为巴别塔建造九层
乐活
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2025-01-05 00:34
北京
坪山美术馆的九层塔系列展览是一个艺术、建筑、设计的三方跨界展。策展人崔灿灿和出品人刘晓都，在2020年10月24日到2021年11月30，先后策划了9场展览。首先在数字上，似乎在有意识地对应这座假想之塔的九个楼层。
更有意思的是，这9个展览的展期，无论从哪一天开始，结束日期都定在了同一天：2021年11月30日。因此，这不是一个前后分别发生、分别结束的9个展览，而更像是一个大展览的9个子展览。通过这种日期的特殊设定，策展人似乎又在以一种语义的形式：通过前者展览时间覆盖后者，来暗示后者建在前者基础之上，“九层塔：空间与视觉的魔术” 是一次跨界行动，是中国从未有过的展览方向和形式。它将邀请9位／组艺术家提供作品，作为展览的基础素材，同时邀请9位建筑师，9位设计师，组成九个临时团队。艺术家、建筑师、设计师三方联名合作，没有 “主次” 和 “中心”，只是分工与协作，最终形成9个全新类型的展览。”作为一个主谈设计的地方，此处笔者无意对这个展览的艺术和建筑部分进行展开，只聊聊自己相对熟悉的设计领域，也就是海报设计部分。当然在每个展的相关文字最后，也会摘录策展人对每个展览内容的基本描述，让我们了解这个展主要讲了什么。括号里的小字，是策展人给出的具体说明，也是一种必要的引用。“团结就是力量” 政纯办个展
作为第一层，刘治治老师，在设计层面给展览打了一个很好的基础。作为一个未知的系列展，第一个展览海报是最重要的，因为它会给之后的设计从包括但不限于的以下几个方面定下基调：设计需要保守还是冒险？吸引的观众是谁？策展人和主办方能够接受的程度是什么样的？
这些层面，既是基调，也可以说是给展览视觉设计划定的一个基本创作范围，后面的设计师都会在这个大的框架下进行设计，减少沟通和试错成本。刘治治老师，通过实验的方式，给我们丢出了一个新的表达方式：2.中文和西文的笔画可以交替浮现，以一种有趣的方式被阅读。
这种全新的排版规则，既呼应了展览主题“空间与视觉的魔术”，又为平面设计领域（尤其是中西文并列方面）创造了新的语言，形成了设计专业新的资产。
（政纯办是针对集体主义的思考，在建筑和平面设计中，这种思考也极为普遍。建筑师王子耕为展览创作的全新空间，与政纯办合成的《政先生》异曲同工。“筒子楼” 式的展厅结构，水房、食堂、放映厅、理发店、澡堂，五种集体主义的空间形式在走廊上混合。抽象的空间、器物与生活记忆在这里交汇，现实与遥远的历史，梦境般的结合。人们必须穿过“似曾相识”，却又“素未平生”的蓝色空间才能抵达，抵达展览的全新语境。选择 “政纯办” 是因为他们的概念和属性，它们是中国时间最长的艺术小组之一，不断磨合着个人和集体的关系，体现叠加和共生的价值。选择政纯办，是选择一种组织和创作模式，一种 “团结就是力量” 的形式与观念。）延续着第一层的优良传统，梅数植老师很好地给我们又打了一个样。
通过字号的看似无意义地强调（介乎有意义和无意义之间），给了我们一个信息的初筛：让我们可以第一眼瞥到的内容，即使不是展览全部的、最重要的信息，也是最重要信息的一部分。
