一年一度的「第二届弗里兹大师展」，即将在本月上旬开锣，该展览系由希娜·瓦格斯塔夫（Sheena Wagstaff）策划，不论展览规模，或参展艺术家数量，都明显扩大，值得细细品评。
弗里兹大师展的核心价值，希望与历史艺术对话，实践对现当代生活的承诺，展览透过关注艺术家的创作场域与思维，连结历史，指向未来。
令人倍感宽慰的是，今年参展艺术家，名家辈出出，举足轻重，包括阿德里安娜·瓦雷雅奥（Adriana Varejão）、尼莉玛·谢赫（Nilima Sheikh） 、多丽丝·萨尔塞多（Doris Salcedo）、塔迪厄斯·莫斯利 (Thaddeus Mosley) 、金允信（Kim Yun Shin）、伊莎贝拉·杜克罗（Isabella Ducrot）、施拉泽·赫什阿里（Shirazeh Houshiary） 、贝阿特丽斯·卡拉乔洛（Beatrice Caracciolo）、娜塔莉·杜·帕斯奎尔（Nathalie Du Pasquier）和梅内特·拉尔森（Mernet Larsen）。
维多利亚·米罗画廊 | D9
阿德里安娜·瓦雷雅奥（Adriana Varejão）
“绘画是一具痛苦却不会死亡的身体；它继续存在，充满激情和活力。”
——阿德里安娜·瓦雷雅奥（Adriana Varejão）
阿德里安娜·瓦雷雅奥借鉴巴西当地的文化传统，例如食人习俗，来颠覆主流的西方视觉修辞和基督教叙事。自20世纪90年代以来，瓦雷雅奥一直对巴西自16世纪以来遭受的欧洲殖民化进程持批判态度。她的作品通过戏仿的过滤，吸收了巴洛克肖像画的惯用手法——描绘伤口、使用黄金、大量装饰，将其重新加工成一种原始而发自内心的表达形式，揭露了殖民征服的暴力。瓦雷雅奥的绘画和雕塑作品中暴露的伤口既是对欧洲中心主义历史版本的瓦解，也代表了对当地知识形式的重新发现。除了巴洛克风格，瓦雷雅奥还借鉴了广泛的文化和历史参考资料，包括中国宋代陶瓷和绘画、日本纹身和早期葡萄牙地图。在她最近的作品中，瓦雷雅奥重新审视了她创作的主旋律：葡萄牙瓷砖通过文化融合加入了中国、荷兰佛兰芒和摩尔的陶瓷工艺。
瓦雷雅奥出生于里约热内卢。1983年至1985年，她就读于拉赫公园视觉艺术学校。1986年，她开始尝试油画创作，用厚涂法重新描绘了巴西米纳斯吉拉斯州欧鲁普雷图十八世纪教堂华丽的巴洛克式壁画和宗教遗迹。1992年，瓦雷雅奥在中国旅行了三个月，学习了宋代陶瓷和中国古典山水画。从那次旅行中，她开始思考欧洲中心主义的叙事如何扭曲甚至抹去各种艺术方法和主题的历史，随后她开始创作一系列绘画，在这些绘画中，人们熟悉的图像——地图、宗教意象、殖民时期的风俗场景——被模拟的血腥伤口和肉体挤压或更微妙的叙事颠覆所打断。
2008年，瓦雷雅奥的永久定制展馆在巴西布鲁马迪尼奥Inhotim Centro de Arte Contemporânea开幕；2012年，其个展Histórias às Margens在圣保罗现代艺术博物馆开幕；该展览曾在里约热内卢现代艺术博物馆和布宜诺斯艾利斯拉丁美洲艺术博物馆展出。2019年，瓦雷雅奥举办了两次调查展“阿德里亚娜·瓦莱乔：食人者之肉”，在巴伊亚现代艺术博物馆开幕，巡展到累西腓的玛玛姆；和“阿德里亚娜·瓦莱乔：后方尸体”，在墨西哥城塔马约博物馆展出。
Chemould Prescott Road | D8
尼莉玛·谢赫 （Nilima Sheikh）
“艺术家的角色是见证，无论过去或当下。”
