该作品是石田彻也打入国际艺坛的代表之作，并于西方重量级美术馆个展中亮相，受到国际艺术界的青睐。
《运输带上的男人》来自于日本已故天才艺术家——石田彻也。1973年出生的他，从美术大学时期便展现非凡才华，但其艺术理想与父亲期望相悖，只能打工筹学费。毕业后，他从事商业设计工作，但始终渴望成为画家。
在泡沫经济影响下的日本，他辞去工作，一边打零工一边创作。31岁时，一场交通事故夺去了他的生命，而他的作品在他辞世后才慢慢被人发掘，尽存200多幅，使得这些作品的价值愈显珍稀与独特。
压克力 木板
创作时间：1996年
尺幅：145.7 x 103.2 cm
签名：石田彻也（背面）
来源：
Q画廊，东京
新加坡私人收藏
拍卖：香港，苏富比，「现当代艺术：香港」，2022年7月8日，拍品编号 6011
现藏家得自上述来源
展览：
「Drifter」，Guardian Garden，东京，1996年10月7-18日
纽约亚洲当代艺术博览会，Q画廊，纽约，2007年
石田彻也: Self-portrait of Other」，索菲娅王后国家艺术中心博物馆，马德里，2019年4月11-9 月 6 日
「石田彻也: My Anxious Self」，高古轩，纽约，2023年9月12日-10月21日
《石田彻也遗作集》，求龙堂，日本，2008年，第30页，彩图 《石田彻也全作品集》，求龙堂，日本，2010年，第52页，彩图 《石田彻也笔记》，求龙堂，日本，2013年，第56页，彩图 《石田彻也: Self-portrait of Other》，索菲娅王后国家艺术中心博物馆，马德里，2019，第38页，彩图 Lauren Moya Ford 着，《Dreams and Dystopia: Tetsuya Ishida》，Mousse 68，2019年7月，撷取自https://www.moussemagazine.it/magazine/dreams-dystopia-tetsuya-ishida 《My Anxious Self》， 高古轩，纽约，2023年，第42页，封底载彩图
石田彻也的作品常描绘穿戴整齐的上班族，将人比喻为机械、零件或消费品。以此揭示人们为生存所做的无奈选择，仿佛被困在社会这台大机器中的齿轮，时间被填满，自由受限，思想被剥夺。
创作于1996年的《运输带上的男人》，准确地诠释了日本在「失落的十年」经济困顿的状态下对「人」的影响。西装革履的男人们由上而下斜躺在手扶梯上，他们有着相同的表情和姿势，苍白没有血色的脸，闭着的双眼与双唇、与无力下放的手臂，让人感受不出来他们到底是人类或是机器。
手扶梯两旁，如同工厂生产线的作业员，好似在为斜躺在手扶梯上，看似工业产品的人体进行加工与修整。手扶梯在构图上具有自远而近的空间感，令观者仿佛置身其中，贴身目睹这一机械化的循环。
石田透过多种视角的运用，令观众同时感觉从上而下观看作业员工作，打破了固定的单点透视，从而扩展了视线范围，让观者质疑：我们究竟是同情被困在运输带上的无灵魂机器，还是冷漠旁观默许这一切的加害者？这种视角转换引发深刻思考，令人反思社会制度中的个体命运。
透过「及时化生产」（just-in-time）的流水线，日本征服了全球制造业。三菱工业、松下电机、丰田汽车这些撑起国家经济的工业、和高效且快速的新干线，引领日本脱离二战后的衰败，前往经济繁荣的新世界。然而，这个令他们引以为傲的工业文化，随着日本泡沫经济破裂后，就像一把双面刃，反过来吞噬掉人的精神性。
一个日益机械化的社会，人们像大型经济机器中的齿轮一样，困在单调、毫无意义的例行工作中。这种文化让劳工感到疏离、被低估且易于被替换。人物的重复排列更加强了单调、不断重复的无力感，他们相同的表情和姿势传达出一种集体的疲惫和身份迷失感，人们被困在这座名为「现代」的巨大生产线中，一个没有出口、不断重复循环的运输带，无处可逃。
「石田彻也的绘画，以超现实视角反映个人在当代社会的孤独与无奈，即使在他身后亦从未间断地引起观众共鸣。正因为现实世界的种种挑战和压迫从未减轻，更突显出他的风格超越地域和时代界限，成就当代艺术的不朽传奇。」
-- 关尚鹏（邦瀚斯香港现代及当代艺术部主管）
