编者把关于陶艺的一切基本信息集中在一本书里，包括艺术家设计的各种旅馆、流行作家的新尝试，以及你应该了解的现代艺术家名录。你掌握的知识越多，对你选择器皿的乐趣也就越多，所以这也是一本关于陶艺的基础的认知书。
事实上日本很喜欢出这种用器名录式的杂或者书，有不少类似的书籍和Mook书籍，说白了就是刺激购买，但如果自身很感兴趣的话，做为初步了解也不错。其中还包括了例如濑户美浓王室、艺术系列、民间艺术系列、新锐艺术家和海外斯堪的纳维亚流派。2016年6月以「器の教科書」之名出版的第一版，封面作品基本都是瓷器。
本期看点：
🎐Lesson1 50位陶艺家
・内田鋼一监督的“Staying Gallery”是什么？
・你现在应该了解的当代陶艺家名录
・漆器热潮背后的推动力
・Utsugi Gallery主要关注哪些艺术家？
・鹿児島睦人气美器
・村上隆制作的「我的邻居村田」
・我想了解更多关于北大路魯山人的信息
・产品设计师森正洋的作品
🎐Lesson2 世界名著
・餐具设计50强
・世界西餐餐具品牌
・皆川明和理查德·吉诺里
・雕刻般的木碗的魅力
・探索石南陶瓷的魅力
・你认识斯坦·比特斯吗？
・纪念馆・玫瑰小屋
・来自世界各地的年份，舒适且可以长久喜爱
🎐Lesson3 民间艺术
・乔纳森·安德森对益子说
・5分钟民艺问答
・长尾智子以民间艺术杰作庆祝春天
・Yachimun和slipware方便的器具
・给山本典之带来启发的世界各地的工艺品
🎐Lesson4 收集
・创作者的特别观点！
・那个人的陶器和食谱
・村上隆的陶器收藏
・村上隆到青木亮的工作室
・购买中谷美纪的陶器之旅
🎐 Lesson5 使用
・那家受欢迎的餐厅使用什么样的餐具？
・Jogen Lehr员工食堂
・即使是专业厨师也会喜欢的铝制搪瓷碗
・金继的修复与利用之美
🎐Lesson6 露西·里
・当苍井优遇见偶像露西·里
・5分钟了解陶艺制作与生活
・三宅一生畅谈陶艺的魅力
・具有富有表现力的露西·里的器皿
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Contemporary Craftsman
您现在需要了解的当代器物家名录
陶瓷、木制品、玻璃、陶器……各类型餐具种类繁多，但日本顶尖艺术家的手工作品有何魅力呢？想去了解的，购买的让我们一一来了解
47 鹿児島睦
1967年出生于福冈县。艺术学校毕业后，在一家室内装饰店工作。自2002年以来，他一直在福冈市的「atelier de la paix」工作。除了陶器之外，他还生产织物、印花和其他产品 http://www.ma kotokagoshima.net。
Makoto Kagoshima, a Designer
以设计为容器的艺术家鹿児島睦
鹿児島睦的彩色陶器现在在日本很是流行，以为大多数人都会喜欢简单的陶器，为什么这些生动的动物和花卉陶器能俘获人们的心呢？让我们来揭开它受欢迎的秘密。
洛杉矶陶艺家Adam Silverman一直在收藏一种日本陶器，「dosa」设计师Christina Kim也很痴迷。它们是色彩缤纷的盘子和罐子，上面刻画着明亮的蓝色和黄色的动物和花朵。这是福冈陶瓷艺术家鹿児島睦的作品。从2010年左右开始，它就成为陶艺爱好者的热门话题，个展人气很高，从前一天就开始排队。这么受欢迎的秘密在哪里？
最大的魅力在于那些光是看着就让人感到幸福的图案。可爱的动物和花朵直接徒手绘制在模制底座上。事实上，鹿児島的陶器最显着的特点就是这种图案是“设计”而不是“图画”。正如他自己所说，“我的工作是思考设计并绘制它们”，鹿児島画的不是艺术，而是设计。通过反复描绘花卉和动物，他获得了最合适的线条和轮廓，并将其升华为高度完整的设计。
也许正因为此，它华丽、强烈、充满原创性，但又不显得突兀。一位长期喜爱它的室内设计师说：“尽管它是色彩缤纷、活泼的餐具，但当你在上面盛放食物时，它就变成了背景。”上面放上面包、意大利面和烤肉。设计就消失了，但更高兴的是，在你吃完食物的那一刻这些设计又会重新出现在你面前。顺便说一句，这些器皿非常坚固、它们一个出色的日常工具。
现在，鹿児島的设计不仅美丽，而且具有普遍性。室内装饰店「doinel」自2013年起每年都会举办特别的设计展览。将其转换成其他材料，例如纸张或布料，使用这些设计来创造产品，甚至将其绘制在太空中。事实上，已经有很多使用设计的合作，包括来自大宰府「竈門神社」的絵馬、「dosa」的织物、北欧「Gustavsberg」的波佐見焼花瓶、杯子和碟子，以及来自九州的久留米絣，甚至来自京都的「かみ添」糖纸，使用度很广。
无论材质或用途，鹿児島的设计都超越了日本和西方风格的界限，无缝融入日常生活。这就是日常生活变得更加愉快的方法。因为这些器皿的设计吸引了所有人。
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我不是艺术家。我只是想娱乐大家。
“我的器皿不是艺术品，我希望它们成为娱乐人们的工具。”编者参观了福冈的工作室，鹿児島先生平静的说到，他每天持续创作着作品。
📍你为什么会成为陶艺家？
自从我在福冈家附属的一个小工作室开始制作陶器以来，已经有14年了。鹿児島睦是一个起步较晚的人，在艺术大学学习陶瓷并在一家室内设计公司工作后，35 岁的时候对制造业的兴趣开始显现，开始制作陶器。
📍什么时候开始对陶艺产生了兴趣？
这个工作室是我祖父的游乐场。他是从昭和初期就活跃的博多人偶制作者，用德国的颜料制作出色彩美丽的人偶，并从海外订购「Vogue」杂志，制作出穿着最新流行服饰的人偶，是一位有趣的人。他不落俗套，热爱新鲜事物，也喜欢制作陶器。我对祖父有一种依恋，这可能对我产生了影响。
📍所以你从艺术学校毕业后并没有立即成为一名作家？
我先在福冈的一家室内设计公司工作，然后在一家室内装饰店从事陈列和管理工作。那时候是九十年代末。我所在的领域每个月都有数千种来自海外的最新设计和产品，我不断地想，“这太棒了，但如果我们有这样的东西那就更有趣了！”这段经历帮助我创造了今天的东西。如果我只专注于陶器，我将永远无法做到现在这样。
📍就像退休后才开始的陶艺活动？好吧让我们从餐具开始？
是的，我想如果我能让人们开心，即使只有一盘，那也是好的。既然是供人使用的工具，那么它就一定是“产品”，也是“艺术品”。在当今这个时代，有许多精美的餐具产品。它们易于使用和清洁，你甚至可以将其放入微波炉中。我自己很喜欢这样的器皿，但我没有必要去创造世界上已经存在的东西。那么我们应该在哪里增加价值呢？我认为答案是绘画和色彩。事实上，制作这些需要的时间久且效率低。但有人喜欢它们。这是一条小众且崎岖的路，但没有人会走在同一条路上，我希望这是一种只有选择这条路才能提供的有趣体验。
📍你的画作的主题总是花朵吗？
我想我同意这个观点。我一直很喜欢花花草草，直到现在我也想成为一名花艺师。然而这并不意味着这些图案是“通过图片表达我所喜欢的东西”。如果我想画一幅画，我会画在画布上而不是选择在容器上画画，这就是艺术，对吗？我的工作就是提出一个“设计”并设计绘制，再制作一个有趣的容器 。植物很容易组合成设计。思考如何在单个盘子的有限面积内种植植物，真的很有趣。这时，园艺爱好者的知识就浮出水面，比如“叶子应该以这个角度生长，以便更有效地吸收阳光。”
