1956 年张大千夫妇与毕加索合影
画艺要领，用九个字即可包括，即：师古人，师造化，求独创。
画有三要，曰：了解物理，观察物态，体会物情。
画有三类：曰亮，曰大，曰曲。
作画笔触，贵在文而不弱，放而不野，沉着而清润。
画，忌整幅平均，须具有宾主、疏密、浓淡、轻重、抑扬、远近、高低之妙。
笔去琐碎，墨求韵泽。
古人谓 “遗貌取神”，故领悟神韵为作画第一要旨。
意在笔先，落笔妙造自然，半点不存做作，为作画第一等功夫。
作画须多作旅行，漫游名山大川，博览奇花异木，详观飞禽走兽，即是绘画资料之源泉。
初学必循规蹈矩，熟练后应不拘成法，发挥个性。
作画，首先要了解物理，体会物情，观察物态。无论画什么，总不出这三个原则。了解这三点后，画出的画才能形态逼真、神韵生动而跃然纸上。
对于 （自然物象的）取舍，可凭自己的意思加以增删，总之应突出形态、神韵的美，舍去多余不美的方面。
至于创作的布局，不外乎两个方面：一是师古人，从古画中汲取艺术修养；二是师造化，就是要游历，从实景中观察。各地名山大川，景色不同，如峨眉山与黄山就各有特点。通过游历来增长见识，充实绘画资料。只有熟悉了各种山山水水，胸有丘壑，布局自然有所依据，并从窥探宇宙万物的全貌来养成广阔的心胸。古人说：“读万卷书，行万里路。〞二者是相辅相成的，都是提高艺术修养的途径，不可忽视。
要想画出好画，贵在刻苦认真。尤其是学习古人的作品，更不可马虎。
我一贯主张，不管画之大小，或工笔或写意，都要有笔有墨，有情有趣，这样才能称得上是一幅中国画。
绘画不等于写生、照相，按原样复制下来，而要有所取舍，要有意境，要把自己的感情加进去。
在写生时，要对对象远观近玩，了然于心而后着墨。
画树，要讲四面出枝。画山，要弄清来龙去脉、阴阳向背。画人，要懂得解剖、比例和相法，衣服要穿得上脱得下。
一个物体，并非任何一个方向都可以入画，必须选择其可以入画的角度。
必先要体会自然，才能表现自然。
张大千 《老树腾猿》 240.5 x 122 cm 1959年
我作画时，常常随兴之所至，画到哪里算到哪里。这样子作画时，心情如冥游天地，与造化合一。
衣当重彩，食要美味，画也复如此。最要紧的不在技巧，而在气味如何。趋利谄媚者，太俗气；草率急就者，太浮气；因袭相陈者，太匠气；若将生活中的某些丑行形诸笔墨，肆意渲染，更是一股令人作呕的秽气。作画，务求脱俗气，洗浮气，除匠气，去秽气。
简略地说，大抵画一种东西，不应当求太像，也不应当故意求不像。求它像，画当然不如摄影，若求它不像，那又何必画它呢？所以一定要在像与不像之间，得到传神超物的天趣。这便是绘画的艺术，也就是古人所说的“遗貌取神”。
有时画固然要描绘现象，表现现实，但也不能太顾现实。这其间如何取舍，就全凭画家的思想与功夫了。
近代有极多事物，为古代所没有，并非都不能入画，只要用你的灵感与思想，不变其原理而得其神态，画得含有古意而又不落俗套，这就算艺术了。
画家创造的艺术形象必须优美，而且要能让人看得懂。绘画只有形神兼备，才能创造真正的美，才能被人们接受，做到雅俗共赏。
画树时若是以俯视的方法，只能看见树头；若是以仰视的方法，只能看见树的枝干；若用两个透视结合，既可看到树头，又可看到树干，给人看到的是一棵完整的大树，这有什么不好呢？
你们对于宇宙万物，不仅要透彻了解其形神，而且首先要鉴别其入画不入画，必须是真正美的东西才画，不美的就应当抛弃。
学习绘画，临墓是必经的一个阶段。但临画如读书，如习碑帖，几曾有不读书而能文、不习碑帖而善书者？所以临摹必须撷各家之长，渗入自己的心得，最后要化古人为我有，创造自我独立之风格。
多观古人名迹，勤为揣摩，心领神会。浸润日久，即无大成，亦必有可观者。