——尼莉玛·谢赫（Nilima Sheikh）
尼莉玛·谢赫探索了文字与图像之间的关系，展现周遭环境和政治的现状。她从当代和历史诗歌、新闻、文学、传说和纪实中汲取灵感，延伸图像的含义。她使用的材料有着其自身的层次和历史。20世纪80年代初，谢赫开始研究传统的印度蛋彩画技法，尤其是那些应用于微型手稿和寺庙卷轴的技法。她还研究了意大利文艺复兴时期的绘画，以及波斯、中亚和日本的绘画。谢赫使用天然颜料在分层的手工纸上作画，通过使用特定的刷子、颜料和粘合剂，重现传统技术。她还在绘画中使用了马图拉桑吉艺术家为她制作的模板。除了长期关注女权主义之外，克什米尔地区复杂的政治局势也是谢赫过去20年的作品核心。她精致的风景画将口头和视觉叙事与严酷的当代事件交织在一起，包括种族和性虐待。谢赫的作品通过激发风景的诗意之美来传达我们时代紧迫的政治形势，赋予了“田园”一词新的含义。
谢赫于1945年出生于德里，在巴罗达接受培训，并加入了一个探索叙事绘画的艺术圈。几十年来，她的创作根植于东方绘画传统，例如微型绘画和民间民歌中的口头传统。通过自己的生活经历，谢赫继续创作一系列作品，唤起神秘的想象景观，表达女性的经历。
在她漫长而辉煌的职业生涯中，谢赫的作品曾在第十四届文献展、新德里Espace画廊、瓦伦西亚瓦伦西亚现代艺术学院、柏林Alexander Ochs画廊、南非第一届约翰内斯堡双年展等许多地方展出。她为在德里展出的戏剧作品Umrao和Vivadi绘制了布景。此外，她还为儿童读物绘制了插图，例如萨夫达尔·哈希米的Saare Mausam Achche。自1971年以来，她在书籍、期刊和艺术家目录中发表了多篇关于艺术的论文。
白立方 | C11
多丽丝·萨尔塞多（Doris Salcedo）
“正如哈姆雷特所说，‘时间脱节了。’暴力的时间是错位的时间……正是在这种时间脱节中，艺术作品可以开辟一个空间，将过去受害者被压抑和遗忘的存在带到我们的现在。”
—— 多丽丝·萨尔塞多（Doris Salcedo）
多丽丝·萨尔塞多的作品涉及亲历半个多世纪的哥伦比亚内战。通过雕塑、大型装置和公共干预，这位艺术家探讨了战争残酷性对人类复杂情感和心理的影响，以及流离失所、失踪和强奸等社会暴力造成的创伤性影响。萨尔塞多通过事物的残留来反应政治的缺失，并借鉴豪尔赫·路易斯·博尔赫斯和保罗·策兰等文学作品。自20世纪80年代末以来，这位艺术家将家具和衣服等日常家居用品融入到她的作品中，有时用水泥填充，仿佛是为了强调功能的永久丧失。重塑过程在萨尔塞多的近期作品中占有重要地位，通过审视失落、哀悼和治愈的过程，以及通过具象化那些被淹没的声音，对所有冲突受害者所遭受的不公正做出了实质性的回应。
萨尔塞多1958年出生于哥伦比亚波哥大。萨尔塞多于1980年在波哥大豪尔赫·塔德奥·洛萨诺大学获得美术学士学位，并于1984年在纽约大学获得硕士学位。萨尔塞多低调的雕塑和装置体现了边缘群体沉默的生活，从暴力的个别受害者到第三世界的弱势群体。尽管她的作品带有挽歌的色彩，但她的作品并不是纪念物：萨尔塞多将缺失、压迫以及弱势群体与强势群体之间的差距具体化。
她获得的奖项包括伦敦泰特现代美术馆（2007）的委托创作、彭妮·麦考尔基金会（2005）的奥德威奖和所罗门·R·古根海姆基金会奖（1995）。她的作品曾在伦敦泰特现代美术馆（2007）、都灵里沃利城堡（2005）和鹿特丹博伊曼斯·范伯宁恩博物馆（2002）等大型展览中展出。她参加过都灵T1当代艺术三年展（2005）、卡塞尔文献展（2002）和利物浦当代艺术双年展（1999）。她的作品被许多博物馆收藏，包括纽约现代艺术博物馆、芝加哥艺术学院、洛杉矶郡艺术博物馆和波士顿美术博物馆。多丽丝·萨尔塞多在哥伦比亚波哥大生活和工作。