📍这些器皿有很多狂热的粉丝，通常你的个展首日就会被抢购一空。
这是一种祝福，但令人悲伤的是，对于那些长期喜爱它们，每年都或许会购买一次的人或许也很难拥有。我总觉得我必须用最好的容器来服务和回报喜欢我的顾客。我认为最好的方式还是使用，即使你非常喜欢它但不舍得使用它们是可惜的。
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器具的基础知识
你应该知道的超强陶艺基础知识！
对西方和日本餐具的一点了解将扩大你的世界。在选择和使用陶器时了解一些有用的陶器知识。
Q 你应该知道的超强陶艺基础知识！
A 颜色的区别就是釉色的不同。首先，让我们记住11种类型。
-【三島/みしま】
与「粉引」一样，它起源于高丽茶碗。成型后，进行花印等雕刻，涂上白土，擦拭后形成白色图案。照片是典型的连续花卉图案的“三岛花”。
-【粉引/こひき】
带有白色粘土釉的白陶，以含铁量高的瓷土为基础。另一个名字是「粉吹」，因为整个东西看起来像是撒了粉末。它的起源是来自韩国的高丽茶碗，产地广泛。
-【赤絵/あかえ】
别名「色絵」。是对红、绿、黄等有光泽装饰的器皿的总称。它也被称为「上絵」，因为该图画是在烧制后绘制的。还有「金襴手」等使用了黄金描绘的类型。
-【志野/しの】
岐阜县美浓地区创造的日本独特釉料。它涂有一层厚厚的云状釉料，质地类似于柚子皮或糖状的外形特征。照片中的「鼠志野」有着浓重的灰色。还有赤志野、絵志野等。
-【染付/そめつけ】
在白皮的瓷器上用钴绘制图案的器皿总称，也被称为「呉須手」。与上排右方的「赤絵」的「上絵」相反，呉須的图案使用「下絵」的技术，在烧制之前进行绘制。
-【黄瀬戸/きせと】
与「志野」一样，这是一种原创的日本釉料。通过施一层柔和的淡黄色釉，让表面浮现绿色的「たんばん（「胆矾」硫酸铜，蓝矾。铜的硫酸盐矿物，三斜晶系，蓝色，半透明。硫酸铜晶体，呈板状、块状、葡萄状等）」。其古制优雅的外观符合日本古代的美感。
-【交趾/こうち】
「こうち（高知）」是越南北部的旧称，据说起源于那里。除黄色外，其特点是具有绿、靛、蓝等明亮，透明的颜色，表面常饰有浮雕。
-【焼締/やきしめ】
不施釉而烧制并硬化的陶器。備前焼就是一个典型的例子，其显着特征是由于烧制过程中火焰的状况而偶然发生的颜色变化。像图片中所示的那样，在较高温度下烘烤的较薄的也被称为「南蛮手」。
-【織部/おりべ】
与「志野」和「黄瀬戸」一样，这是在美浓地区诞生的独特釉料。它的特点是绿色，除了照片中覆盖整个区域的「総織部」之外，还有部分覆盖有图案的「絵織部」。
-【青磁/せいじ】
与「白瓷」的白色相反，这件是蓝色的。这种釉是从中国发展起来的，早期的主要颜色是青玉色。当它具有如图所示的透明浅色时，有时被称为「青白磁」。
-【白磁/はくじ】
纯白瓷器，简单地涂上透明釉，没有任何图案。这是一种熟悉的釉料，常见于简单的西式餐具上。正如照片所示，日本餐具的形状很多都很精致。
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Q 作为一个艺廊主，你认为好的陶瓷器需要具备哪些条件？
A 你喜欢的就是好的陶瓷器。
作为一个艺廊主，我有一双挑剔的眼睛，我最常用的判断标准就是“我喜欢不喜欢？”在选择时，我会想出一些建议，例如“看整体而不是部分”，“把它拿在手里感受它，而不是只是看着”，以及“考虑与你的容器间的平衡”。 “在不可避免的形式中蕴藏着艺术家独有的独创性，并且有一种吸引你的优雅。”这些话意义重大，我会尽力去理解。
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Q 陶器和瓷器有什么区别？
A 陶器是用粘土制成的，瓷器是由瓷石、高岭土、石英石等烧制而成的。
陶器和瓷器最初是由不同的材料制成的。陶器的材料是粘土。瓷器则是由长石和二氧化硅等碎陶石制成的，其特点是其白色基底。西餐餐具首选瓷器。正是因为这种白度。瓷器的烧制温度为1,300至1,400摄氏度（陶器为1,000摄氏度至1,300摄氏度），这导致烧制过程更加困难，敲击时会发出清晰的金属声。瓷器的另一个特点是透明度高。
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Q 餐具设计师和陶艺师有什么区别？
A 陶工是指自己制作作品的人，设计师并不制作。
陶艺师和产品设计师只设计容器的形状和颜色。即使是手工制作，实际的制作者也是不同的人。另一方面，陶艺师负责从造型到选择釉料和烧制的所有事情。
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Q 陶瓷产业为何在九州如此盛行？
A 这一技术于丰臣秀吉出兵朝鲜的时代传到于此。
丰臣秀吉于1592年和1597年两次出兵朝鲜，为九州带回了许多技艺高超的陶艺家。其中一位在有田发现了陶石*。日本瓷器就在这里发展起来。
*有“元和二年，韩国陶艺家李山平在泉山发现了陶石，在白川天狗谷建窑，制造出日本第一件瓷器”的说法——有田历史民俗资料馆
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Q 为什么陶器被称为「瀬戸物」*？
A 这是因为那里是第一个生产高质量陶瓷的地方。
镰仓时代陶瓷器从中国传入，爱知县濑户市是最早制造釉料并生产高品质陶器的地方。由于这里也是日本陶器的起源，因此“濑户之物”成为陶瓷的总称。
*「せともの」濑户物是指以爱知县濑户市为中心生产的陶瓷器，也写作「瀬戸物」。
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Q 为什么同一艺术家的作品类型不同价格也会不同？
A 因为茶具比日常用具更好。
日本餐具界有着明确的分类，被分为器皿和杂器。在茶道的世界里，每件器具都有等级，甚至同一个茶碗（「大名物*」或「中興名物**」）也被评为“特产”或“中高特产”。这种质量差异清楚地反映在价格中，尽管这听起来微不足道。因此，即使是同一个陶工制作的，茶具也肯定比日常饭碗等杂物贵，除非考虑到品质的差异。
*「大名物」是在日本的历史上曾经被「大名」收藏过的、编录过的器物。在利休之前，特别是在以隐居东山的足利义正为中心的东山时代而闻名的茶具被称为“大名物”。大名物中包括「唐物」，「和物」、「高丽物」。
**表示茶具一个特产等级。「中興名物」可以说是根据小堀遠州（日本安土桃山时代至江户时代前期的大名、茶人、建筑家、庭园建造家。）的审美感挑选出来的杰作。
日本器皿对决，哪一款更好？
当然，作为茶具的茶碗是迄今为止最好的！正如一位陶艺家所说：“即使花费同样的时间和精力，茶碗的价格却要贵10倍。当然，为了做到这一点，我付出了很多努力”。
例如同是黒田泰蔵的作品。虽然茶杯和清酒杯的形状很相似，但实际上越小越好。品质差异的原因在于，酒杯是怀石料理中经常使用的器具之一。
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Q 「民藝」和陶艺家的作品有什么不同吗？