从而获得一种介于可读和不可读，清晰和不清晰，有意义和无意义之间的模糊阅读感受。这种模糊的趣味感，似乎一直是梅老师在各种设计场景中，一脉相承的一种追求。（2019年，李青在上海荣宅的展览中，作品 “窗户” 和旧时宅邸有着别样的对话。重现的故事，似乎回到了往昔的昭华中，而《杭州房子》的陈设，却将殖民地的靡靡之音，片刻的温情记忆推回现实，一切荒诞、冲突。事实总是既不是这样，又不是那般的纯粹与戏仿，真实与复制。三年前，在香港，李青的 “灯光字” 与窗外的中环、六国饭店、东方大班，对面的九龙，有另一种奇妙的关系。电影里衡量香港房子的好坏，总看有没有窗，再往上是能不能看到远处，看到海。“窗” 在不同时空中陈列，有截然不同的状态和命运，它有时承载故事，重现希望，有时只是为了区隔距离。选择李青，是因为这些作品和建筑、设计的关系，窗本是建筑的基本构件，是城市中的风景。它们因为 “艺术” 被观看，被体验和观察。又像这个展览的模式，“空间” 重现和陈列作品，“设计” 概括和重建文本。故事总被另一个故事描述，描述总被另一种描述 “目击”。“陈列与重现” 表明了艺术、建筑、设计的共同工作，也是整个展览追求的核心，如何陈列文本与视觉？如何重现思想和感知？）自由的有机字形，自由的排列，信息的互相环绕，似乎像烟雾又像是深浅不一的基底空间，烘托出了设计师理解的诗人的不羁形象。（这个展览是 “故事新编”，它从2018年毛焰和韩东在四方当代美术馆第一个展览开始，那时的空间是建筑师史蒂芬 · 霍尔的杰作。如今，建筑师王辉为这段诗歌和绘画之旅搭建了一座全新的空间，他引领我们走向别样的观看方式。“迷宫” 式的展厅结构，提供了静谧而又纯洁的阅读感受，漫步其中仿佛时光静止不前。曲折的空间换来了悠长的时间。相似的三角彼此叠加，几个门洞似乎提供了新的路径，却又什么都未发生。见到谜底后，才知 “绘画” 和 “诗歌” 在迷宫中移步换景，成为一种绵长的格调。这种感受像极了毛焰和韩东的作品，信息层层叠加，语句精炼而又彼此推进，不断的将我们与现实、自我、想象的距离拉远、后退、趋前。以至于当观众凝视某个局部时，犹如黑洞般的微妙秩序，将我们引向一个虚幻的，难以想象的语言世界。毛焰和韩东的故事是九层塔所希望的初衷，选择他们，即是选择一段跨学科交集的美好象征，像是我们所熟知的80年代文化界各个领域间密集的往来，又像在展览开篇处的那张《我的诗人》，作为一份礼物，一段回溯，或是更漫长的历史中，在那些黄金年代，艺术家、作家、诗人之间，不胜枚举的经典故事。）“天堂电影院” 厉槟源个展
何老师运用实体材料进行字体的设计，再通过摄影的方式转译为视觉图像，以此完成了现实-虚拟、三维-二维的二元转换。（“天堂电影院” 亦是厉槟源自传性的展览，它讲述了厉槟源的种种经历，从漂泊不定的工作，歇脚的海鸟，教堂传来的钟声，到用身体耕种的一块乡土，父亲留下的最后一封信。这些往返回复的故乡，长眠的秘密，生命中深埋的欢喜，和人生的起伏形成了一个映衬，洋溢着记忆中的爱。亦如电影院中的光明与幽暗，9部影像作品对空间有着别样的要求。建筑师吴林寿在展厅中为我们提供了两种悲喜交加的感受，神圣和幽暗的结合互为表里，像是希望和失望的关系。一面是俗世中的生活场景，不同城市的胡同、里弄、城中村的角落，热闹又琐碎的人间烟火；另一面是人们向往的天堂，露天电影院提供给我们的理想世界。两个空间之间，像是儿时的影院记忆，推开重重的两扇门，外面的阳光干燥而刺眼，一霎那，过亮的光仿佛一座天堂。）“相似的结果，不同的路径” 陈文骥 × 丁乙 × 梁铨 × 谭平
