对话孔超，如何用五年在南京打造一个守住品质，链接世界，赋能城市的艺博会

延伸阅读：这场以影像为主体的艺博会，藏家们都怎么看

今年，艺博会的展商阵容进一步升级，两大主题展区：「NAFI·FOCUS｜画廊聚焦」「UNI-NAFI·Nanjinger｜在南京」，携手近40家国内外顶级画廊、艺术家个人项目、独立艺术品牌，带来近百件精彩作品首次亮相南京。

同时，展会特别策划「NAFI·PLATFORM｜公共平台」、「NAFI·VOICE｜公共论坛」、「NAFI·CONNECT｜全城艺动」等多个主题板块，多层次、全方位呈现一场城市级艺术盛会。

金鹰国际集团作为NAFI2024的「城市级战略合作伙伴」，双方将延续2023年的良好合作关系，继续在艺术、商业、文旅、生活美学、科技、教育、医疗、品牌跨界、城市更新、公益事业、媒介宣传等多个维度展开深度合作。

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ArtAlpha： 从2019年以来，您持续负责NAFI的策划，跟上一届NAFI2023相比，本届NAFI又有哪些主题的延伸？

孔超：在今年，NAFI2024在专注于影像艺术的同时，将更多的目光和关注点转移到了那些尚未在南京这座城市中展示的国内外画廊上。

其主题被定为“南京首发”，这一主题是为了将所有参展的画廊、展出的作品以及参与的艺术家们都能在南京这座城市中实现他们的首次亮相。

不仅为南京的艺术界注入了新鲜的血液，带来了新的市场活力，同时也为国内外的画廊提供了一个展示他们独特艺术风格和创新作品的平台，让南京人民去欣赏和理解来自不同背景和文化的艺术创作。

NAFI2024 现场

ArtAlpha：本届NAFI 的板块及阵容升级具体是如何实现的？NAFI每年会特别推出关于南京在地艺术发展的板块，今年的画廊板块和「UNI-NAFI·Nanjinger｜在南京」等主题展区的设计思路是怎样的，分别有哪些亮点？

孔超：今年的板块阵容升级没有体现在展商数量上，更多地是体现在作品的多样性和独特性上，比如首次在南京展出的艺术家海伦·马尔腾(Helen Marten)作品，施博尔画廊带来的艺术家尤利乌斯·冯·俾斯麦 (Julius von Bismarck)的个人作品。阿尔敏·莱希画廊带来艺术家奥利弗·比尔（Oliver Beer）的个人作品。以及，BROWNIE Project 将带来艺术家武子杨的获奖个人作品《阿加尔塔》。

「UNI-NAFI·Nanjinger｜在南京」作为由艺术界衍生的独立设计师品牌，它更加专注于南京本土的艺术品牌和机构。

我们期望通过NAFI南京国际艺术博览会，将南京与国际艺术界紧密相连，同时，我们也希望国际社会能更深入地了解南京这座充满艺术氛围的城市。此外，我们也希望每一位参加艺博会的收藏家和观众都能获得独特的体验和满足感。

NAFI2024 现场

ArtAlpha： 南京既有悠久的历史文脉，加上近些年公共发展的支持，再加上本土的高校、画廊、美术馆之间有一份特殊的凝聚力和向心力，在您看来，南京作为艺术现场的特别优势有哪些？

孔超：经过这么多年，我们再看南京国际艺术博览会，从艺博会到全城艺动，不仅是南京有着深厚的历史传承、文化积淀、艺术素养，而且这些年南京市委市政府对艺术事业，文化产业高度重视，再加上本土的高校多，画廊多，美术馆的也非常的多，大家非常团结。这种凝聚力和向心力，在我们看来，可能它超越中国的任何一座城市，甚至和任何一座世界级，具有艺术体量和艺术氛围的城市相比都毫不逊色。

除了这种艺术性之外，南京其实是一个特别深情的城市，它既包容所有的艺术形态、艺术形式，包容所有的艺术从业者，包容所有人。同时它的这份深情又愿意去接纳，每一个在南京工作、生活或者是路过这座城市的人。而每个人心底可能都有一种艺术性，在接触之后会接纳，接纳之后会从心底里去热爱。所以作为艺术现场，我觉得南京最大的一个优势就是它有温度，它愿意去学习，去感受一切和艺术有关的东西。

