“非凡视野：七十年代美国艺术”
Expanded Horizons:
American Art in the 70s
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Thaddaeus Ropac 画廊巴黎庞坦
Thaddaeus Ropac 巴黎庞坦空间欣然呈献群展“非凡视野：七十年代美国艺术”，汇集来自21位于1970年代在美国创作的最具影响力的艺术家的主要作品，现线上展厅已经上线。此次展览具有里程碑式的意义，重点展示了那些挑战当代艺术观念的艺术实践，无论是通过对材料贯彻彻底的平等主义态度，还是对物理空间或周围世界的社会政治关切的深入参与。展览中的作品相互呼应，展现了这些先锋艺术家如何打破艺术创作的传统界限。下滑查看参展艺术家名单：
参展艺术家
卡尔·安德烈（Carl Andre）
乔安·布朗（Joan Brown）
罗斯玛丽·卡斯托罗（Rosemarie Castoro）
约翰·张伯伦（John Chamberlain）
朱迪·芝加哥（Judy Chicago）
丹·弗拉文（Dan Flavin）
山姆·吉列姆（Sam Gilliam）
大卫·哈蒙斯（David Hammons）
唐纳德·贾德（Donald Judd）
亚历克斯·卡茨（Alex Katz）
索尔·勒维特（Sol LeWitt）
玛丽·洛夫莱斯·奥尼尔（Mary Lovelace O’Neal）
罗伯特·莫里斯（Robert Morris）
森加·妮古迪（Senga Nengudi）
欧文·佩恩（Irving Penn）
罗伯特·劳森伯格（Robert Rauschenberg）
詹姆斯·罗森奎斯特（James Rosenquist）
罗伯特·赖曼（Robert Ryman）
琼·斯奈德（Joan Snyder）
弗兰克·斯特拉（Frank Stella）
安迪·沃霍尔（Andy Warhol）
展览“非凡视野：七十年代美国艺术”展示了艺术家们与“现实世界”打交道的实践。他们将现成物品融入创作，这种行为挑战并拓展了当代对艺术作品的定义。
参展参展术
我认为以真实世界之物创作的图像更为呈现真实世界。
——罗伯特·劳森伯格
罗伯特·劳森伯格（Robert Rauschenberg）的《纸板》（1971-72年）是他在佛罗里达州新开设的工作室中创作的一系列作品，这些作品由艺术家从身边拾取的纸箱制成。他通过切割、重组这些纸箱，将它们转化为墙面雕塑或独立装置，赋予日常材料以新的形式与意义。在他后来的作品《银行劫案》中，劳森伯格以纸板、彩色镜子以及一件白衬衫为主要元素，拼贴出一个伸展双臂的形象。这种对非传统材料——尤其是那些被视为“贫乏”的材料（如斯特拉在《Parzeczew III》中同样使用的硬纸板）——的运用，直接受到了达达主义和贫穷艺术哲学的深远影响。
罗伯特·劳森伯格，《纸板》（局部），1971-72年，布面油画，组装纸板箱，196 x 120 x 15厘米。“非凡视野：七十年代美国艺术”，展览现场，2024年，Thaddaeus Ropac画廊巴黎庞坦，巴黎。
劳森伯格曾表示：“没有所谓贫乏的主题。无论构图和色彩如何，当绘画作为一种事实或必然性显现时，它总是最有力量的，而不是作为一种纪念品或一种安排。绘画既与艺术有关，也与生活有关，二者不可分离。一双袜子与木头、钉子、松节油、油彩和织物一样适合用来画画。” 艺术史学家罗伯特·罗森布卢（Robert Rosenblum）评价道：“在1960年之后，每一位试图挑战绘画和雕塑界限，并相信生活中的一切都可以成为艺术的艺术家，都将永远感谢劳森伯格——永远。”