（陈文骥用工业化的色彩和模块，以不同的组合和拼接方式，给出相异的节奏和停顿，形成一组排列有序的抽象作品。丁乙的5张作品从1993年开始，他将 “十字” 以各种媒介、材质、笔触、色彩、结构，进行 “重复” 创作，产生了无限的变量。梁铨有自己的法则，他制作不同颜色的纸片，在画面中进行拼接，纸片多样的分布形成了永不重复的点线面关系。谭平的 “位置系列”，则设计了一个规则：在画面上随机画上几个点，拉出放射线，然后在多次相交的放射线中确定几个交叉点，最终得出点在画面中的位置。我们会发现，四位艺术家的作品中，形式只是执行的手段，“路径” 自身会发展作品，会产生变量。变量近乎无限。“相似的结果，不同的路径” 为我们提供了重新认知抽象艺术的视角：它不再以形式创新为目的，而呈现了艺术家的观念思考、创作语法和系统性工作的重要性。）
像之前的偏好一样，广煜老师习惯的对于信息近乎冷漠的处理，似乎一直具有一种充满魔力的当代性。
1.信息的匀质，不设层级，是一种“信息的民主”，让观看者自行决定要看什么；
2.形式作为隐喻（例如图中巨大的黑色圆形）而不是作为窗口：透露的不是内容，而是关于内容的想象；3.结构的清晰，让文本具有了建筑的属性，但是建构的不是信息本身，而是一种信息的范式：一种属于当代的信息的图腾柱或者方尖碑。（艺术家刘韡并没提供 “完整” 的作品，而是提供了一些作品的材料和散落的部件。这些几何形体的圆、块面、曲线，带着打磨的痕迹，像是立体主义绘画的笔触，或是等待被摆放的抽象形体，最终以什么形式展出，由建筑师决定。建筑师马岩松将这些 “未命名” 的作品，放置在一个 “陌生” 的空间，类似于宇宙的黑洞。这让作品呈现出与过往展览中截然不同的气质和观感。时间停滞，并且沉浮，沉默无言的 “静物”，释放了巨大的张力。挤压的空间，看似狭小，却具引力，一道光像是预示着 “太空舱” 外的浩瀚，“力” 在这里获得了重量和样貌。马岩松用去形式化的方式，挑战着 “形式的狂想”。）“面具与浮影” 谢南星个展
展览内容似乎不是最重要的，因为已经隐去在了文本块之中。
中西文的并置，西文段落的形状去模拟中文段落的形状，这种对展览本身传达目的的“不追求”，似乎成了设计师在这件作品中的主要追求。这种方式是不寻常的，是“反设计的”，是“形式没有追随功能的”，但艺术似乎就是一种“不追随功能的形式”，难道不是吗？（谢南星的表达方式和传统的 “肖像画” 截然不同，他不通过记录人的外表与样貌，去映射人的内心、道德品质和精神状态，而是在作品中将 “肖像” 隐退、变身，引用对象的社会身份或个人经历，描绘他们的一张名片，一些归纳的文字，例如对象常说的关键词、讲述的故事，一段特有的轶事，或是将对象卡通化，与童话里的人物映照。于是，肖像成为一张张未被揭开的面具，也是等待被另一种解读赋予灵光的浮影。曾经的 “真实” 在这里成了 “表象”。然而，在一张张的面具背后，并无真身，也绝无本质，在一幕幕幻影之后，也不见谜底。艺术给出的观看、记载和理解世界的方式，也从未确定。“面具与浮影” 像一座透明的城堡，一幕海市蜃楼般的歌剧魅影，吸引我们重拾创作和解读的密钥，打开艺术、建筑、设计中视觉与意义、形式与内容、表象与本质之间的谜题。）你可以理解为设计师用灰色矩形对文字部分进行了部分的遮挡，形成了深浅的层次。
或者也可以和笔者一样，把这个作品理解为文本框的重新发明：让文字的支架长到了文本框之外。
