2023年1月18日发表于《Artforum》
By Greg Lindquist
艺术家自述
在纽约生活和工作了多年以后，出于对这里地质的兴趣，我来到了蒙大拿州。这里给我带来的最大的变化是它改变了我看待时间的方式。在纽约，你无法避免地被困在快节奏的生活中；而在蒙大拿，当你眺望远处的山脉时，会不断地意识到时间有着不同的尺度。
罗克西·潘恩, 《Gros Ventre》, 2021, wood, epoxy, stainless steel, lacquer, oil paint, 106.7 x 160 x 10.2 cm
当然，如果去纽约上州的Catskills，你也可以从那些久经磨砺的石头中感受到时间的另一种流逝。在蒙大拿，我看到的是行星与地壳板块作用力之下被放缓的暴力运动。从这些地质变化中，我感受到白驹过隙，暑往寒来。
罗伯特·史密森（Robert Smithson）是我思考时间尺度的一个重要衡量标准；我不晓得还有哪位艺术家是从这个角度切入艺术创作的。美国西部对史密斯的深深吸引同样对我是一种启发。
罗克西·潘恩, 《Green Coast (Night Vision Lens)》, 2022, wood, epoxy, stainless steel, and vinyl paint, 160 x 214.6 x 13.3 cm
展览中的像素画作品是在不断的实验中逐渐演化出来的；当我的创作理念与实践同步时，作品就会持续地推进并发酵。两者缺一不可，否则这件作品将是不完整的。
罗克西·潘恩, 《Green Cave》局部, 2021, wood, epoxy, stainless steel, lacquer, oil paint, 77.5 x 114.9 x 15.2 cm
我首先创作是地层沉积作品，展现的是有机生命和人造工业这两个截然不同的世界在地层边缘尴尬地交汇，形成作品的层次解构。作为一个雕塑家，我多年以来积攒下了许多形态各异的网状物，并意识到我可以在游戏的过程中用它们创作出全新的画作。这也意味着我需要付出很多的体力劳动。
在思考像素化的世界时，我时常思索现代科技是如何将大块的信息切分成小元件的。绘制草图时，我的思绪又回到关于洞穴的概念上。洞穴既是光圈，镜头，又是相机暗箱，与智人的历史以及艺术的起源紧密相连，或至少纪录下了最古老的艺术创作。
对我来说，洞穴让我联想到技术滤镜，以及人类如何执着地将信息解析成一个个的组件。同样的，在我的「树状体（Dendroid）」系列中，我也在探讨人类如何看待[树]这个巨大的有机体，以及是如何去逐个细胞、逐个枝干地解剖这个有机体的。
我的立体微缩模型系列作品也是一种像素化的洞穴。长期以来，我一直痴迷于我们是如何透过滤镜去感知这个世界、历史和时间的。缩微景观也是用以窥探这些抽象概念的滤镜，映照出我们进化发展的历程，以及是什么驱动着我们的大脑这个谜题。这些缩微景观是探测我们心灵和昔日过往的镜头。
我同时对我们是如何通过算法来接收和处理信息，以及随着时间的推移这将如何影响我们大脑等一系列问题非常感兴趣。然而这次展览中所有的作品都没有运用到计算机算法，相反，我的作品都是从模拟实验中得出的，这样的矛盾也是我的兴趣点所在。
罗克西·潘恩, 《Meeting》, 2016, birch, maple, epoxy, apoxie, fluorescent lights, acrylic prismatic light diffusers, enamel, lacquer, oil paint, damar varnish, paper, steel and stainless steel, 247.7 x 148.6 x 330.8 cm
我想将机器学习这样即时发生的事情在制作的过程中放缓下来——使原本快如闪电的东西在我的实验中停滞不前。我们都是矛盾的集合体，去接受并意识到这一点能够孕育出一种不断变化、不断发展的生活方式。
罗克西·潘恩, 《Mycelium no. 5》, 2022, wood, epoxy, and vinyl paint, 121.9 x 171.4 x 10.8 cm
当人类努力追求纯粹的时候，我们就会泥足深陷，后行龌龊之事。但我不相信纯粹这个概念，我对人类是一份有瑕疵的卷宗这个概念更感兴趣。
罗克西·潘恩，《Fungal Flag no. 2》, 2021, earth pigment, wood, epoxy, urethane, stainless steel, lacquer, oil paint, 138.4 x 229.9 x 14 cm
——接受格雷格·林德奎斯特（Greg Lindquist）采访
As told to Greg Lindquist
关于艺术家
罗克西·潘恩 (Roxy Paine) 的多元创作体系跨越宏大与微观的尺度——从自然界的有机元素，到机器世界的冷峻简洁，潘恩的作品从不停留在任何一个特定领域，而是通过不同的媒介和表现手法将它们融合在一起，创造出混淆、挑衅、证明或是质疑人类体验的作品。
通过与自然和工业、控制和混乱之间的角力，潘恩的作品呈现出我们所生活的世界中扭曲的现实，及其周而复始的不可调节性，持续地重塑和挑战观念与材料之间的转译关系。
潘恩近期的机构个人展览包括2022年在SCAD萨瓦纳艺术博物馆举办的个展「沉积滤镜（Sedimentary Lens ）」。他的作品在世界各地的美术馆广泛展出，包括2016至2017年于美国俄亥俄州哥伦布艺术设计学院比勒画廊（Beeler Gallery, Columbus College of Art & Design）的「血清素再摄取抑制剂（Serotonin Reuptake Inhibitor）」，2015至2016年于意大利潘扎别墅博物馆（Villa Panza）展出的「能产的自然（Natura Naturans）」，以及2011年于美国堪萨斯城的纳尔逊·阿特金斯博物馆（Nelson-Atkins Museum）展出的「自动雕塑机与树状体（Scumaks and Dendroids）」。
2009年，潘恩受纽约的大都会艺术博物馆（Metropolitan Museum of Art）委任，在馆内的屋顶花园创作了巨型场域限定作品《大漩涡流（Maelstrom）》。同时，潘恩于2009年在纽约的麦迪逊广场公园（Madison Square Park ）及2002年于纽约中央公园（Central Park ）等知名公共空间展出了他的艺术创作。
罗克西·潘恩的艺术生涯中获得了众多重要艺术奖项，包括古根海姆纪念基金会奖金（John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship），布鲁克林博物馆（Brooklyn Museum）颁发的Asher B. Durand奖，以及Aldrich当代艺术博物馆委员会授予的艺术新星大奖（Trustees Award for an Emerging Artist）。
潘恩的作品收藏机构包括纽约现代艺术博物馆（Museum of Modern Art）、旧金山现代艺术馆（Museum of Modern Art San Francisco）、洛杉矶当代艺术博物馆（Museum of Contemporary Art Los Angeles）、美国国家美术馆雕塑园（National Gallery Sculpture Garden）、纽约惠特尼美国艺术博物馆（Whitney Museum of American Art）、华盛顿特区赫雄博物馆和雕塑园（Hirshhorn Museum & Sculpture Garden）、北卡罗来纳州艺术博物馆（North Carolina Museum of Art）、西雅图艺术博物馆（Seattle Art Museum）。2019年，中国顺德和美术馆（He Art Museum）在该馆的夹岸花园中委任了一件潘恩的大型户外装置作品《Bllast》，成为了该馆的永久收藏。
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