A 陶艺家制作的被称为「作品」，民间工艺品则更像「实用品」。
民藝是柳宗理的父亲柳宗悦在“「民藝運動」中创造的一个词，该运动以展示日本各地的传统手工艺的美为宗旨。其中有许多民间工艺品包括民窑制作的陶器。与柳宗悦先生一起参与民艺运动的濱田庄司先生和河井寛次郎先生也被一起称为民艺派艺术家三巨头，但默默无闻的美和因实用而生的实用之美感本来就是民艺的基础。 “陶艺家的目标是作为艺术家来表达自己。他们可以被归类为民艺艺术家，在创作日常生活中他们更多的会考虑到日常使用的容器。”
日本民艺博物馆推荐的现代民窑。
📍北窯/沖縄県読谷村四位陶艺家共同创作拥有的窑炉。冲绳的红土上覆盖着白色的化妆土，棕色和绿色的釉料渗入其中的样子很是漂亮。
📍湯町窯/島根県玉湯町传承的民窑之一。它具有西式器具的样貌，例如这款鸡蛋面包机，可以让您轻松制作一份煎鸡蛋。
📍出西窯/1947年在島根県斐川町修建的窯。在河 井寛次郎和濱田庄司先生的指导下，保持着民窑的风格。照片为与柳宗理合作的「柳出西丸」盘子。
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📍15个关于器皿的术语
-【印判/いんばん（印版）】主要用于器皿染色的草图，通过使用铜板将颜料钴印刷在和纸上，再将其浸泡在水中，然后将其转印到基材上而制成。当两个相同的器皿并排放置时，图案完全相同，很容易将其与手绘染色陶器区分开来。
-【写し/うつし（复制）】专业的杰作作品为模型的容器。它与赝品或复制品有着不同的含义，并且是日本餐具所独有的，因为它是在对前辈技艺的崇敬之情下制作出来的。他所塑造的杰作被称为「本歌」。
-【釉薬/うわぐすり（釉料）】一般被称为「ゆうやく」，但官方的读法是「うわ ぐすり」。用于陶坯表面形成各种纹理和颜色的薄膜的原料，以达到装饰和防止渗透的目的，有许多不同的类型。
-【灰釉/かいゆう】釉料之一。 它是将燃烧的植物灰烬倒入水中，再去除浮渣得来的。颜色和质地因燃烧植物不同而不同，但都具有温和而浓郁的感觉。
-【貫入/かんにゅう（渗透性）】釉面有细小的裂纹。通过刻意的创作，赋予陶器多种表现形式。表面的轻微裂纹也称为渗透，这种情况需要修复。
-【景色/けしき】】欣赏陶器时的亮点。如果你说“景色がい い（风景不错）”之类的话，指的是器皿表面上有趣的事情，比如釉料的质量或者烧制过程中偶然发生的质感变化，也可能你会觉得这有点令人反感或不喜欢，但可以尝试一下。
-【高台/こうだい】器皿背面突出的部分。在成型过程中，使用特殊工具对其进行修整和成型。这就是陶艺家的技艺和个性的体现，在看茶器时，也可以把碗翻过来，看看陶器制作得有多好。
-【象嵌/ぞうがん（镶嵌）】在表面雕刻图案，镶嵌不同材料的工艺技术。陶器代表的例子是「三島」，在灰色基材的表面进行雕刻，并嵌入白色粘土。 它具有不同于其他图案的迷人三维感。
-【たたら（陶板成型法）】在一块粘土的左右放置一块被称为「tatara」的木板，并用线将粘土切成薄片的方法。 适合制作长盘等方形器皿，且由于保持均匀的厚度，与陶艺家制成型的器皿有不同的味道。
-【鉄釉/てつゆう】含有大量铁的釉。大多数作品都是棕色的，陶瓷的棕色，包括装饰在内，几乎都可以被认为是铁釉。颜色根据含铁量和烧成的条件而变化，如果在高温下烧成然后快速冷却，颜色可能会变黑。
-【手びねり（手工制作的）】这是一种不使用陶轮或模具，只通过双手来进行造型的技术，也被称为「手捏胚」（上图）。「陶板成型法」也是其中之一。还有一种「泥条成型法」，用绳状粘土泥条堆砌而成，凹凸不平的表皮显得质朴。
-【面取/めんとり（倒角）】一种用于制作各种日本餐具形状的技术，用竹铲将底胎表面形成的厚层削去，形成线性或平面形状。很多情况下，它会被做成多边形，就像上面的茶杯一样。
-【刷毛目/はけめ】与通常将底座浸入釉料的方法不同，这是用刷子将釉料或化妆土涂在底胎上的技术。常见的做法是如上图所示画一个圆圈，然后用刷子将整个容器涂上，称为「総刷毛目」。
-【窯変/ようへん】烧制时火焰状况或落灰情况导致釉料熔化或釉面外观意外发生的变化。有时这会创造出一件艺术品，但它只不过是偶然的产物。
-【見込/みこみ（前景）】指器皿的整个内部或底部。正如「景色」和「高台」一样，这是陶器的亮点之一。在茶道中，喝完茶之后，残留在底部的那一点点绿茶也是很值得欣赏的。
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Q 作为喜爱器皿的初入门者，应该怎么购买器皿？
A 日式餐具多由5英寸盘和7英寸盘组成，西式餐具则一般分成两种
美食搭配师沼口由紀女士推荐，如果是第一次购买，可以考虑最基本又好驾驭的白瓷。 “如果是日式餐具，可以考虑7英寸的盛菜盘，5英寸的盛菜盘和小碗组合起来，这样对于任何一餐美食的组合都是可以的。如果选择平盘，使用起来会很方便。 西式餐具几乎可以用于任何用途，例如盛放鱼肉菜肴的餐盘，盛放咖喱、面食和沙拉的汤盘。至于颜色，建议使用白色，因为它与食物很相配。”
-西餐餐具里典型的25厘米平餐盘是一种多功能餐具，可用于盛放肉类和鱼类的菜肴。
-日食器里的5英寸的盘子直径是15厘米左右，7英寸的盘子直径20厘米左右的尺寸。
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Q 有哪些秘诀可以让最喜欢的日本餐具更耐用？
A 使用前和使用后的日常护理至关重要。
【使用前】购买之后可以泡半天的水，然后再加热器皿，这样之后使用起来会比较轻松。再然后，在使用前先可以用热水浸泡，再拿出来使用，这样可以阻隔料理汤汁的油渗透进去。
（这招针对是陶器，瓷器是没有关系的。日本很多日料店的陶器在使用前都会浸水再使用，这样会阻隔鱼生的腥味带到器皿上，给顾客带来不好的食用享受）
【何时使用】 瓷器可以用微波炉加热。
但是，严禁使用感有金属性的器具，因为它们可能会在微波炉中引发放电。硬烧陶瓷也可以在微波炉中使用，但要小心厚的物品，因为容器内的气泡可能会导致器皿爆炸。
【使用后】最好尽快用洗涤剂清洗并自然晾干。 如果白瓷器很脏，可以将其浸泡在漂白剂中。但是，如果是使用釉上彩的器皿，如果使用漂白剂，可能会导致绘画图案消失。
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Q 我珍视的器皿坏了，请告诉我如何修理它们？
A 可以用大漆或腻子修补，用今繕的方式进行修复。
长期以来，在以划痕和年代为美的茶道世界中，人们一直用大漆和金粉来修复破裂或破损的器皿，这一过程被称为“今繕”。你可以在陶器专卖店找人来修复，但如果你有石材或金属用的腻子、人造漆和金粉，你也可以自己做。你所要做的就是用腻子和大漆填补缺失的部分，用砂纸打磨光滑，并涂上掺有金粉的人造漆。 如果破裂，用薄薄的腻子就可以将其连接起来，并使用相同的步骤进行修复。
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Q 陶瓷器是什么时候开始起源的？
A 世界上最古老的陶器是素陶，其历史可以追溯到16,500年前*。
据说，世界上已知最古老的陶器是青森県外滨町的大平山元第一代遗址出土的素陶。科学测年表明它建于 16,500年前。