在当代艺术雕塑领域中，来自台湾的李真可谓是其中最独树一帜的华人艺术家。1980年代，佛教在台湾的兴盛引领李真走上传统佛像雕塑的研习道路，也为他后来的艺术创作注入了灵感与深度。
在创作中，李真不断在古代工匠修造佛像时的「无我」精神与现代艺术的「自我」中寻求平衡。在保留中国美学的简约内敛下，突破传统中国佛像的比例、姿态和材质，传达「举重若轻」的独特风格语言。
铜雕
创作时间：2010年
尺寸：41 x 84 x 32 cm
签名：Li Chen 2010（刻于背部）
版数：2/8（刻于背部）
艺术家钤印一枚
来源：
台北，亚洲艺术中心
法国，图瓦里，Annie Minet & Luc Merenda画廊
法国私人收藏
现藏家继承自上述来源
展览：
「拥抱丝路」，超级马拉松终点，西安，2011年（另一尺寸、版数）
「大气 - 李真台湾大型雕塑首展」，中正纪念堂，台北，2011年11月5日至12月4日（另一尺寸、版数）
「既重又轻 - 李真2013巴黎凡登广场大型雕塑个展」，凡登广场，巴黎，2013年9月2日至29日（另一尺寸、版数）
出版：
《夜光盈昃 - 天燧系列：李真》，亚洲艺术中心，台北，2010年，第16页、第20页及第70-77页，彩图（另一尺寸、版数）
《大气 - 李真台湾大型雕塑首展》，亚洲艺术中心，台北，2012年，第33页、第114-115页及第204-205页，彩图（另一尺寸、版数）
《李真 - 既重又轻︰2013巴黎凡登广场大型雕塑个展》，亚洲艺术中心，台北，2014年，第17页、第32页、第62-63页、第73页、第106-107页及第113页，彩图（另一尺寸、版数）
估价：HK$800,000 - 1,200,000
「天燧系列」的灵感源于李真一次点燃家中佛堂蜡烛的经歴。烛光带来温暖，也激发了他对生命意义的深思。整个「天燧系列」创作于2010年，仅有八款作品，主题更加凝练集中。 古代「燧」是通过聚焦阳光点燃火种的工具，火为人类带来了光明，也带来了生命力。在《追烛》中，雕像虽静止，却传达出强烈的动感。
铜雕
创作时间：2007年
尺寸：129 x 77 x 71 cm
签名：Li Chen 2007.（刻于背部）
版数：5/8（刻于背部）
艺术家钤印一枚
来源：
台北，亚洲艺术中心
法国，图瓦里，Annie Minet & Luc Merenda画廊
法国私人收藏
现藏家继承自上述来源
展览：
「神魄」，北京798亚洲艺术中心，北京，2008年10月19日至12月21日（另一尺寸、版数）
「李真：精神、身体、灵魂」，新加坡美术馆，新加坡，2009年9月17日至12月9日（另一尺寸、版数）
第68届戛纳影展，戛纳大华酒店，戛纳，2015年5月13至24日（另一尺寸、版数）
出版：
《李真—虚空中的能量 第 52 届威尼斯双年展》，亚洲艺术中心，台北，2007，第205页，彩图（另一尺寸、版数）
《李真—寻找精神的空间：中国美术馆个展》，亚洲艺术中心，台北，2008，第183页，黑白图版（另一尺寸、版数）
《神魄》，亚洲艺术中心，台北，2009，第190页，黑白图版（另一尺寸、版数）
《李真：精神、身体、灵魂》，新加坡美术馆，新加坡，2010，第86-87页及第184页，彩图（另一尺寸、版数）
估价：HK$600,000 - 800,000
《雪峰仙踪》来自于李真最具代表性的系列「大气神游」，创作于2007年。小和尚双眼微闭，流露出宁静超然的神情，姿态圆润丰盈。他左握拂尘，象征拂去尘世烦恼，右掌张开，接纳万物。双足交叉稳立于山峰之上，置身于无垠的「虚空」中，顺应了佛教中追求心灵平和与超脱的境界。
李真巧妙运用墨黑而非纯黑色，使作品独具温润立体的光影效果，黑的沉稳与银色雪峰的明亮相互衬托，达到既重又轻的奇妙氛围。在佛教中，「虚空」意指无形无相，包罗万象，虽无固定形态，却蕴含万物。《雪峰仙踪》去除了传统佛像繁复的细节，保留纯粹的形态。这种简化与留白，在空无中孕育着一切可能性，虚实并存，带来无限延伸的感受。
通过静止的形态传达出动态之感，李真巧妙地将道教哲学中的「无」与「有」具象化，平衡了对尊重传统文化的「无我」与个性化艺术传达的「自我」。这使观者体验到一种超越时空，对东方传统哲学的新思考，赋予东方艺术新的生命力。