Karma | F11
塔迪厄斯·莫斯利 （Thaddeus Mosley）
“我正在探索我能做什么和不能做什么。自我探索以及找出我愿意在某个方向上走多远或我愿意为某个想法奋斗多久的想法对我来说非常重要。”
—— 塔迪厄斯·莫斯利（Thaddeus Mosley）
塔迪厄斯·莫斯利即兴形式和节奏的雕塑创作始于20世纪50年代，他使用建筑工地和匹兹堡当地锯木厂的剩余材料创作。20世纪40年代，他在当地的卡内基艺术博物馆发现了多贡、约鲁巴和其他传统非洲雕塑，后来又发现了康斯坦丁·布朗库西和野口勇的作品，这些都成为推动他进行概念和材料之旅的决定性力量，促使他将外部世界与内在精神相融合。莫斯利只用木槌和凿子雕刻雕塑，木槌和凿子的凿入深度决定了木材表面的波纹和纹理。艺术家早期的作品包括雕刻的石头，而如今莫斯利主要用樱桃木、梧桐木和胡桃木雕刻。单个雕塑很少超过两米，这个尺寸可以装进他的卡车。后来，在工作室里发现了它们不同的特点和节奏后，艺术家将这些元素堆叠和组合，形成相互交错的复合雕塑。莫斯利的动态作品既扎实又略显失衡，强调了稳定外表的不稳定性。
莫斯利于1926年生于宾夕法尼亚州纽卡斯尔。艺术家用匹兹堡城市树冠层的砍伐树木制作大型雕塑。莫斯利只使用凿子和量规来保持原始原木的完整性，将回收的木材重新加工成生物形态。通过直接雕刻的过程，艺术家的标记与材料表面的自然渐变相呼应并重新表达。
莫斯利的作品曾在达拉斯纳什尔雕塑中心（2023）、洛杉矶艺术 + 实践（2022）和巴尔的摩艺术博物馆（2021）的机构个展中展出，也在挪威卑尔根艺术馆（2022）、波士顿哈佛商学院（2020）、密尔沃基雕塑（2020）、匹兹堡卡内基艺术博物馆（2018）和匹兹堡床垫工厂（2009）等举办过联展。他的雕塑被收藏于芝加哥艺术学院、巴尔的摩艺术博物馆、纽约布鲁克林博物馆、匹兹堡卡内基艺术博物馆、缅因州沃特维尔科尔比学院艺术博物馆、纽约所罗门·R·古根海姆博物馆、亚特兰大高等艺术博物馆和纽约惠特尼美国艺术博物馆。
立木画廊 | B9
金允信（Kim Yun Shin）
“这是关于材料和我合二为一的那一刻。树木重生为雕塑，同时我也被视为另一个生命”
——金允信（Kim Yun Shin）
作为一名雕塑家和画家，金允信在六十年的从业生涯中，通过她与自然世界的关系，探索人类存在的本质，追求她所宣称的概念精神“统一中的和谐，多元中的分裂”。金允信12岁时逃离朝鲜，定居首尔。1974年，她创立了韩国女雕塑家协会。金允信的代表作《加二加一，分二分一》（1978年至今）主要以石雕和木雕为主，体现了艺术家对阴阳哲学中对立力量平衡的几何诠释。1984年，金允信出国旅行后移居阿根廷，那里多样的自然地形与战后韩国的满目疮痍形成了鲜明对比。在南美期间，她开始用电锯直接切割当地的树木，如角豆树和坚木，光滑的内核和树皮之间的纹理形成对比。金允信色彩鲜艳的画作重现了她雕塑作品中的纹理，并遵循同样的增减原理，通过递减颜料来露出底层的色彩。