这种深情也是这五、六年来，NAFI能一直坚定地坚持下去，去解决任何问题底气所在。

NAFI2024 现场

ArtAlpha：NAFI2024坚持独立专业的策展视角，请问这种视角是如何在艺博会的策划和展览中得到体现的？

孔超：我们南京国际艺术博览会，长期以来，都最大程度地、尽我们所能地相信专业，依靠专业。相信专业策展人、艺术家、评论家对艺博会总体的设计、整体的规划，更相信他们对艺术趋势和艺术思潮的把握。

NAFI持续坚持学术性、专业性、小而美的面貌，而并非一味地堆砌参展机构地数量，也不一味地追求作品“繁花似锦”。从整体的输出和整体的观展体验上，我们倾向于让大家在一种比较宁静、从容的氛围里，感受到艺术从业者的专业性引导，同时也最大程度地表现参展画廊和艺术家作品的精神内涵。

所以说，相信专业，依靠专业的总原则，贯穿了整个南京国际艺术博览会的始终，已经成为我们始终坚持的传统。

NAFI2024 现场

ArtAlpha： 您提到NAFI南京国际艺术博览会“守住品质·惠及百姓·赋能城市”的宗旨，在这一宗旨是如何体现的？

孔超：从2019年第一届NAFI，一直到今年我们举办第5届，“守住品质·惠及百姓·赋能城市”的宗旨一直没有改变，我现在觉得可能以后不能称其为宗旨，这就是我们的NAFI的品质和追求。

守住品质，从不断迭代升级的参展画廊名单以及画廊所带来的作品，我觉得是一目了然的。

惠及百姓，我们每年都在尽可能地拉伸艺博会的宽度，因为我们展馆面积，基本在两万平以内，但是如何能突破空间的限制，辐射全南京及周边地区，这是我们一直思考并不断创新的，为此我们做了很多的联动、很多的特别板块，让南京的展馆、美术馆、画廊、商业体、超市、菜场……都参与进来，我们就是要让全南京都感受到，艺术就在你的身边。这里也要感谢我们的城市级战略合作伙伴金鹰集团，近两年在他们的商业辐射和推动下，我们可以将NAFI品牌对于艺术的追求，延伸至整个江苏省。

最后赋能城市的角度，我们每年参展的南京公共艺术项目越来越多，南京的私立美术馆越来越多，其呈现的高质量展览也越来越多，应该说在当代艺术界，南京现在也算是一个响当当的名字。我们非常地感谢、感恩陪伴我们一路走来的南京的收藏家、空间策展人、评论家、活跃在南京，活跃在世界各地南京籍的艺术家。它让整座城市联结在了一起，包括像萃舍云集的开幕展、德基艺术博物馆Beeple的新展，我们也都有参与进去，也看到了整个南京的艺术界，都在团结起来，这就让人很自豪、很感动。所以说整个南京国际艺术博览会，它的坚持和宗旨不是为博览会而生，也不是为了每一届的几天的展览而生，而是为整座城市而生，为南京而生。

NAFI2024 现场

ArtAlpha：在全球与在地性并重的艺术交流平台构建中，NAFI2024有哪些具体的策略和措施？

孔超：首先，在国际化拓展与在地化深耕方面，NAFI是坚守核心展区的高质量标准，扩大国际画廊占比，引进全球知名艺术家的首发作品。这种策展方向不仅提升了艺术博览会的国际化水平，同时凸显南京的在地文化魅力。通过“南京首发”的模式，将顶级国际艺术家作品首次呈现在南京，强化南京在国际艺术版图中的地位。

在城市联动与资源整合上，NAFI今年继续保持与本地众多艺术机构联动，打造全城艺术互动的格局，例如联合巴士和宣传活动覆盖全市重要区域。通过赠票和特别策划活动，惠及当地学校、社区和政府机关，强化市民参与感和归属感。结合南京本地特色，与地标性区域合作，将艺术展览融入日常生活空间，展现城市文化的独特风貌。NAFI2024得到金鹰国际集团的城市级战略支持，同时通过媒体矩阵和线上线下联动宣传，实现全球化与本地化的融合传播。

第三点我想说的是，NAFI2024的市场化与学术化并重，推动艺博会市场化运作，提高展位费及门票收入占比；同时提升学术讨论的深度，确保展览内容的专业性和多样性。通过优化展览路线、丰富作品类型及专业运营模式，提升展览内容的深度和商业吸引力。

