李成之后的宋初画家，我个人最喜欢的是范宽，李成到范宽之间的那些画家我就跳过去了。
范宽，950~1032，本名范中正，字仲立，因性情宽厚豁达，人称范宽，后来就干脆自名为范宽了。
范宽一开始是师法李成的，后来又往上追溯，改学荆浩了，再后来却又觉得‘与其师于人者，不若师诸造化’，于是隐居于终南山和太华山，终日对景求趣造意，终于卓然自成一家。
注意范宽的师从造化，并没有说他是对景写生，而是说他终日危坐四顾，对景求趣造意，然后发之毫端。
整天坐在山林之间东张西望，对着景色揣摩其中的趣味，在脑子里形成创作意向，然后用笔墨表现出来，这就是范宽师法造化的方法。
不是对着风景写生去熟悉山水的形象特征，而是去吸取其趣味养分，重表意而不重再现，这就是中国画一开始就和西方绘画走上了不同道路的表现。
西方画家大多数都是以绘画为谋生手段的职业画家，中国也有供职于皇家画院的职业画家，但留名于世的却以文人画家为主，我觉得这是中国画和西方绘画道路不同的原因之一，职业画家是画给别人看的，文人画画也要给别人看，但首先是画给自己看的，和作诗一样，重在抒发表达。
《溪山行旅图》，绢本水墨，206.6x103.3厘米，现藏于台北故宫博物院。
我说我喜欢范宽，其实就是因为这幅画，这幅画有一种震撼的力量，它把雄伟的大山画出了压迫感。
在川西的山区里旅行时，那些崇山峻岭常常给我一种压迫心灵的震撼，但我从来没有能够用相机还原出那种压迫感，拍下来后再看照片，就觉得很平淡了，有一种不过如此的感觉。
但范宽在这幅画里做到了，我猜是因为体量的安排所致。
近一些的行人、稍远一点的树林和寺庙，在画面中都那么小，而明显要远很多的那座山峰，却占了画面一多半的面积，按近大远小的透视原理，这似乎有点不合理，却恰好衬托出大山的雄伟和拔地而起的突兀。
欣赏这幅画的感受，和画面的大小有关系，在手机上看感觉会平淡，在大屏幕电脑上凑近点看，就会大不一样，而如果能够站在两米多高的原作跟前看，那一定会有一种身临其境的压迫感，就像我在川西的道路上，在只有一两百米的距离上看到好几百米高的山峰那样，脖子都会酸痛。
这幅画的保存品相也挺不错，至少比荆浩的《匡庐图》品相好不少，今天的人来欣赏古人的作品，保存品相明显是一个重要的因素。
范宽是用浓墨细线来勾画山石轮廓和主要的纹理脉络，然后用淡墨以短促有力的点画笔触来表现山石质感的，这种方法被称为雨点皴，也有人称为豆瓣皴。
米芾评价说范宽这样画山石，把山石画得太黑了点，这个就是见仁见智的了，我觉得是有点黑，但好像有助于表现压迫感。
近景的豆人寸马，小山树林和庙宇，都画得挺精致的，仔细看似乎都可以自成一幅画了。
《雪山萧寺图》，绢本淡彩，182.4x108.2厘米，现藏于台北故宫博物院。
为了表现白雪，雨点皴用得比较淡也比较稀疏，能够看得更清楚。
这幅画也挺棒的，但觉得和《溪山行旅图》不是同一水平的。
《雪景寒林图》，绢本水墨，193.3x160.3厘米，现藏于天津市艺术博物馆。
还是那个感觉，如果没有《溪山行旅图》，或许我不会那么喜欢范宽，看来画出《溪山行旅图》是范宽的一次人品爆发，因此则给我们留下了一幅艺术珍品。
许道宁，生卒年不详，活动于北宋中期的画家。
自小酷爱绘画，常常喜欢画一些丑人丑态，挂到酒店里博人一笑，为此经常被画中人打得脸肿衣裳破，仍然乐此不疲。
青年时赴汴京想要学画，因生活无着只能卖中药为生，同时借助画画来招揽生意，慢慢却在绘画上出了名。
初期师法李成，学得惟妙惟肖，却缺少创意和变化，后来游历名山大川师法造化，画风大变，画山石采用长线直皴，常常让皴线从山顶一直拉到山脚下，使得画出的山石有瘦硬刚健的效果。
和范宽有点类似，他的画作我真正特别喜欢的其实就只有一幅。
《秋江渔艇图》，绢本水墨淡彩，48.9x209.6厘米，现藏于美国克萨斯纳尔逊艺术博物馆。
这是许道宁长线直皴的技法效果发挥得最淋漓尽致的一幅作品，充分表现了‘峰峦峭拔，林木劲硬’的画风。
从学别人学到惟妙惟肖足以乱真，到自创出一种独一无二非常有辨识度的表现技法，这个转折还真够大的。
这幅长卷的每一段，感觉都可以看作一幅完整的画：
另外不知你有没有感觉，这幅画有点西方绘画的味道，有一股素描味，我曾经用铅笔素描临摹过这幅画的局部，差不多就是中间那一段，发现铅笔素描可以非常好地还原出这幅画的味道来。
这幅画应该比西方存世最早的素描还要早三四百年，没有抄袭嫌疑哈。