（*这段只能表明日本最早的陶器，作为读者我不做过多评价，但通过中英文Google和百度搜索世界上最早的陶器，都现实是在东欧地区的捷克布尔诺发现的优质陶质女性雕像，制作非常精致，存在时间是距今29000年到25000年。而中国最早的陶器出现在江西万年仙人洞遗址，距今8800年的历史。在这些早期陶器中，红陶是中国最早的陶器品种之一。我国浙江义乌桥头遗址发现的上山文化彩陶是我国也是世界上最早的彩陶。）
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Q日本的现存「人間国宝」有多少？它们有多伟大？
A 目前陶瓷领域有10人。 这可以表明我们是传统文化的传承者。
「人间国宝」是“重要无形文化财产的持有者”的通俗说法。日本国家承认传统技术的高技能继承人。目前还在人世的陶瓷艺国宝有10位。每种技术只有一名获得认证的人员，例如擅长着色的柿右衛門。
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Q 我也可以成为一名陶艺家吗？
A 这取决于你的努力。 然而职业学校之路是不容易的。
成为陶艺家是没有资格限制，任何人都可以。全日本各大陶艺厂都设有陶瓷学校，都可以学习专业技术。不过随着陶艺热潮的高涨，报名人数急剧增加，学校的人数名额也变得紧张。
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Richard Ginori与皆川明的合作项目
自2011年双方第一次合作以来，已经过去四年了。 2015年6月，皆川明先生访问Ginori总部。 新系列是「蜜蜂白」，以Minä perhonen的主题之一的蜜蜂白瓷为特色。 它向与工作室相关的设计师Gio Ponti致敬。
所有陶器都是在精心维护的作坊中制作的。
「Minä perhonen」设计师皆川明与拥有280年历史的意大利公司瓷器公司「Richard Ginori 」再度携手。
两个品牌的第一次合作是在2011年。他们与时任艺术总监的设计师保拉·纳沃尼 (Paola Navone) 合作，创作了以皆川明的餐具插画为特色的特别版——「Love Communication」
从那时算起的四年，皆川明先生拜访了理查德·多吉诺里 (Richard Dojinori) 的总部。目的是确认Ginori 和Minäperhonen可作款器皿的完成情况，并制作在伊势丹新宿店出售的限定品，他们将在那里展示他们的作品。在佛罗伦萨北部的塞斯托菲奥伦蒂诺，他在自1735年以来一直延续的传统作坊中亲手绘画和装饰。
塞斯托·菲奥伦蒂诺 (Sesto Fiorentino) 是一个小镇，许多家庭世世代代都在吉诺里工作，并为此感到自豪。 地标是接近总部时你会看到的圆形水塔。最后让我们去探访生产现场吧。
第一天一大早，走进工厂，这里的景象有些怀旧。机器、工具、家具……一切都是模型版的，仿佛时间已经停止。然而，所有这些都经过了时间的打磨，并仍在使用当中。这是车间，不是工厂。制造现场是一个神秘的地方，公司的理念从每件工具使用过程中都渗透出来。
在这一天，吉奥·庞蒂的宝贵资料被展示进来。吉奥·庞蒂（Gio Ponti）是一位建筑大师，被誉为意大利现代设计和建筑之父。在他职业生涯的初期，他曾在1920年代到1930年代担任「Ginori」的艺术总监。 2002年皆川先生在伦敦观看了庞蒂回顾展后就完全被它迷住了。所以在与「Ginori」的这个合作款项目中，他想向大师致敬。
在摆满庞蒂手绘浅色草图的桌子前，皆川先生开始用放大镜追随流动线条的方向。“当我沉浸其中时，我完全沉默了，进入了个只有我一个人的世界。我边动手指边思考，并在笔记本上留下些草图。
“我在细线的停顿和弹跳中感受到了庞蒂表现力的深度。他投射阴影的方式也很独特。”受到庞蒂草图的启发，皆川先生尝试寻找自己的台词。
上午的时间过得很快，很快就到了和员工们去食堂吃午饭的时间。下午，我们将继续进行草图和手绘。
接受乔瓦尼大师的一些轻松指导并提高注意力......用面刷画出精致的线条并不容易。绘画时这是一个压力很大的时刻。
第2天。新作「Be White」到场迎接我们。 皆川先生事先交付的花卉、蝴蝶、鸟类等草图，已经用转印纸印在白瓷上。当我看到这一点时，我笑了。 确实，皆川的作品和瓷器的质感非常相配。浅淡透明的白色使精致的线条和点突出而不模糊。
这一天，「Ginori」还给我们准备了一个惊喜。这是一个铸造过程。两个石膏模具，明代风格花瓶及1902年传承到现在的蜜蜂石膏模型。
将浆料倒入石膏模具，再等20分钟。最终，他们把已经成型的蜜蜂取出来，自由地附着在基板上。
接下来，他雕刻了一块陶瓷板，并画了一幅浮雕画。在我旁边，纳沃尼眨眼间就创造出了花朵，就像施了魔法一样。她突然在瓷盘上加了一朵花。然后皆川随手画了根树枝。
就这样，皆川不仅是与庞蒂合作，还与现代大师也合作了。“每个人都富有创造力，定制自己的工具，并小心使用它们。我认为他们确实会管理自己的肢体，他们的手不会颤抖很稳，并且工作时保持良好的平衡。”皆川先生说。
就这样平静祥和的两天过去了。在回程的路上，皆川先生自言自语道：“吉奥·庞蒂并不将事物视为花朵，尽管它们是花，他也不将它们视为鸟，尽管它们是鸟……这是想象力。这就是他看待事物的方式。是的，我想是这样。”
纳沃尼大师说道： “皆川的插图里的东西与庞蒂的是有共通点的，那些东西字里行间都有诗意。这样可以打开「想象力开关」的餐具已经圆满完成了。
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作为雕塑的木碗，它是器皿还是雕塑？
木碗的魅力。
“木工”是使用车床切割木材的过程，“木工”是专门从事此过程的人。用木头制作一个可以放入食物的形状。 但木碗还有超出其用途的其他用途。
看看木碗传奇的作品你就能明白什么。
左边的六个木碗价值很高。它的存在感太强了，就算你不往里面放任何东西，你也根本不想往里面放任何东西。 一些应该放在身边、看着、触摸和爱的东西。这不是很明显吗？
当中原在一家销售中世纪古董家具的商店工作时，他最大的乐趣就是打开装满店主买的小摆设的箱子。从所有流派收集的物品。其中有一个木碗。
“当主人向我展示了各种各样的东西时，我自己也不知道为什么就学会了挑选小物品的乐趣以及如何装饰它们。这就是为什么我从一开始就能够将木碗视为享受木质感的东西，我想我能够做到。”
“第一次去美国的时候，我买了一个丹麦产的木碗，之后放在家里的餐桌上，每天看着它。有时我会在里面装满水果，但大多数时候它都是空的。”他说，通过将其放在适当的位置，他感觉自己有了一个观感的中心和情绪的焦点。
“陶艺家濱田庄司（（1894年—1978年）日本陶艺家，人间国宝）制作了很多大盘子。不使用时，他将它们直立展示。换句话说，他通常将它们视为接近绘画的物体。字面意义，木碗是由木头制成的。它像是雕塑，我展示它，观赏它，触摸它，享受它的存在。”
木碗原本是一种实用器皿。包括大碗、小碗和服务性的套碗，用于沙拉食物等。它在丹麦尤其受欢迎，因为那里可以稳定进口优质柚木。「Kai Boisin」想要创造一些具有设计附加值的东西，他请已经以家具设计师闻名的「Finn Juhl」设计一款木碗。它具有独特的形状，两端向上翻转，边缘略微向内卷起，爱好者们着迷于此碗，从而超出了其实际应用范围。