水彩 水墨 纸本 裱于画布
创作时间：1964年
尺幅：75.6 x 56.5 cm
签名：ZAO 64（右下），À Pierre Neurisse - très amicalement（左下）
来源：
Pierre Neurisse 旧藏
巴黎私人收藏
拍卖：巴黎，Massol，2006年10月16日，拍品编号131
葡萄牙私人收藏
拍卖：香港，邦瀚斯，「寻古探新」，2012年5月27日，拍品编号15
亚洲私人收藏
拍卖：香港，佳士得，「亚洲二十世纪及当代艺术 （晚间拍卖）」，2017年11月25日，拍品编号31
现藏家得自上述来源
估价：HK$1,300,000 - 2,000,000
赵无极作为20世纪最重要的华人艺术家之一，独特地将传统中国书画技法与西方抽象表现主义相结合，被誉为东西方艺术融合的代表人物。本作绘于1964年，可谓是「狂草时期」的重要里程碑。在这段时期，赵无极将中国水墨线条融入抽象创作，这被视为其作品的一大特色。他作为海外华人艺术家，却能熟练运用西方艺术颜料和工具，成为东方传统与西方现代主义融合的俵俵者。
他将传统中国水墨画中的墨分五色的表现，通过水彩和墨水的媒材表达于本作中。这五色包括「焦」、「浓」、「重」、「淡」、「清」，而每一种色调又可根据干湿程度和浓淡变化而微妙调整。借取中国人文水墨的丰富变化，清透的宝蓝色与墨色交错渲染，创造出一层层半透明层次，带出作品的深度与空间感，让观者可以进入画中，穿越前、中、远景，如梦似幻地交汇，形成充满想象性的诗意空间。
澎湃激荡、豪迈不羁的水墨线条在画作下半交织，犹如转折多变的草书结构，为画面增添动态，彷佛唤起自然风云突变的氛围。将自然体验转化为抽象元素的思维，不仅体现了对美国抽象表现主义艺术的追求，同时融合了东西方元素并超越了传统，为赵无极开创了独特的个人化绘画语言。
赵无极于「狂草时期」超越具像表达和叙事性，而逐渐提升至体现精神与哲学深度的层次。在构图上，他采用中国山水画的散点透视法，使画面构图没有固定视角，与西方绘画迥然不同，随着观者的移动和观看角度而不断变幻。观者难以分辨画面的轴心，充满想象空间，展现万象之势。赵无极以内心感悟，将书法线条融入抽象构图，结合山水画之精粹，将抽象艺术之美带入新的高度。
油彩 画布
创作时间：1976年
尺幅：75.7 x 56.5 cm
签名：Mathieu 76（右下）；MYTILENE（画框）
来源：
Pierre Neurisse 旧藏
巴黎私人收藏
拍卖：巴黎，Massol，2006年10月16日，拍品编号131
葡萄牙私人收藏
拍卖：香港，邦瀚斯，「寻古探新」，2012年5月27日，拍品编号15
亚洲私人收藏
拍卖：香港，佳士得，「亚洲二十世纪及当代艺术 （晚间拍卖）」，2017年11月25日，拍品编号31
现藏家得自上述来源
估价：HK$600,000 - 800,000
乔治·马修为法国知名艺术家，并于一九四零年代末期发展出影响深远的「抒情抽象」。1976年乔治·马修荣获法兰西艺术学院院士头衔，他的艺术影响不仅限于欧洲，对美国和日本抽象艺术的发展，均扮演了重要的角色，更被誉为「西方书法家」。
1976年乔治·马修创作了《米蒂利尼》这件作品，其灵感来源可追溯至1967年艺术家为法国航空公司创作了一系列以国家为题的海报。艺术家运用其标志性的创作手法，直接将颜料挤到画布上，透过如书法般带有节奏和力道感的线条，展现他对希腊海港城市米蒂利尼的印象。
第一眼望去，黑、红、紫、白各色笔直的线条占据画面中间的视觉主体。然而，再仔细端看，在这些线条之下，一抹温暖的桃红色笔触从画面中心向上延伸，如同身处漆黑的深海中，反射透出的微微光亮，为画面增添神秘莫测的氛围。
《米蒂利尼》具有乔治·马修七零年代作品的典型风格—结构分明，充满韵律性的线条、加上富含层次细腻的背景，构成一幅底蕴深厚的抽象作品。
拍卖行：香港邦瀚斯
专场：现代与当代艺术
预展日期：2024/11/29 - 2024/12/2｜10am - 6pm
拍卖日期：2024/12/3，下午4时｜4pm
地址：香港皇后大道东50号太古广场六座10楼