临摹功夫，对于增长学力，非常重要。摹写既熟，然后对着画临摹，对临摹有了心得，然后背着画去临。能在看过名画以后，凭着记忆，背着把它临出来，且笔墨位置都能得到十之八九，能有这样的功力，然后融合古人之长，渗入自己所得，写出胸中意境，那才算达到成功境界。如果只闭门造车，那就未必出门合辙啊！
临摹，就是将古人的笔法、墨法、用色、构图，透过一张又一张的画作，仔细观察它的变化，并加以了解、领会，深入内心，达到可以背出来的程度。然后经过背临过程，将古人的技法运用自如，最后把古人的东西变为自己的。
临摹，这种绘画的基础训练是 “做有本生意”。“有本生意”能做得长远，做得大，而“无本生意” 做不得也。
我们生在现代，真是幸运，从前的画家要想看到一张名画，那是何等的艰难。藏在内府及王宫名宦家里的，自然不允许随便看到，就是流传在民间的，也因交通不便，往往闻声相思，托诸梦想，有一生一世不能够得偿夙愿的。现在交通既便，且世界各国，都有博物馆陈列，任人参观，并可向他们借来摄影。我国台北“故宫博物院”最近正影印名画三百种拿来供世人临摹鉴赏，真便于学人不少。有这么多的参考品，摆在面前，等于给我们开了一条大路。
我们应该是有条件的，融合古人所长，创造自己作品，超过古人，不是不可能的啊！
临摹前人的作品时，一定要不怕反复，要临到能默得出，背得熟，能以假乱真，叫人看不出是赝品，只有这样才能学到笔墨真谛，学到前人的神髓。
临摹非下苦功夫不可，从临摹中既学到历代的笔墨技法，也能领会古人如何师造化来写万物和立意创境的表达方法。
绘画必须从临摹入手，有如念书一样。临摹就如念 《三字经》，如没有念过书，无论写古文也好，写白话文也好，同样是写不出来的。临摹有了深厚的根基，才能谈到创作。
临摹是向前人学习，不能随心所欲，必须得其意、忠其形、传其神。
对于初学画的人，临摹十分重要，临摹多了就掌握规律。有了心得，这样可借前人之长渗入自己所得，写出胸中的意境，创造自己的作品，那才算达到成功的境界，这样我们就有可能超过前人。但是，不下苦功是永远也达不到那个境界的。
我个人以为画画靠苦练，也就是说七分苦练，三分天资。至于功夫下得得当不得当，这里面就有个天资问题了。
作画要明白物理，体会物情，观察物态，这才算到了微妙的境界。
譬如画山，要了解南北气候的不同，土质的各异，于是所生的树木也就迥然不同。因此种种关系，山石的形成，树木的出枝发叶，一切的一切，各自成就它的姿态。
如画花卉，有向阳的，有喜阴的。向阳的必定要有挺拔的姿势，喜阴的必定要有茬弱的意态。挺拔与茬弱，它们的姿态自然不同。由理生情，由情生态，由态传情，这是自然的道理。
现在再举个画梅花的例子来讲。林和靖的名句：“疏影横斜水清浅，暗香浮动月黄昏。”这“横斜”二字，“浮动”二字，便是梅花的理”。杨铁崖的诗：“万花敢向雪中出，一树独先天下春。”这便是梅花的 “情”。高季迪的诗：“雪满山中高士卧，月明林下美人来。”便是梅花的 “态”了。所以无论画什么，总不出理、情、态三个原则。
画人物要识得穷通天寿。画仕女要识得幽娴贞静、妖娆艳冶。画山水要识得南北节物。画翎毛更要注意到种类的不同，情、态一定也不同，飞、鸣、食、宿，各极其状。东坡诗云 “何处得此无人态”，就更是体贴入微了。
你们在写生时，要随时注意观察，一棵树、一枝花都有它的疏密、穿插、正侧、俯仰等，要从各个方位流动地看，选择可以入画的最佳角度。同时必须认真严格地、一次一次地写到没有错误为止。
画一种东西，必须要了解其理、其形、其情。如鹤与鹭是蜷一足而睡的，倘若只了解鹤与鹭，就拿它们的姿态来画别的鸟，岂不是笑话。
花鸟画以宋朝为最好。因为宋人对于物情、物理、物态观察得极细致。
看物不能一览而过，从表面看看了事，而要深入了解物理，观察物态，体会物情，并蕴藏胸中，呼之欲出，才能笔放心闲，心手相应，随心所欲，涉笔成趣。而且立意要高，虽是小景，要有大寄托。如梅兰竹菊，是学画的基础，但又称 “四君子”，这就是寓的意。无论三笔两笔，要有意境，要表现出气质。