“不过，我认为美国人欣赏木碗不仅是因为它们的设计之美，而且是从稍微不同的角度来看的。”他们通常使用胡桃木等材料，而不是像丹麦那样质地均匀且易于加工的木材，而木材的纹理和颜色很难预测，而木工本身就是普通人都熟悉的工作。因此，美国木碗往往具有强烈的雕塑感，是对材料和木纹美的深入探索的结果。
“有很多事情做得过头了就会无趣，但美国的典型特征是，木车工被认为是艺术家而不是工匠，他们的作品价值很高。不过，鲍勃·斯托克斯代尔的木碗更贵。
您目前对当代艺术家有何期望？
当被问及中原先生目前正在关注哪些作家时，阿尔玛·艾伦(Alma Allen)和盛永省治的名字出现了。
“阿尔玛更像是一位雕塑家，而不是木工，所以他的木碗很容易理解为是他作品的变体，我喜欢它的轻盈感，而不是实际的重量。”另一方面，人们对继续在鹿儿岛制作的盛永省治寄予厚望，他似乎已经收到了订单。
“最初，他是一名家具制造商，当他独立后，我认为他真的很纠结是否可以通过制作家具来表达自己的身份。当时，他去了美国，开始从事木制品的创作。他可能发现了沉浸在接触木头的乐趣。因此，他有潜力清楚地表明木碗不仅仅是木器皿，我希望你摆脱日本的影响，发现什么是木车削器。
日本使用木器的历史悠久。中原先生认为，这就是木碗的魅力如此难以传达的原因。「挽き物（车床车工工艺）」是用于涂漆的部件，不做为单一流派。人们想要的东西超出了他们的预期用途范围。他说他期待有一天日本人能创造出这样的东西。
“当你看到Prouvé的创作时，你就会发现，伟大的家具不仅具有其用途之外的美感，而且还可以作为一件雕塑作品。我相信木碗也应该如此。
当你雕刻时感受它，形状自然就成形了。
Alma Allen
1970年出生在犹他州的雕塑家。在美国各地搬家后，于2000年搬到了加利福尼亚州。他在威尼斯海滩开了一家商店出售他的作品。目前，他已搬到约书亚树，为他的雕塑寻找木材和石头等天然材料，并在那里继续创作。除了雕塑之外，他还制作桌子和家具，但由于木碗数量很少，所以并不总是可用。
-为什么要做木碗？
我通过交换我制作的雕刻品获得了一台车床。于是开始使用起来。我从来没有见过其他人如何使用车床，所以我不确定我是否正确使用它们（笑）。
我也曾经问过一位朋友，她是否认为碗上有一个小压痕会感觉带来不便，她笑着回答说：“在你问我之前，我甚至从没有想过这点。”
-你喜欢什么木头？
我经常用胡桃木和铁木。铁木是一种生长在高海拔的坚硬树木，雕刻需要很长时间，但不同深浅的木材所创造的色调非常美丽。胡桃木比那更容易雕刻。我喜欢转弯的感觉，因为这是一个流畅的过程。雕刻时思考如何利用木纹和裂纹很有趣，根据木头的感觉来决定形状也很有趣，就是顺势而为，而不是违背自然的木纹强行制作。
-那种独特的厚重形状是如何产生的？
当我第一次开始使用车床时，我也在制造薄壁的物件。但归根结底，不管它们有多薄，但我从来没有见过多少人真正用木碗来吃东西。因为我个人喜欢胖胖的形状，再加上我意识到这一点，所以我想也许更有雕塑感的东西会更好。
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复制形状和本心，因为我本天都是寻找自己的形和心。
Alma Allen
1976年出生于鹿儿岛县。在学习工业设计和木工并获得约两年的木匠经验后，他在鹿儿岛的
-是什么让你开始创作的？
五六年前，当我第一次去美国，我在古董家具店看到的木碗和其他木制品的酷炫感到震惊。当时我看到了Bob Stocksdale的作品，同时也对Alma Allen的作品印象深刻。在那之前，除了家具之外，我唯一知道的木制品就是用屋久杉制成的工艺品和纪念品。那时的我受到了很大的启发，当我离开工作的家具厂时，我决定制作足够大的雕塑，那种完全可以包裹我手的尺寸，所以我买了一台小车床。
-你有什么东西作为参考吗？
我买的第一家商店的经理对我制作的木碗很感兴趣，他告诉了我很多关于我做的斯堪的纳维亚碗的事情。有人借给我一本Finn Juhl的巨著供我参考。 当我以模型的形式创作这些作品时，我一心想要了解艺术家的感受和思维方式，哪怕只是一点点。
-你未来的目标是什么？
仍处于反复试验之中，担心是否需要创造自己的独有形状。
-你有在什么地方学习过吗？
不，我是自学的，不过说实话，自从我自己创业以来，我一直在做家具，我以为这才是我的主要工作。所以，一有空闲时间我就制作木碗。
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探索Heath Ceramics的陶瓷魅力是什么？
自20世纪40年代以来，Heath Ceramics一直致力于生产精美的餐具。 当我参观工厂时，我思考这家公司是根据谁和什么理念创立的，以及它继续基于什么理念。
当你看到美丽的工业产品时，你会不会考虑过度的感受和感情主义，手工制作的手工艺品或工业产品的区别。 Heath Ceramics的用具是美丽的工业产品。 功能性和简单的形式，可以毫不犹豫地使用，很多颜色很难通过原始颜色来判断，这里面有很多奇怪的组合。 Heath Ceramics的用具是在旧金山附近位于萨乌斯塔托的工厂制作的。 一层楼的工厂，北加州阳光从天窗涌入，当时使用的机器和工具直到仍在使用时。 而每个人都能想象的到他还有光明的未来。 这可能就是为什么那么多艺术家会选择与这个卓越的工业产品品牌合作的原因。 Heath Ceramics的企业理念是为大众打造他们都能使用的餐具。
对于Heath Ceramics，我并不是它的粉丝，但今年是这个品牌的75周年创牌日，我觉得还是应该对这部分做个简略的说明，喜欢的同学可以自己看看杂。
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Jonathan Anderson益子参考博物馆。
作为「Loewe」的创意总监，Jonathan还指导了表参道重新开业的表参道「Casa Loewe」。为了与日本创作者合作，他做了很多研究，最终选定了「濱田窯展」的三代陶瓷艺术家：（祖父：濱田庄司，父：濱田晋作，濱田友緒）。
乔纳森说，当他接触滨田一家时，他没有提过任何详细要求，而是“信任他们，把一切都交给他们”。针对这一点，他以「Loewe」的世界观为灵感创作了一件作品，其中还包括庄司・晋作的作品，其中一件作品在Casa Loewe表参道店展出。丰满丰盈的益子焼与高端时装品牌的结合，是一个相当令人惊讶的组合。“在完成的空间中，我惊讶地发现Loewe的单品和益子焼的瓷器无缝协调，相得益彰。”
尽管我们在整个项目过程中进行了沟通，但这是乔纳森第一次拜访益子町。在「益子参考館」度过的时光是无可替代的经历，这里的古老建筑星罗棋布，还有树林中的窑。
“一切对我来说都是崭新的，我想在这里生活，我看重的不是‘奢华’，而是‘工艺’，伟大的工艺在这里生根发芽，成为我自己的灵感。”
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大宜味窯 菅原工房
