作。同样，雕塑作品在整个画廊中被组合为来自古代的文物。不定形的聚苯乙烯被用石膏和沥青涂料处理，以召唤受损的地形或湖底的黏土床，而陶瓷器皿则像是被捞起的文物。“A Lake as Great as Its Bones”唤起了没有明确历史的物质诗意，而是对过去浪漫化的记忆。

在策展时，Alrai借用了博物馆的结构——展柜和隔墙，以映射博物馆如何控制空间中的人群以及随后对展示叙事的消费。这些作品通过对尺度和材料的颠覆，微妙地批判了西方博物馆学的价值观。未烧制的赤陶罐被放大到几乎半人高，拱门用一种艺术家称之为“永生”的经济材料——聚苯乙烯建造。金色镰刀被缩小到微型，受罗马常见的灰泥浮雕启发的墙面板被安装在染色成柚木或胡桃木样的胶合板上。在整个装置中，Alrai质疑价值的赋予及其原因，并探讨了真与假之间的微妙关系。正如Alrai所言：“我们如此渴望通过这些崩塌的事物编织出一种身份认同、怀旧、渴望与想象。”在她创造的领域中漫步时，她将自己置于一个不可靠的叙述者位置，锻造出想象中的景观遗迹，并质疑我们对不可知历史的敬畏。

Shades of Grey涵盖了从黑到白之间的无彩色调，强调了由色彩缺失所带来的宁静之美。此次展览汇集了Martin Barré、Georg Baselitz、John Bock、George Condo、Hans Josephsohn、KAWS、Robert Mapplethorpe、Albert Oehlen、Richard Prince、Paula Rego、Gerhard Richter、Rudolf Stingel、Andy Warhol、Fischli & Weiss、James White以及Christopher Wool的作品。这些艺术家活跃于二十世纪和二十一世纪，不受限于特定的时间或媒介，而是因他们共通的色调而相连。

20世纪70年代初，Gerhard Richter探讨了灰色的平凡性。他的作品捕捉了弥漫在战后德国的虚无主义美学。正因如此，Richter使用简化的色调来探究绘画的悖论，就像他的同乡艺术家Albert Oehlen一样。在"Titankatze Mit Versuchstier"（1999）中，Oehlen通过将自己限制在灰色范围内“人为地增强对色彩的欲望”，从而挑战了感知的边界，揭示了绘画的局限性。而另一方面，Peter Fischl和David Weiss在"Small Cupboard"（1987）中探讨了平凡的诗意，这是一件完全由黑色橡胶制成的真人大小的作品。这个物体已失去其用途，被剥夺了功能，呈现出深黑色，以强调其“虚无”，展示了艺术家对平凡和荒诞的迷恋。