有了实景，还要再创造新境。要根据白己所设想的意图，出新意，分主次，定取舍，力避因袭他人。所谓布局为次，气韵为先，也就是一切要符合主题的要求，要符合整体关系，要求整幅生动自然。
先贤曾说：“得笔法易，得墨法难；得墨法易，得水法难。”所以说工具固然重要，但最重要的还在用之得法。笔法也有方式做准则。所谓：要平，要重，要圆，要转，要拙，要秀，要润，这些都是应把握的笔法要点。又有所谓：湿笔要重而秀，渴笔要苍而润，总之用笔要明润而厚重，不可灰黯而模糊。
用笔拿中锋做中干，侧锋去帮助它。中锋把体势建立起来，侧锋来增加它的意趣。中锋要质直，侧锋要姿媚。勾勒必定用中锋，皴擦就用侧锋。点戳是用中锋，渲染则是中锋、侧锋都要。
用墨也有方法，最简单也是最重要的，砚池要时时洗涤，不可留宿墨。因为宿墨胶散，色泽暗败，又多渣淬，无论画人物、山水、花卉都不相宜。
至于水法，更难拿方式规定出来，无法解说得清楚，在自己心领神会而已。因笔端含水的多少，施在纸、绢上各有不同，绢的胶矶轻重，纸质的松紧，性质不同，水墨也自然不同。水要明透，又不可轻薄，所以说是最难的了。
中国面无论是山水、人物、花鸟，工笔或者写意，都很注意笔法。
不管是勾线、皴擦、渲染，都有个用笔的问题。勾线要用中锋，皴擦就要用侧锋，而渲染则中锋和侧锋都要用。
古人说过，墨法比笔法难。因为笔法还可拿方式做准则，而墨法就只有蘸墨在纸上的刹那，自己去体会，很难说得出道理来，所以说比较笔法更难。
从用墨法来说，墨色是借着胶汁的浮力，在宣纸上向前渗化，胶小则墨色千枯而晦涩，胶大了则墨色失去了气韵。画生宣纸胶水与墨汁是互相交融，起着关键的作用，这是我的一点经验。
绘画，不但用墨讲“水法”，就是用色也何尝没有“水法”。使用石青、石绿，兑胶的成分要恰当，水分的大小，决定色泽的鲜明与否。笔锋蘸上石色敷于山峰树石之上，薄、厚、干、湿要适量。敷色之后，山峰的色泽看上去水汪汪的，而勾勒和皴法的笔痕依然看得很清楚。总之，不是一味厚涂。唐寅、仇英用石色很高明，尽管涂得很薄，看起来却觉得明丽动人，有本领啊！
吾于用色一道，凡染重色，均以红色作底；绘红色须以白色为底；绘石青须以黑色为底；绘石绿须以朱膘为底。色之有底，方显得凝重，且有旧气。是为古人之法。
画界画，可不用界尺，而用圆杆。圆杆滚动便利，一条线画好后，只须将圆杆向后一滚便可接着画第二根线了。
邹小山说，设色宜轻不宜重，重则钝滞而不灵，胶粘而不泽，深色须加多遍，详于染法。五彩彰施，必有主色，以一色为主，而他色附之。青紫不宜并列，黄白未可肩随，大红大青偶然一二，深绿浅绿正反异形。据我看来，这些亦前人用色之心得。吾辈作画，须慢慢领会。平时宜多观古人真迹，画会教人，细细观摹，自有所得。
要有选择地去画，将美好的搜入笔端，要“遗貌取神”，不只画出物的形态，更重要的是悟出物的神韵。
要意在笔先，“形成于未画之先”，“神留于既画之后”。
我国国画最重要者，为用笔、用墨。若要不入工匠气，须在笔墨上留心。至于色泽，当然也是重要的。
写意的画，是拿神与意做主体。工笔那就要形、意同时并重，当然更要注意到神。
绘画时，要体会万物的生意，无论花鸟、人物都必须力求其生动，不能画成死的标本。
写意两个字，依我看来，写是用笔，意是造境，不是狂涂乱抹的，也不是所谓文人遣兴，在书房用笔头写写的意思。
作画自然是书卷气为重，但是根基还是最要紧的。若不从临摹和写生入手，那么用笔结构都不了解，岂不大大错误？所以非下一番死功夫不可。临摹古人，是要学他的用笔用墨，懂得他的苦心构思；写生，则是要认识万物的情态。
画题有至难传神的，必须反复瑞摩，不嫌麻烦，三次五次地涂改，至无可议处方可落墨。
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