增加年轻化的潮流艺术板块，以吸引更多不同层次的观众和消费群体，推动艺术消费的多元化发展。

最后一个特色吧，是今年艺博会的可持续性设计，实践绿色环保低碳理念，循环使用展会搭建材料，力求减少资源浪费和碳排放，为艺术展示开创更环保的方式。在提升展览质量的同时，兼顾环境友好，体现社会责任，践行可持续发展的理念。

NAFI2024C现场

ArtAlpha： 艺博会可以在最短时间内聚集最优秀的艺术机构和合作伙伴，赋予城市前所未见的艺术生态。NAFI2024是如何实现这一挑战的？能否分享一些具体的细节给我们？

孔超：首先保持影像为主的定位，并不断向绘画等综合媒介延申。通过前四届打下的基础，南京这座城市的艺术市场和NAFI的品牌价值，已逐渐被国内外的优质画廊所认可。

今年又有15家连续参展的长期合作伙伴，以及首次参展的7家国际知名画廊，如天线空间、REFLEXION等。而延续了去年的「UNI-NAFI·Nanjinger｜在南京」展区则以本地生活美学为主题，吸引了富有创意的小众品牌，展现南京城市文化的多元面貌。

其次就是今年我们在市场化上所作的努力，NAFI2024也处在一个艺博会品牌的转型期：逐步向市场化运营模式，提升参展商的商业回报率，打造多元消费场景，结合商贸品牌联动，通过跨界艺术活动吸引游客和消费者，激发南京艺术市场活力。

同时，我们的团队也在不断成长，我们拥有了强大的运营支持。

不管从招商、宣传、商业化、视觉设计、执行等等方面，全方位地在飞速成长，并不断保持对专业化和优秀品质的追求。这也是NAFI2024或者说这么多年艺博会做下来，我们最大的底气。

NAFI南京国际艺术季暨南京国际艺术博览会现场

ArtAlpha：您认为艺术文化板块对于城市发展的意义有哪些？

孔超：很多专家、学者都对这个问题有各自的解答。不管是东京、柏林、巴黎、纽约、伦敦，都用自己的历史进程，对于这个问题做了现实层面的回答，包括现在的Art Basel HK。

那对于南京来说，我想举一个例子，就是我们今年全城艺动的合作伙伴，德基艺术博物馆的Beeple的新展。就从这个展览的落地本身，人们会看到，会感受到，南京其实是非常适合数字艺术的，这点可能之前没人发现，但随着展览的发酵，越来越多的藏家、艺术家、评论家以及观众们都会发现，南京城和“来自人造未来的故事”这一主题无比契合，它给人呈现的感觉是一样的，是当代的、先锋的、具有引领性质的，它是时代之风的、是国际的、是充满活刀和希望的。而其他产业花再多的金钱和时间成本，可能都无法达到这种效果，也无法让你对整座城市的观感，产生如此大的变化。

我觉得艺术对城市最大的贡献在于，它给不熟悉这座城市的人，带来了一个鲜活了解整座城市的机会，让人们从艺术的面貌看到这座城市的气质，因而更加愿意去接近、喜欢、了解，甚至是落户到这座城市。

NAFI2024 现场

ArtAlpha：回过头来，看到NAFI从2019年至今的持续发展，您有什么样的感受？

孔超：最大的感受就是感谢南京，虽然我不是土生土长的南京人，但我真的热爱这座城市。感谢所有爱南京的人，感谢所有南京生，南京长，在南京学习工作过，现在活跃在当代艺术舞台上的南京人和新南京人。也感谢在南京的收藏家、美术馆，和一直关心南京文化和当代艺术事业的各位领导和各个兄弟单位。

从19年能够坚持到现在，并且已经即将向下一个阶段去发展的时候，真的除了感谢就是感谢。这六年、五届，大家给予了太多的无私的支持，其中很多是不计得失，全身心的帮助。

NAFI南京国际艺术博览会，根，就是南京。

NAFI2024 现场

ArtAlpha：您曾经说过，希望每位来访者都可以藉由NAFI，爱上南京，与这座充满人文艺术气息的城市。未来NAFI艺术博览会会有哪些长期计划，对于南京城市文化建设有何影响？