金允信于1935年出生于朝鲜元山，现生活和工作于阿根廷布宜诺斯艾利斯和韩国京畿道，是一位多学科艺术家，以其动态雕塑和绘画而闻名，这些作品通常通过与自然的一系列互动而展开。金允信在 20 世纪韩国动荡的历史背景下长大，她已成为战后韩国艺术界的先锋人物，她克服了社会规范，作为第一代女性雕塑家为自己开辟了空间。尽管在男性主导的领域面临挑战，她仍冒险前往巴黎追求自己的艺术抱负，在多所大学任教，并于1974年共同创立了韩国女雕塑家协会。
金允信1959年在韩国首尔的弘益大学获得美术学士学位，1964年在法国巴黎国立高等美术学院学习雕塑和石版画。2008 年，金允新在阿根廷布宜诺斯艾利斯创办了金允新博物馆。金允新近期作品部分个展曾在以下机构举办：韩国大田李诺博物馆（2024）；纽约州纽约市立木画廊（2024）；韩国杨口朴秀根博物馆（2024）；韩国首尔Kukje画廊（2024）；韩国首尔南首尔市立美术馆（2023）等。
Sadie Coles HQ、Galerie Gisela Capitain 和 Standard | G7
伊莎贝拉·杜克罗（Isabella Ducrot）
“用意大利诗人帕特里齐亚·卡瓦利的话来说：‘编织就是人性’”
——伊莎贝拉·杜克罗（Isabella Ducrot）
纺织品和纸张是伊莎贝拉·杜克罗创作的基石。前者直接穿在皮肤上，象征着亲密和触感；后者可以容纳和保护，也可以传达想法，无论是书面的还是图形的。无论是在编织还是在书写中，图案和重复都可以产生独特的表达方式。四十多年来，杜克罗游历了阿富汗、伊朗、印度、俄罗斯、突尼斯、土耳其和中国等多个国家，收集了一批独特的纺织品和纸张，可追溯到9世纪至20世纪。她还收藏了大量巴洛克风格的绘画作品。虽然这位艺术家自己开始绘画和写作的时间相对较晚，但这些藏品中的图案和元素如今已融入她的作品中，有时被粘贴、直接缝合或绘制在图像底面上。表面涂满黑色和彩色墨水，勾勒出自然风景、情色交织的人物、茶壶、花瓶中的花朵和格子布。从私密的绘画到大型壁挂，杜克罗的作品反映了他对祈祷或呼吸节奏等主题重复的材料和哲学兴趣。
伊莎贝拉·杜克罗特于1931年生于意大利那不勒斯，是一位艺术家和作家，职业生涯长达四十年。杜克罗特的作品深深植根于她对织物的非凡而持久的兴趣，这是她的绘画作品和作品的核心。杜克罗特在一生中广泛旅行的过程中收集了一系列精美的织物，这些织物跨越几个世纪，来自亚洲和东欧各地。
杜克罗特的作品是最近在第戎联合博物馆举办的个展“丰沛”的主题，而她的装置作品“大光环”则在巴黎罗丹博物馆举办的Dior Haute Couture SS 2024时装秀上展出。杜克罗特曾在纽约Petzel画廊、科隆Gisela Capitain、伦敦Sadie Coles和奥斯陆Standard（Oslo）举办过个展。
里森画廊｜F12
施拉泽·赫什阿里（Shirazeh Houshiary）
“我们需要超越二元论思维，将宇宙过程视为同时存在着创造和毁灭的永恒舞蹈。这种舞蹈是我作品的核心”
——施拉泽·赫什阿里（Shirazeh Houshiary）
纯粹的物质和概念的二元性定义了施拉泽·赫什阿里的质疑性实践。她是一位勤奋的学生，研究多种知识结构和信仰体系，对科学、神话和宗教这些看似对立的领域之间的重叠很感兴趣。1974年，赫什阿里从伊朗来到伦敦，就读于切尔西艺术学院，她用烧制的泥土制作了一些早期雕塑。这些作品借鉴了古代先例，如基克拉迪艺术，具有近乎仪式化的存在感和短暂性。自2000年代以来，她的绘画和雕塑更加明确地表达了我们如何看待周围的世界，这一点从它们引人深思的标题中可以看出。赫什阿里最近的画作是让原始颜料自然沉淀在湿润的表面。干燥后，一个精心绘制的格子被叠加，形成网状结构，其密度似乎交替分散和收缩。赫什阿里的创作过程体现了宇宙在混乱与秩序之间不断振荡的二元性，同时在物质上体现了这种平衡的张力。
