Ropac 伦敦展览｜琼·斯奈德（Joan Snyder）：身体与灵魂

Thaddaeus Ropac画廊伦敦伊利府邸空间将欣然呈现琼·斯奈德（Joan Snyder）在画廊的首次个展，同时也是她在美国以外规模最大、最全面的作品展示。在她六十余年的职业生涯里，斯奈德重新定义了抽象艺术的叙事可能性，将自传性元素巧妙融入作品之中。她的创作与当时纽约艺术界盛行的男性主导传统背道而驰，打破了极简主义、抽象表现主义和色域绘画的桎梏。

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斯奈德曾说：“我想……去做一些不一样的、更为强烈、个人化和复杂的事。”她的作品打破了社会、美学和材料的传统等级，将情感和女性主体性在当代抽象艺术中确立为不可忽视的力量。正如艺术史学家海登·贺蕾拉写道：“正是这种对形式与自传探索的绝对一致性使斯奈德与众不同。”

琼·斯奈德，“身体与灵魂”，2024年，展览现场，Thaddaeus Ropac 画廊伦敦伊利府邸。摄影：Aggie Cherrie。

展览将追溯艺术家自1964年至今的创作历程，呈现30余幅新作与历史经典之作，其中重点展出8幅全新作品。在不同主题与创作原则的引导下，斯奈德的作品分为三大核心类别：“笔触”绘画（最早亮相于1972年惠特尼年展和1973年惠特尼双年展）、“交响乐”绘画以及“田野”绘画。然而，从艺术家近年的创作中可以看出，这些视觉语言已经突破了原有类别的界限，扩展至更为广阔的绘画领域。整场展览以编年方式展开，艺术家反复探讨的个人主题在作品中以一种回归与革新的节奏循环再现，通过色彩、形式和姿态在丰富且富有诗意的构图中，深刻表达爱、喜悦、悲伤与欲望等情感。

琼·斯奈德，“身体与灵魂”，2024年，展览现场，Thaddaeus Ropac 画廊伦敦伊利府邸。摄影：Aggie Cherrie。

与展览同名的作品《身体与灵魂》凝聚了艺术家多样化的创作方式。“身体与灵魂”作为一个隐喻，将具象与抽象、油画与现成材料、姿态性的自由表达与可控性的理性结构融为一体——这些理念贯穿并回响于斯奈德更广阔的创作体系中。对斯奈德而言，绘画不仅是一种情感的表达，更是日记式自传与原始情感与严谨形式研究的交织体。她坦言：“我必须在画布上身体力行。一切只有在实践中才真正发生。”

琼·斯奈德，“身体与灵魂”，2024年，展览现场，Thaddaeus Ropac 画廊伦敦伊利府邸。摄影：Aggie Cherrie。

“笔触”系列通过画布上舞动的鲜艳色条，探讨了笔触这一绘画最基本姿态的意义，并进一步探索了“绘画的解剖学”。1971年，时任惠特尼美国艺术博物馆（Whitney Museum of American Art）馆长的玛西娅·塔克（Marcia Tucker）评价道：“（斯奈德的）作品……无论是作为一种过程还是一种视觉语言，都与绘画本身的本质密切相关。”在此次展出的重要早期作品中，《整段》（1970年）和《小黄》（1971年）尤为引人注目。这些作品将鲜艳的色彩和颜料滴落在松散网格结构中，展示了主题与形式之变化，引导观众的目光如同阅读一段叙事般欣赏画作。

琼·斯奈德，《小黄》，1971年，布面油彩、丙烯酸、喷珐琅，60.96 x 60.96 厘米。

本次展出的最早期作品《科恩祖母的葬礼画作》标志了艺术家在处理抽象表现主义与具象叙事关系上的初露锋芒。作品描绘了一群送葬者围绕着一具遗体的场景。在浓密的奶油色背景下，斯奈德用黑色粗笔触勾勒这一瞬间，通过颜料的质感与主题深刻传递情感。同一时期创作的《羊群》（Flock）则构筑了想象中的内心风景。作品以色彩和材料的表达而非象征性手法，隐喻人体解剖学与女性欲望，围绕她所称的“女性身体的本质感受”展开深刻的艺术探索。

琼·斯奈德，“身体与灵魂”，2024年，展览现场，Thaddaeus Ropac 画廊伦敦伊利府邸。摄影：Aggie Cherrie。

艺术家在1970年代开始创作的“笔触”系列里，萌发了各种主题语汇及意象，并在接下来的几十年中不断发展，在后期作品中持久共鸣。树木和花朵象征着生命、死亡和重生的循环，使大自然成为人类最基本经验的表达载体。在斯奈德的画作中，自然世界具有一种超凡脱俗的特质，仿佛身体和灵魂都与大地、树木和天空纠缠在一起。在作品《情人》（1989年）中，两具女性的身体在黑色夜空的映衬下闪耀着桃红色的光辉，夜空中点缀着朵朵鲜花，呈现出一个充满感情和欲望的超现实场景。其他作品则将自然世界与崇高精神结合在一起，如《果园/祭坛》（1986 年），其底部的彩绘壁架犹如一个接受祭品的神龛。