罗伯特·劳森伯格，《银行劫案》，1979年，木质结构上石膏、溶剂转印图像和织物拼贴，配以彩色镜面、纸板、丙烯酸颜料和反光板，共15部分，330.5 x 909 x 81 厘米。“非凡视野：七十年代美国艺术”，展览现场，2024年，Thaddaeus Ropac画廊巴黎庞坦，巴黎。
欧文·佩恩（Irving Penn，1917-2009）在其导师兼摄影师阿列克谢·布罗多维奇（Alexey Brodovitch，因癌症于1971年去世）去世后，开启了意义深远的“烟头”系列创作。他从街头收集废弃的烟头，带回工作室后精心摆放，以构建富有美感的摄影构图。这些烟头的精致几何排列，与罗伯特·劳森伯格将纸箱堆叠并固定成靠墙的简约构图形成呼应。通过细致入微的镜头语言，佩恩放大了香烟这一常被忽视的物品细节，赋予它们艺术价值，同时赋予其拟人化特征。他借此批判企业的不负责任和政府疏于监管所造成的社会危害。这些烟头的意义由此超越了从垃圾到艺术品的单纯身份转变，而被赋予了更深刻的叙事象征价值。
欧文·佩恩，《香烟17号，纽约，1972》，1974年印制，铝板上裱铂钯印刷， 59.4 x 47 厘米。
卡尔·安德烈（Carl Andre，1935-2024）以其革新性的雕塑作品闻名，常使用工业生产中的常见材料。他的创作通常由这些材料的板块或碎片（如1973年的铜地板作品《第十铜红衣主教》）组成，简单排列于地面，形成线性或网格状的模块组合。约翰·张伯伦（John Chamberlain，1927-2011）则通过组装皱褶的汽车废金属碎片，创作出动态而扭曲的雕塑形态。这些艺术家在现成品理念的基础上，强调材料的原状特性：安德烈的作品保留工业材料的简洁性，而张伯伦则保留金属上原有的油漆与加工痕迹。通过这种对材料特性的关注，他们使观者更加留意作品的物质属性与表面效果。类似地，一些艺术家通过大面积的单一色彩探索媒介的特殊品质，进一步探讨了表面、空间与光线的交互关系。这些实践共同展示了艺术家如何通过材料本身来挑战传统艺术形式，拓展艺术的边界。
“非凡视野：七十年代美国艺术”，展览现场，2024年，Thaddaeus Ropac画廊巴黎庞坦，巴黎。
罗伯特·雷曼（Robert Ryman，1930–2019）通过将画面完全用白色覆盖，鼓励观众仔细审视画布的表面与边界。他曾说道：“我不是一位绘画画面（picture painter）的艺术家。我处理的是真实的光与空间。”在此次展出的作品中，他将亮光漆涂于PVC材质之上，白色的运用并非用来遮掩材料，而是强调其物质性。1971年，当艺术史学家菲利斯·塔奇曼（Phyllis Tuchman）问他是否创作“白色绘画”时，雷曼解释道：“并不是。表面上看可能如此，但实际上包含许多细微的变化，而且也涉及颜色。表面始终是被利用的。”
罗伯特·雷曼，《无题》，1974年，PVC上光面漆，34 x 34 厘米。
亚历克斯·卡茨（Alex Katz，生于1927年）的巨幅油画《私人领地》（1969年）呈现了一个剪裁精确的场景，由艺术家标志性的细腻笔触与平滑无瑕的色彩构成。画面中，舞者的身影以扇形展开，构图被巧妙地安排得没有单一的视觉焦点，人物似乎仅仅是因画布的边缘而暂时中断，给人以画面可以无限延伸的可能性。正如玛格丽特·格雷厄姆（Margaret Graham）所评论的：“每幅图像都像是一道成熟而有力的光线切片，自在地在画框内生灭，但若想捕捉它，就必须及时将其把握。”在《私人领地》中，卡茨借用了抽象表现主义艺术家对画布“整体”处理的方式，将这一技巧实践在具象绘画里，赋予作品一种无边界、不可估量的现实感。
亚历克斯·卡茨，《私人领地》，1969年，亚麻布面油画，290.2 x 609.2 厘米。