施拉泽·赫什阿里于1955年生于伊朗，于1970年代早期移居伦敦并在1979年毕业于切尔西艺术与设计学院。与她同期受到关注的艺术家包括阿尼什·卡普尔及理查德·迪肯。赫什阿里擅长通过雕塑探索精神信仰和抽象形态。在1999年，纽约立木画廊为她举办了首场个展，展出了一系列她受苏菲主义和十三世纪神秘主义诗人鲁米启发的绘画。赫什阿里用墨一笔一笔反覆地把伊斯兰书法刻在布面上。她将工序繁杂的绘画过程升华至一种冥想性的视觉经历，浓缩了当下静止的一刻和过去的体验。她在1994年获特纳奖提名，目前于英国伦敦定居及从事艺术创作。
赫什阿里于1979年在英国伦敦艺术大学车路士艺术与设计学院毕业，在多个博物馆及美术馆举行个人展览，包括瑞士日内瓦Espace Muraille（2016年）、新加坡泰勒纸印艺术学院（2016年） 、英国利物浦泰特利物浦美术馆（2003年）、美国新墨西哥圣达菲美术馆（2002年）、英国伦敦大英博物馆伊斯兰美术馆（1997年）及英国伦敦卡姆登艺术中心（1993年）。
保拉·库伯画廊 | E8
贝阿特丽斯·卡拉乔洛（Beatrice Caracciolo）
“每个人都会跌倒，即使我们没有看到它发生，但我也看到了这场运动中的能量：盲目是一种前进的力量，闭上眼睛继续前进。”
—— 贝阿特丽斯·卡拉乔洛（Beatrice Caracciolo）
通过探索视觉和表现运动的创造可能性，贝阿特丽斯·卡拉乔洛将现有图像提炼到近乎抽象，从洛可可、巴洛克或文艺复兴时期的风景和寓言中提取出绘画元素或建筑成分，以呈现一种感性的极简主义。卡拉乔洛使用有限的色彩来增加她画布上主要黑色线条的色调或体积，从而产生她作品的标志性活力和动感。这些画作最初是在纸上创作的，有时会被摩擦、刮擦和浸入水中以获得丰富的表面纹理，然后再装裱在画布上。风化锌板和木片雕塑同样具有暗示性和触感。卡拉乔洛的作品受到多种影响，与贫穷艺术和约瑟夫·博伊斯的物质激进主义以及中国山水画有着密切的联系。卡拉乔洛对熟悉的构图和人物的处理，将他们的寓言、对无辜儿童的屠杀和对当代政治现实的隐喻性联系起来。
贝阿特丽斯·卡拉乔洛于1955年出生于巴西圣保罗，在意大利长大，她不断探索抽象的极限，既提炼又颠覆摄影图像，而摄影图像是她常用的素材。她敏锐的观察力使她的绘画呈现出疯狂纠缠的身体。在它们的表面之下，过去标记的忏悔暗示着更深的深度。
卡拉乔洛的作品曾在纽约格雷西大厦、佐治亚州萨凡纳的萨凡纳艺术设计学院和法国哈鲁埃城堡等地举办个人展。她的作品被纽约大都会艺术博物馆、巴黎蓬皮杜艺术中心、纽黑文耶鲁大学美术馆和罗马法国罗马美第奇别墅学院等公共机构收藏。
佩斯画廊 | C10
娜塔莉·杜·帕斯奎尔（Nathalie Du Pasquier）
“放大一个物体或碎片会赋予它前所未有的个性，这样，它就可以成为一件具有全新抒情和可塑性的物品。”
—— 费尔南·莱热（Nathalie Du Pasquier）