大宜味窑的菅原健，来自沖縄本島北部的一个公共窑，是历史没有很长的年轻品牌器皿，给人一种大方、优雅的印象。
からや窯
登川均是一位陶艺家，他以适合现代生活的形式表达了对古老琉球器皿的崇拜。其特点是拥有优雅，找人喜爱的色彩和形状。
横田屋窯
読谷山焼 北窯
1990年，松田米司、松田共司、宮城正享、與那原正守四位陶艺家共同开设了窑炉，因其强度和良好的着色性而广受欢迎。
Slipware
伯纳德·利奇（伯纳德·利奇Bernard Leach（1887～1979）英国艺术家、陶瓷家。 毕业于博蒙特学院与伦敦美术学院。 在日本学会了制造“乐烧”和炻器的技艺。 1920年在康沃尔郡的圣艾夫斯开设利奇制陶厂。）也很喜欢这种器皿。
井上尚之
小島鉄平
伊藤丈浩
齊藤十郎
湯町窯
山田洋次
法国中部勃艮第的一位陶艺家。他使用自己挖掘和提炼的粘土，加上英国滑釉中使用的传统方铅矿釉。他的作品吸引力在于良好的色彩，大笔触的图案清晰可见，器皿结构坚固。
*日本陶艺的“スリップウェア（Slipware，下面都用“泥釉”来称呼）”技法，是把适度调过水、呈现泥浆状的化妆土浇淋在陶器上进行装饰，可以当作就像是把化妆土当成颜料、素烧的陶器作为画布，然后在上头作划一样。
另外有一种跟泥釉类似的技法，叫“イッチン（Icchin）”。差异在イッチン比起泥釉的固态程度更高，涂上器面干燥后会呈现立体的突起，不像泥釉或一般釉下彩一样平贴在表面。
只是泥浆状的化妆土，究竟还是跟真正的颜料有差，没办法画出太过精细的线条。不过却也因为它不会马上固化的特性，别具巧思的陶艺家会利用这一点，用一些小工具勾勒出特殊的图纹变化。
如果你有看过蛋糕师傅在蛋糕上用奶油挤花袋（器）做装饰的话，泥釉技法的操作就类似那种感觉。
有别于一般釉下彩装饰技法的精雕细琢，泥釉的美在于那富有生命力的跃动感。由于需要陶艺家集中心神、一气呵成地把化妆土浇淋出各式的图纹，因此泥釉作品通常自带着简洁俐落的飒爽气场，没有太多繁复装饰的原始魅力。
然而，泥釉技法不是什么新奇的玩意儿，新石器时代的人类老祖宗们就会用这招来装饰陶器——简单、方便、好上手。不用制造特别的工具（雕刻刀、画笔），也不用调制什么神秘的配方（釉药），一切都只要顺手调一下旁边黏土的比例，就可以直接在素烧好的陶器上做出简单的装饰了。
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只要使用过，你就能体会到大方的陶艺魅力。
やちむん（Yachimun）和slipware（スリップウェア）有什么特点？为什么如此受欢迎？我们向工艺品店「SML」的店长宇野昇平询问了这些大尺寸作品的魅力以及如何享受它们。
“やちむん（Yachimun/冲绳陶器）”在冲绳语中是陶器的意思，“slipware（スリップウェア/泥釉陶器）”是20世纪初从英国传入的。两种类型的陶器都具有自由流动、坚固的形状和简单、温暖的纹理。
やちむん（Yachimun）始于17世纪，当时冲绳还被称为琉球。这一切都始于一位从萨摩请来韩国陶艺家并传承了他的技术。由于该国自14世纪末以来就已经从东南亚和中国进口陶器，因此开始仿制这些陶器（碗）、泡盛器皿和礼仪用清酒器皿。昭和初期，柳宗悦、濱田庄司等民艺运动领袖访问冲绳时，高度评价了与气候和饮食习俗密切相关的冲绳器皿之美。引入内岛后，开始引起人们的关注。
如今，许多作坊和公共窑炉仍然使用冲绳粘土和釉料生产日常陶器。温暖的色彩和质朴的氛围是因为大多数やちむん（Yachimun）都是使用「生掛け」技术制作的，该技术包括在烧制之前对作品进行绘画和装饰，而不需要脱釉。除钴釉、绿釉绘画外，还采用线刻、扬、飞面、笔痕等多种技法进行装饰。
赞美这样陶器的词是「がんじゅうちゅらさ―（冲绳方言）」。它的意思是赞扬可以从坚固结实的器皿感受到的美。
slipware泥釉陶器是用一种泥状粘土在陶胚上绘制图案的陶器。在半干的基材上涂上一层化妆土，然后用滴管状的工具滴下化妆土或用手指画线的方式来形成图案。添加图案后即可成型，再施以釉并低温烧制。它的特点是有着图画一样动感的图案，以及深棕色和金黄色等温暖的色彩。
它有着令人惊讶的悠久历史，据说自公元前就在世界各地都有制作。在英国，它于18、19世纪作为普通民众的用具而发展起来，但在工业革命后大量的产品，而一度衰落。之所以再次引起人们的关注，是因为日本的民艺运动。
陶艺家Bernard Leach和濱田庄司从英国带回旧了陶釉技艺，并在日本各地教授这项技术。如今，除了沿用早前技艺的陶艺家之外，还有个别艺术家用自己选择的粘土和釉料创作现代的陶釉器皿。
我们向工艺专业人士询问了冲绳陶器的所具有的吸引力。
“当你去陶窑时，你会发现每个制作它们的人都很随和，”位于中目黑的「SML」总监兼采购员宇野昇平先生说道。「SML」是一家精选工艺品店，出售来自日本各地的陶器和日常用品，包括冲绳陶器和泥釉陶器。
“特别是在冲绳陶器上，绘画是以一种很轻松的方式完成的，而用于塑造的トンボ（蜻蜓）*（一种调整餐具尺寸的工具）并不像其他产区那样精确，也许这种轻松的感觉传达给了艺术家。 “陶器稍微松散的特性使其非常适合日常使用。”此外，还使用柴窑，例如传统的梯窑就有很多制作者使用它们。
*
“在烧柴的窑炉里，是无法完全控制火候。你必须在一定程度上把它交给火，才能创造出只有火才能表达的表情。我想这也是随机的本质所制造的魅力。”
如果你问我的话，在冲绳，自17世纪开始制作陶器以来，制作过程中的扭曲形状、釉料滴落甚至手指痕迹都被视为「偶然的美丽」和「味道」，而不是「失败」，这是个极为享受这样的过程。
宇野先生说：“当我看着这些灵动的图案时，感觉它们并不是作品中的绘画，而就像自然而然诞生出来的。事实上，曾经制作素陶的人说：“有一种理论认为泥釉陶器是随机启动的奇妙产物。”
而另一个特点是固定的设计或独特的图案很少。有人以古老的民间工艺为蓝本，有人则致力于创造新的釉料外衣；换句话说，这是一个没有「标准答案」的世界。
“我觉得每个人都在寻找属于自己的正确答案，并不断进化着。即使每个人制作出相同的图案，每个人的作品也有自己的个性。即使同一个人画出相同的图案，随着进窑之后的变化，也不会烧出两件相同的作品。它们都是独一无二的，这让它们感觉更像是手工制作的，并且商店里展示的所有陶器中，你可以挑选任何一件你自己喜欢的并带回家。我认为这就是工艺作品所带来的纯粹乐趣。”
泥釉陶器是欧洲冲绳陶器！？！？
“冲绳陶器和泥釉陶器都是盛放食物时才更能展示魅力器皿。冲绳陶器既松散又坚固，因此它可以处理任何类型的食物。我认为没有任何其他盘子能如此轻松使用。据说人们设想泥釉陶器可能会因其图案与称放的食物发生冲突，但当你尝试使用它们时，它会让绿色蔬菜脱颖而出，而且与肉和鱼都很相配，这就是为什么它最初在英国家庭中被用作烤箱器皿。如果你看一下那边的旧盘子，你会发现盘子上有一些看起来像是用刀切过的痕迹。它们是随着民艺运动作为「美丽的东西」流传来到日本的。也许不是，虽然尚未流传到大众，但泥釉陶器原本是一种被大量使用的欧洲物品，就像冲绳陶器一样。
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Utsuwa Storage
我收集并使用它们是因为我喜欢它们。 容器和存储之间的美好关系。