与其手法类似的还有同时展出的詹姆斯·罗森奎斯特（James Rosenquist）的《地平线之家，甜蜜的家》。这件巨大的装置作品将艺术家“沉浸式绘画”概念具体化，囊括21幅油画和6块用银色聚酯薄膜拉伸而成的面板，当观众在展览空间移动时，弥漫开来的干冰雾气将遮掩他们的双腿。雾气会在特定的时间内盈满房间，使房间装置中的观赏者迷失方向，将作品体验提升到全新的维度。
詹姆斯·罗森奎斯特，《地平线之家，甜蜜的家》（局部），1970年，布面油画，镀铝聚酯薄膜 (Mylar) 和干冰雾，共27幅画作，每幅 259.1 x 101.6 厘米。“非凡视野：七十年代美国艺术”，展览现场，2024年，Thaddaeus Ropac画廊巴黎庞坦，巴黎。
美国艺术评论家克莱门特·格林伯格在其《雕塑的最新性》（1967 年）一文中探讨了二维平面的局限性，他写道：“艺术与非艺术之间的界限必须在三维空间中寻找，雕塑在那里，一切非艺术的物质也在那里。”1970年，自诩为 “画家雕塑家”的罗斯玛丽·卡斯托罗（Rosemarie Castoro，1939-2015 年）为了抗议越战，放弃了以往色彩斑斓的绘画，转而致力于单铬雕塑的实验。她将石膏粉、造型浆糊和大理石粉涂抹在有机形状的梅森特板材上，使她的 “笔触 ”作品呈现出一种独特的砂砾质感，但又不失精致，为作品注入了极简主义背景下少见的身体维度。卡斯托罗的舞蹈背景也为她的创作提供了灵感，她的作品表现出明显的表演特征以及对空间和运动的理解。
罗斯玛丽·卡斯托罗，《攀爬（笔触）》，1972年，砖石、石膏粉、大理石粉、造型浆糊、石墨，
其他艺术家则以更直接的方式探讨人体，研究其在空间与世界中的存在。安迪·沃霍尔（Andy Warhol）以一种大胆且富有挑衅性的方式创作了“小便”系列作品。他邀请圈内人提供尿液样本，或直接将尿液撒在画布上，以身体取代画笔进行创作。本次展览中展出了一幅长达近五米的“小便”作品，充分体现了他对媒介与身体的实验性探索。
安迪·沃霍尔,《小便画作》，1977-8年，亚麻布上尿液，198.5 x 492.1 厘米。
在大卫·哈蒙斯（David Hammons，生于1943年）的“人体版画”作品中，身体也充当了材料应用的手段。他通过在身体上涂抹油脂，然后将其压印在纸上，再用干颜料覆盖，从而呈现出带有皮肤、头发或衣物微小细节的复杂印迹。这些人体版画深刻地表现了哈蒙斯作为美国黑人的身体体验。正如可可·弗斯科（Coco Fusco）在其文章《Wreaking Havoc on the Signified》（1995年）中所写：“他在20世纪60年代末和70年代初创作的人体版画颠覆了抗议艺术的说教元素，通过身份政治嘲弄观众/观察者，同时追求一种非常真实的美学议程。”
大卫·哈蒙斯，《无题》，约1970年，纸板上的油脂和干颜料，74 x 48.5 厘米。
本次展览将这一变革十年中的典范作品汇聚一堂，揭示了二十世纪七十年代多种艺术创作形式的扩张和“背离”。展出的21位艺术家通过对材料的非传统和极具平等意识的处理方式，以及深入探索创作实践与物理和概念景观之间互动的方式，创造出独特的艺术表达形式，与迅速变化的世界展开对话，并以一种至今仍具有现实意义的方式拓展了艺术史。
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艺术家｜罗伯特·劳森伯格 Robert Rauschenberg
艺术家｜罗斯玛丽·卡斯托罗 Rosemarie Castoro
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