娜塔莉·杜·帕斯奎尔是20世纪80年代意大利设计与建筑团体孟菲斯小组的创始成员，1987年该小组解散后，她放弃了设计工作，主要致力于绘画。静物画从此成为她创作的基石。艺术与设计之间的区别往往是人为的，而杜·帕斯奎尔对事物的排列方式令人着迷。从弗拉·安吉利科画作中舞台般的建筑框架，到乔治·莫兰迪精心组合的家用器皿，再到19世纪末韩国书籍和物品静物画......正是在给定空间内对物体、人物和文字的组织吸引了杜·帕斯奎尔的注意力。有时，这种关注延伸到她为展示作品而创造的整体环境。在她最近的画作中，色彩和位置比体积和纹理更重要。然而，即使提炼出最直接的表达方式——单色表面上的线条——杜·帕斯奎尔的作品仍然保持着空间暗示和与眼前世界的材料联系，例如楼梯、窗户、水龙头。
杜·帕斯奎尔于1957年出生于法国波尔多，20世纪70年代首次在西非发现图案和纹理，1979年起居住在米兰。作为孟菲斯设计集团的创始成员，她设计了纺织品、地毯、塑料层压板、家具和物品，1987年投身于绘画。从那时起，她的主要关注点和热情就集中在绘画上。在过去的三十五年里，杜帕斯奎尔一直对物体与放置它们的空间之间的关系很感兴趣。这种持续的研究体现在绘画、雕塑、设计、图案、建筑、地毯、书籍和陶瓷中——不断地在具象与非具象、有形与无形、现实与想象、二维与三维形式之间发挥作用。
她的作品曾在罗马MACRO展览；塞里格南的MRAC；巴黎东京宫；伦敦卡姆登艺术中心；爱丁堡水果市场画廊；ICA，费城；维也纳昆斯特霍尔，最近，勒柯布西耶在法国的萨沃耶别墅。
詹姆斯·科恩画廊 | E9
梅内特·拉尔森（Mernet Larsen）
自20世纪60年代以来，梅内特·拉尔森一直致力于使观者与绘画空间的关系变得陌生。本应是平面的东西却获得了惊人的空间维度；原本应该很近的东西却显得很远。拉尔森的“人和物”避开了传统的描绘规则，存在于一种平行的绘画主义中。通过仔细研究11世纪中国绘画传统、12世纪日本叙事绘卷、土耳其和印度细密画以及俄罗斯构成主义者的作品，拉尔森找到了西方线性透视的替代方法。她对构图空间的探索有时会使她的作品达到抽象的程度。拉尔森后期的创作重新发现形象化和普通物体和事件的潜在纪念性，她在尼古拉斯·普桑、皮耶罗·德拉·弗朗西斯卡以及最近的保罗·塞尚的作品中都看到了这一点。拉尔森的作品坚持形象化，却又不认同单一视角的概念，她的作品常常让观众感到不安，产生幽默的效果。多个消失点以及反向和等距透视提供了一种复合的空间感和叙事感，在拉尔森看来，这更符合当代的现实观念。
拉尔森于1940年出生于密歇根州霍顿。六十多年来，拉尔森创作了叙事画作，描绘了生活在充满紧张和讽刺幽默的神秘平行世界中的冷酷、神秘的人物。拉尔森采用了各种经常相互矛盾的空间系统：结合反向、等距和传统视角，她将日常场景投射到类似于我们自己的令人眩晕的现实中。从俄罗斯构成主义的非客观几何到文乐木偶剧和印度细密画，她的作品受到各种影响，从过去的艺术中汲取构图线索，作为独特的空间人物画的跳板，这些人物画反映了当代的焦虑。
拉尔森自1970年代末以来广泛举办过展览，并举办过30多次个展，包括阿克伦艺术博物馆的“梅内特·拉尔森：平凡，重新定位”（2019）、和坦帕艺术博物馆的“梅内特·拉尔森：开始衡量，1957-2017”（2017）。她的作品被众多机构收藏，包括纽约惠特尼美国艺术博物馆、加利福尼亚州洛杉矶郡艺术博物馆、宾夕法尼亚州匹兹堡卡内基艺术博物馆、马萨诸塞州波士顿美术博物馆、明尼苏达州明尼阿波利斯沃克艺术中心、佛罗里达州温特帕克罗林斯学院康奈尔美术博物馆阿尔方德当代艺术。
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