（睡衣、镜子、苍耳、渔网是姜杰作品中的全部形象。高挂的衣服，镜面的反射，层层叠加的屏障，将形象推向空间，某个相似的情景。和日常酒店房间里的两件睡衣相比，三件，多一件，差异变得异常明显。在情景的世界中，只是一点改变，就会带来许多想象。彭薇的作品来自她创作的不同时期，身体上的⻛景和楼宇，鞋中的情感生活，高塔里层层重叠的故事。原本并不相关的事物，却因为 “女性” 串联在一起。《梦中人》似乎做了另一层解答，不属于一个时代的苏小小与俄国女诗人相遇，却发现有着莫名相似的情境。梦的感知编织了渴望的故事。在展览的入口处，尹秀珍用水泥凝固了那个再也不能重生的往昔，冰冷的材料和生命的温度成为某种可⻅的 “经历”，穿过的衣服承载着记忆、历史和时代的印痕。人们经过这些感知的物证，穿行其间，重返某时某地的情景，一切恍惚有物。“情景” 描述的是三位艺术家作品中相似的情形。磨碎的袖口，轻坠的苍耳，故事中的身体，这些不同的元素有着同样的功能：创造了一个存在的瞬间，一个进入感知世界的入口，将我们从日常生活引入一个由阅读、感知和想象所主导的世界，一个直觉和情感层层涌动的虚像，在这里信息漂浮不定，故事像在昨夜讲述，种种情愫，使我们前行，又令我们驻足。）黄色数字，既是信息的分隔，也标明了每位参与者所在的层数，是笔者喜欢的一个点。与实际建筑的奠基往往意味着被使用的开始不同，展览的奠基日就是完结的时候。
展览作为一个行动，作为一个空间，作为一个时间中的序列，当时间走到最后的时候，往往也就意味着结束或者湮灭，或者残忍地说是一种死亡。你虽然可以通过影像和文字再度回顾展览的文献资料，但作为空间的实际体验，已不可能二次踏入。但是，虚拟美术馆技术的出现，让展览的空间体验提升到了一个新的层次，这也是笔者在实际浏览坪山美术馆网站时的发现。通过网络上的虚拟看展，展览似乎得以复活（即使不是百分百的复活），你可以重新攀爬上这座九层塔的每一层。
（“论坛与回顾” 是对整场展览的总结和回顾，也是九层塔持续一年后的最后一个项目。展览分为三个部分，第一部分我们将呈现六位艺术家蔡磊、刘港顺、娜布其、隋建国、杨伯都、张晓刚的作品，从不同的媒介和语系，回应总展览的副标题 “空间与视觉的魔术”。同时，邀请建筑师刘晓都进行空间呈现，平面设计师黄扬进行海报和视觉系统的创作。第二部分是对整场展览的回溯，九层塔的九场展览将同时呈现。最后的论坛部分，也是九层塔的塔顶与尾声。我们将在一个既是展厅，又像是剧场、神庙的空间中举行六场论坛。不断的有人问为什么叫 “九层塔”，“九层塔” 的含义是什么？事实上，最初的 “九层塔” 是一个并无太多含义的词汇，它需要我们不断地通过实践赋予它内涵，一层一层地叠加给予它形状和样子。直至人们再提起它时，它代表和象征着我们曾经给出的意义。我们所实践的，不仅仅是此刻的想象，同时也是我们这个世纪对开放的渴望。）
九层塔是笔者一直想写的内容，吸引我的主要是它的九张出色的海报。
通过对视觉传达语言的实验，来发现新的语言，来革新我们的沟通方式。如同那个著名的神话，上帝让人们因语言不通无法建造巴别塔，而无法抵达天堂或者乌托邦。当代的设计师们，通过增加视觉语言的词汇，来拓宽我们的表达方式，来增加人们对于自身和他者的理解和沟通能力。刘治治、梅数植、朱砂、何见平、韩家英、广煜、马仕睿、小马哥、黄扬，在这个展览中所做的工作，似乎就是在：而属于人类自由创造的、艺术和互相联结的乌托邦，将通过这种一层一层的构建的方式，通过一代一代人的努力创造和表达，终将被抵达。