琼·斯奈德，《情人》，1989-1990年，木板上的油彩和织物，45.72 x 60.96 厘米。

1980年代，艺术家琼·斯奈德（Joan Snyder）受其位于长岛东港的工作室周围农业景观的启发，开启了“田野”系列的创作。在这一系列中，她以抽象的视觉语言重新演绎自然意象，将画布转化为实验场地。在《泥田之月》中，画面既是一片抽象标记的平面，又化身为长满豆类、杂草、南瓜，甚至散落天体的泥泞田野。而在其他作品中，尖叫的头颅、乳房、心脏、伤口与玫瑰，构筑了对转瞬即逝的人体感官体验的叙述。

琼·斯奈德，《泥田之月》，1989年，亚麻布上的油彩、丙烯、稻草，106.68 x 152.4 厘米。

在1980年代到1990年代间，斯奈德进一步将这些象征符号融入极繁主义的构图和丰富的材料实验之中。她大胆使用稻草、植物茎、豆荚、树枝、玫瑰果和干草药，并将这些自然元素与丝绸、麻布、珠子等拼贴到画布上。在1984年的《爱之深葡萄》（Love's Deep Grapes）中，甚至引入了塑料葡萄，为作品注入诙谐幽默。这些作品的意象、绘画姿态和材料性在某些瞬间让位于语言。手稿般潦草、重叠、部分模糊的文字，成为艺术家表达情感的一种标记形式，用以宣泄她“无以言表”的原始情感。

琼·斯奈德，《过来珍珠池塘》，2024年，画布上油彩、丙烯、麻布、纸糊、罂粟荚、玫瑰花蕾、干花、稻草、纸张、墨水，分两部分，121.92 x 121.92 厘米。

2024年，斯奈德以新作重新审视并想象她几十年来的创作历程。这些最新作品延续了她对绘画实验的执着，同时挖掘更深层次的情感与个人历史。艺术家表示：“我在回顾过去，因为不用说，这里的一切都与我以前做过的事情有某种联系。”浮雕玫瑰、稻草、有节制的颜料滴落、乳房、呲出的牙齿以及泥土与蕾丝，与她写给文学和家庭成员的献词交织在一起。在《池塘边的绘画》（Painting by the Pond, 2024）和《过来珍珠池塘》（Come to the Pearl Pond, 2024）等作品中，池塘成为中心主题。干花直接撒落在画布上，漂浮于颜料池中，象征炼金术般的瞬间转变，穿越自然、人类与精神领域的门户。这些新作深刻地体现了艺术家对艺术实验的延续。

关于艺术家

琼·斯奈德，摄影：Marni Majorelle。

60年来，美国艺术家琼·斯奈德通过绘画、手稿和版画，重新构想抽象画的叙事潜力。她1940年出生于新泽西州，现于布鲁克林和伍德斯托克工作。她于1962年获得道格拉斯学院学士学位，1966年获得罗格斯大学艺术硕士学位。在罗格斯大学攻读硕士期间，她在梅布尔·史密斯·道格拉斯图书馆发起“玛丽·H·达纳女性艺术家系列”（DWAS），以提高新晋和知名当代女性艺术家的知名度，这也体现了她毕生致力于倡导女性参与文化领域的承诺。2016年，她获得美国艺术与文学学会艺术奖，此前她还获得麦克阿瑟基金会奖金（2007 年）、约翰·西蒙·古根海姆纪念奖金（1983年）和美国国家艺术基金会奖金（1974年）。斯奈德于70年代初首次展出她的“笔触绘画”作品，此后举办了众多重要的机构展览，包括在纽约现代艺术博物馆（1981年）、纽约布鲁克林博物馆（1998年）、纽约犹太博物馆（2005年；巡展至马萨诸塞州的丹福思艺术博物馆）和罗格斯大学齐默利艺术博物馆（2011年）举办个展。她参加了1973年和1981年的惠特尼双年展。近期群展包括在马萨诸塞州波士顿美术馆（2023-25年）、伦敦泰特现代美术馆（2023年）、纽约布鲁克林博物馆（2020年）、纽约大都会艺术博物馆（2018-20年）、纽约大都会艺术博物馆布劳耶分馆（2016年）、维也纳现代艺术博物馆（2016年）和慕尼黑布兰德霍斯特博物馆（2015年）。

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