一直困扰餐具爱好者的一件事就是存放的问题。你希望将最喜欢的用具存放在一个易于管理的地方，以便可以随时使用它们，而无需将它们存放起来。我们参观了伊藤まさこ和「キコ」山本弘美山本的家，他们可以说是终极理想。
伊藤まさこ 造型师
客厅里的步入式橱柜
你应该选择一个与你食物相配的碗。
“最好的餐具是与食物相配的餐具。”造型师伊藤女士如是说。对于伊藤来说，餐具是用来就餐用的，无论是在工作中还是在私人场合。都不存在仅仅将其展示以供查看或存放的想法。
“我使用在巴黎找到的价值几百日元的陶器和顾客们花费数万日元的旧伊万里陶器都可以，这完全取决于我烹饪的食物类型。”
伊藤女士的工作室位于东京一栋老式公寓楼的一个房间里，里面摆满了她最喜欢的器皿，这些器皿来有自世界各地的品牌和制造商。陶瓷主要是在日本的古董市场和海外跳蚤市场购得的。虽然她经常在日本和国外旅行，但并没有特意找寻陶器，只是在旅行中看到喜欢的东西就买下来，这是一种轻松的态度。
“最近我买的日本器皿更多的是偏向古董，而不是艺术家制作的。我的标准西餐盘是来自阿拉伯的Paratissi和来自Iittala的Teema。复古的欧洲白盘子，耐热盘子和豆皿，还有一些我喜欢的器皿，愛知县的黄瀬戸焼，御深井焼等等。只要我找到就会购买，但基本原则都是选择自己想要的。” 大型器具的储藏室也很独特。搬家时，我们建了一个步入式储藏室。客厅里，我们竖起了一面约2米宽的白色墙壁的柜子，后面放置了架子，并没有像私人房间那样做成U形，而是创造了一条开放的通道。一侧可用放碗，另一侧可用作书架。 “当我把架子朝上排列时，感觉真的很压抑，”所以我让他们面对面摆放着。即使菜品很多，柜子的位置也能一目了然。
伊藤女士从事陶器工作已有20多年，拥有使用所有基本陶器的经验。 当然，也有失败的时候。“旅行时我非常兴奋，会购买我遇到的可爱之物，但它也许并不适合我烹饪的菜肴，而且也有可能不适合与其他餐具搭配。”
她意识到，即使她会喜欢一些器皿的样子，但是否适合又是另一回事了。 现在我确切地知道自己需要什么，可以搜索和选择，而不会浪费时间。
“每天的饮食都是我们自己做的，所以我总是把餐具配置成一套。例如，日本的餐具是接触嘴的东西，所以质地很重要。而且，如果器皿表面是粘土做的，看起来可能会有点不时尚，所以我尝试通过瓷器和玻璃结合起来，并将产品与艺术家制作的东西混合来找到平衡。”
餐具是烹饪的亲密伙伴。我现在这个柜子里的东西，都是我花钱买来、用过、精心挑选的，它们也是被淘汰后留下来的精英。
“让食物看起来很美味，这一点很重要。我希望每天的饭菜都变得有趣。”
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山本弘美 「QUICO」主理人
房子建于2005年。这座现代建筑由建筑师坂本一成设计，这栋建筑可以感受到光与风的流动。里面是跳层的结构，每个空间看似松散的连接着。 所有的房间都被纯白色的墙壁包围，让空间感觉就像一个画廊，里面最引人注目的就是餐厅里的白色玻璃橱柜。
从正面很难看出它是沿着斜墙建造的，越往下，架子就越宽、越深。为了保持平衡，山本女士将小川甚八的迷你茶壶和Bernd Friberg的小物品放置在上层架子上，以匹配架子的宽度，并将较大的杯子和碗放在下层架子上。
山本女士一直很喜欢陶器。“年轻时，我的喜好主要集中在欧洲复古器皿上，但当我自己开店并开始经常去日本和国外旅行后，我对陶器的世界有了更多的了解，并对斯堪的纳维亚的物品产生了兴趣。渐渐地，我对日本陶器产生了兴趣。现在它在世界各地都很受欢迎，包括中国、越南、瑞典、芬兰、丹麦和南美洲等地。
在众多选择中，山本女士选择的标准是：需要有手作的温暖。 “较旧的物品通常是手工制作的，当你拿起它们时，质感完全不同。例如，中世纪的阿拉伯陶器又厚又翘……很温润，我很喜欢它们。”
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KINTSUGI Beauty
金繕的修复和使用之美
金繕是一种使用大漆修复破损或缺损的陶器的技术，最近引起了人们的广泛关注。 编者想更多地了解它的魅力，所以拜访了金繕艺术家和热爱金繕陶器的人们。
通过修复，我想赋予它们新的美丽生命
今繕是一种修复破损、缺口或裂纹陶瓷器的技术。 这种技法使用很强粘合性的大漆进行修复，并涂上金粉或银粉的面漆，它的历史相当悠久，可以追溯到室町时代。据说它起源于莳绘（在漆器上用金属粉末绘制图案）技术，用于修复茶道中使用的茶碗和花瓶。与其说是简单地修复某些东西，不如说将修复后的区域作为“风景”来欣赏，这一点非常日本。
她很有天赋，喜欢修理东西，即使现在她已经成为一名受欢迎的金繕艺术家，她对金繕的理解也一直在变化。
“我时常会做出判断，比如何用一块不显眼的银色来修复一件有图案的陶器，使图案更加突出，或者用金色来修复一件旧的染色陶器，用漆填充该区域并创建形状也是可以的。
换句话说，既有创造的成分，也有修复的成分，其中很大一部分是留给传承者自己品味了。
“大前提是把东西修得牢固、修得漂亮。而且，我不想把需要修的东西弄的「像幅美丽的图画」，而是尽可能平静地，心无旁骛地修补。我想做些性感或能给人带来新看法的修复。”
“金繕是一项使用大漆（一种天然材料）的工作。大漆的状态会根据温度和湿度而发生很大变化。如果你一早醒来感觉，“今天的湿度非常适合工作！”，那么大可以取消原定的计划，从而可以专注于今繕。”
我和黑田女士一起去上班，她笑着说。工作室是她用西式储物空间改建而成的，她搭建书桌和书架、粉刷墙壁，这里结构紧凑、井井有条，所有工具都触手可及。
“这是一份缓慢的工作，需要耐心。有时我必须像拼图一样把几十块碎片拼凑起来。”有时候当我完成一块时，会觉得很累，这时候不得不请人帮助我。每天我都觉得有责任处理这些重要的事情。
“不过，我很高兴参与修理东西。我认为在修理东西的同时尝试继续使用东西是一个重要的想法。我的工作就是帮助人们并解决这个问题。我希望人们都能喜爱这些修复过的器皿，即使他们已经损坏了，我的目标是从事这样的工作。通过金繕的作品来传达的不仅仅是修复器皿的「尊严」，还有「我希望你能拥有你真正喜欢的器皿」的信息。”
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她晚年创作的作品在世界范围内受到高度评价，并在80岁时被授予大英帝国勋章。之后她继续积极创作陶艺，直到1995年去世前几年。
「露西里二十周年纪念展」于2015年春季至2016年5月在日本全国巡回展出，展出了从1920年代到她去世时，各个时代变化的约200件作品。而女演员苍井优是喜欢了她十年的粉丝，
我和優一起参观了千葉市美術館。 “一位资深的爱好者向我展示了一本书后，我对Lucie Rie产生了兴趣。我真的被那些纤薄端庄的碗的美丽色彩所吸引住了，于是我立即买了关于她的书，而现在迫不及待的想在展览上看到它们。在新大谷饭店的展厅里，最令人惊奇的是她的作品是如此细致，尽管这些作品是基于计算而创作的，但传达的却是手工作品的温暖而不是器皿的结实感或技巧。 1930年代初在维也纳制作陶器时使用了釉料和粘土的化学成分，在大约30年后，她重新引入了「熔岩釉」，通过在器皿表面形成粗糙的纹理，改变她的风格。 这些器皿所创造的灵活性给我留下了深刻的印象。这些东西展示了她的个性，你随时都可以接受挑战，而不是只顾及你的年纪。”
这一整天，蒼井優都沉浸在“观看”中。一边对照着作品与年表，一边慢慢地在美术馆里走动，仿佛追随着Lucie Rie整个人生轨迹一样。
“今天，我遇到了一件我非常想要的器皿。但我不会告诉你那是什么...，你明白我的目的吗？这真的太糟了（笑）。”
“当我观察一件器皿时，底部的形状（器皿底部的基座）比它的形状更重要。这就是为什么在博物馆里我总是尽力观察我所能看到的形状。在参观完回来之后，我十分想拥有它！”也许是因为这是为数不多的心愿，或者是说这是很难实现的想法，这样的梦想是不会成真的（笑）。一般在我领略了艺术家的世界观之后，第二天我多半会去陶器店……这种情况经常发生，因为在商店里你可以真正的触摸它，当你把它拿在手里时，你会感受到能量， 我会发出感叹，这和我开始去拍卖行的原因是一样的：我会希望看到器皿的背面，如果我不喜欢后面，我就不会购买这件器皿。”
“背面是决定的要素”这句话是有道理的。据说Lucie Rie也特别热衷于完成这点。
“我很喜欢Lucie Rie作品中那种瘦小、轮廓分明的臀部，也喜欢那种粗犷反差。我觉得这样的个性感非常鲜明。毕竟，这才是她作品的支柱。”
在热情地谈论过对于器皿“臀部”的看法后，她这次选择的许多物品都是简单的容器。
“说到颜色，我喜欢白色和青铜色的东西。我对这两种颜色的组合着迷，我很想知道是否有一种颜色更适合她的薄胎陶瓷。但现在有点不同的是，我在浅棕和浅粉色的大理石纹样的花瓶上感受到了一种新的魅力。第一件是1979年的白釉青线文钵，我越看越喜欢它的端庄外观。越看它越想要。顺便说一句，我很兴奋，心想，“也许今天我会见到露西·里，这是我出生的那一年的作品！”但是1985年的那个可爱的花瓶，我想它看起来不像我（笑）。
对于優来说，陶器更多的是用来保存的东西，而不是用来买卖的东西。 “如果你对某件器皿不够重视，就慷慨地把它交给我吧。我想这是它的传承方式。我很高兴能够找到一件想与之一直共度时光的器皿。”
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Biography of Lucie Rie
从她的一生来看看露西里的风格是怎么形成的？
首先，我们来介绍一下Lucie Rie的早年生活。 如果你追寻她伴随整个20世纪的脚步，你就会发现她器皿造型的必然性！
Lucie Rie于1902年出生于维也纳。曾在维也纳工业艺术学院学习陶瓷。毕业后，她在维也纳担任陶瓷艺术家。 1938年移居英国。自20世纪50年代之后，她的独特风格蓬勃发展。 1991年，她被授予英国二级大不列颠勋章。 于1995年去世。
露西·里（Lucie Rie），1902年3月16日出生于维也纳。她的父亲本杰明·贡珀兹是一名儿科医生，也是精神分析学家西格蒙德·弗洛伊德的密友。露西生长在一个文化教育水平较高、经济优势明显的家庭。
维也纳是20世纪初新文化运动的领军城市之一。当时露西对艺术产生了兴趣并进入了一所工艺艺术学校学习。她的一生只用陶轮*创作作品，但第一次接触陶轮却是在她进入这所学校的时候。最初，她主修的是艺术史和绘画，但当她偶然路过陶艺系时，她被陶轮所吸引，并决定成为一名陶艺家。
*陶轮是一种制作圆形陶器的陶艺工具，一般在拉胚过程中都要用到陶轮。陶轮也用于干胚的修型及上色。
当时，她深受维也纳分离派和建筑师兼设计师约瑟夫·霍夫曼*的影响，也受到当时现代建筑和设计的启发，露西开始追求简约的形式。当时的作品就引起了霍夫曼的注意，并在维也纳制造联盟的一次展览上展出。
*约瑟夫·霍夫曼（Josef Hoffmann，1870-1956），早期现代主义家具设计的开路人，是瓦格纳的学生中家具设计方面成就最大的设计师，这种艺术摒弃了当时奢华的装饰，而倾向于极简主义。作品后来影响了许多风格，包括包豪斯和装饰艺术。Josef hoffmann 1 sofa也是我最喜欢的家具作品之一。
露西里工作室的一侧，即使在她晚年成为一名成功的陶艺家后，但仍然坚持继续在这里工作。 右边是她制作的陶瓷纽扣。
1926年，从工艺美术学校毕业后，她与汉斯·李结婚。新公寓由年轻建筑师Ernst Plischke重新装修，还安装了陶窑。她和对陶艺不感兴趣的丈夫一起生活并不是很幸福，但她坚持作为陶艺家崭露了头角，那时候她所制作的东西为之后她的风格奠定了一定的基础。使用硬质粘土和陶轮，将边缘打磨得非常薄。而且形式也很简单。至于釉料，她已经开始尝试创造熔岩般的纹理，这成为她的标志。
1933 年，纳粹在邻国德国上台后，维也纳的社会状况让她的犹太女友感到窒息。 1938年德国吞并奥地利后不久，露西和她的丈夫逃到了英国。开始在伦敦生活后不久，这对夫妇就离婚了。汉斯去了美国，露西则留在伦敦。 1933 年，海德公园北侧的Albion Mews建成了一座住宅和工作室。这是由建筑师恩斯特·弗洛伊德（西格蒙德的儿子）用一个古老的马厩翻新而成，他是露西在维也纳时的朋友。
大约在同一时间，她遇到了伯纳德·利奇。当时已经小有名气的利奇最初并不欣赏露西·里的能力。对于与柳宗悦等人是朋友并受到东方思想影响的利奇来说，她的作品显得过于现代。尽管如此，他还是认可了露西·里的才华，并鼓励她参加他的陶瓷课程。当她看到利奇的作品时感到震惊。这种影响也体现在她的作品中。后来作品轻盈感逐渐消失，厚重的形状凸显出来。可以说，那是一段试错的时期，她自己后来并不是太欣赏这段时期的作品。
在战争期间，她还制作陶瓷纽扣来养活自己。当时的纽扣厂只生产军装纽扣，没有多余的时间去生产时装纽扣。于是，她的车间接到了很多订单，必须根据客户的要求制作各种纽扣。 通过这项一直持续到战后时期的工作，她积累了丰富的釉料知识和经验。
遇见库珀是一个转折点。
最终，这些纽扣的制作带来了一个重大转折。 她在她雇用来完成纽扣订单的助手中发现了一个天生的陶艺家。这个年轻人的名字叫Hans Coper*。他很快掌握了陶艺艺术，并很快开始与露西·里合作创作作品。
在她50岁左右，公众对她的兴趣终于开始增加了。她多次受邀参加国际展览并获奖。随着她「陶艺作家」声誉的确立，她的作品也变得更加大胆。通过将在陶轮上分别绘制的部件连接在一起，从而创造出复杂的形状，并通过釉料实验创造出很多绚丽的色彩。即使随着年龄的增长，她仍然保持着好奇心，总是追求新的表达的可能性。
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Lesson2的世界名瓷介绍，我相信只要是瓷器爱好者，多多少少都拥有一些，各大品牌也是耳熟能详的。
而关于Lucie Rie这位我超级喜欢的女性陶艺家，她忠于陶瓷的一生叫人钦佩，对于露西里作品的编年历部分我并没有翻译，关于她英文版或日文版的书籍有好几本，感兴趣的同学可以去找来了解看看。
以她在陶艺和时尚界的地位，现在能收藏到的她的作品很少很少且非常昂贵不说，而且还都只是她早期的作品。但当代日本有位风格类似的女性陶艺家小関康子，她的作品有着露西里成熟时期的线纹式的器皿的影子，但又有她自己的风格在里面，感兴趣的同学可以去看看她的ins。