孔超：应该说我们已经在阶段性上实现了部分目标，藉由NAFI，越来越多的艺术相关产业在南京落地生根。有展览，有合作伙伴，有艺术家、青年艺术家、策展人、收藏家，他们爱上了鸭血粉丝汤，爱上了小龙虾。

长期计划，我觉得首先是NAFI能一直一直坚持做下去，脚踏实地的，每年为大家呈现一场我们自认为合格的艺术盛宴，这是非常诚恳的心愿和目标。

至于NAFI一定要对南京城市的文化建设带来什么样的具体影响？那真的不重要，只要NAFI能长期的存在下去，影响会自然发生。到那时，或许下一个五年之后，我们可以骄傲地把NAFI写到南京当代艺术的历史当中，这也是我们一直追求的方向和目标。

今年艺博会的展商阵容进一步升级，两大主题展区：「NAFI·FOCUS｜画廊聚焦」「UNI-NAFI·Nanjinger｜在南京」，携手近40家国内外顶级画廊、艺术家个人项目、独立艺术品牌，带来近百件精彩作品首次亮相南京。

阿尔敏·莱希画廊此次带来艺术家奥利弗·比尔（Oliver Beer）的个人作品。

纽格赫姆施耐德带来艺术家Tomás Saraceno的个人项目。

香格纳画廊呈现艺术家姚清妹的影像作品《距舞》。

姚清妹的实践主要围绕行为表演，影像和相关装置展开，揉杂了剧场布景，服装，文本，讲演，游戏，声音诗以及现代舞编舞。

《距舞》 (Dysdance) 以行为表演为主导，始于2020年艺术家在巴黎郊区的一所初中和学生们合作的艺术工坊，试图探索集体安全和个体自由, 身体和规训机制之间的矛盾。学生们戴上戏仿中世纪贵族“拉夫领”的直径一米的纸制大领子。在这个控制身体距离的“舞蹈障碍装置”下，学生们尝试适应并创造出属于自己的新的肢体语言。他们用身体去测量学校建筑并在这个庞大的封闭建筑内部穿行。这个大领的形态遵循了一种繁复整齐和井然有序的审美规则，却及其脆弱。集体性的同步移动要求个体像分子那样黏合并通过协调各自的动作以保证装置不被损坏。但最终这种集体的表面有序和高难度的身体控制转变成了自发的失控的狂欢中的肢体碰撞。学生们在嬉闹声中相互碰触挤压并最终撕毁挣脱了“距舞”装置。 

2020年第二次防控期间，小学、初高中学校在施行严格的防疫措施的前提下保持开放。学生之间日常的肢体碰触和集体体育活动被禁止。全程佩戴口罩以及保持安全社交距离成为校园生活常态。艺术家通过和学校的特殊班级Ulis班的十位初中生们的合作，完成了这个有关身体社交距离的行为影像作品。Dysdance 这个词是艺术家根据英文单词distance （距离）创造的谐音词，它在语义上指向了一种“舞蹈障碍”和“无法舞蹈”。

逸空间带来艺术家孙彦初的个人项目《新星纪》。

艺术家通过探索摄影媒介和传统绘画技艺之间的关系，以化学反应和暗房工艺为基础，创造了独具一格的作品。他并非用镜头记录瞬间，而是借助化学试剂、温度、光照等变量，将摄影与绘画的精髓融为一体，带来一次前所未有的艺术体验。这种创作手法让他的作品不仅在视觉上呈现出丰富的黑墨层次和颜色渐变，也渗透着中国传统绘画和书法的气韵，这一方面受他童年时所受传统艺术的熏陶，另一方面也源于他对艺术媒介的深度探索。

在他的新作“新星”系列中，孙彦初以充满想象的视角将创作触角延伸到宇宙的广袤与神秘。他坦言，对宇宙和人类起源的思考使他产生了无尽的创作灵感。从“第一个人是谁”到“地球上的第一棵树是如何演化出今天的多样性”，再到“人体中的元素为何与宇宙中的星辰相关”，这些问题不仅启发了他的思考，更成为他艺术表达的核心。“新星”系列既是他对于已知宇宙的视觉诠释，也是他对未知星体的艺术想象。在这些作品中，日月星辰的光辉、自然的节律和时空的奥秘无一不体现出艺术家内在精神的映照。孙彦初巧妙地运用了摄影材料的实验性和传统绘画技法的表现力，试图在东西方艺术的交融中找到属于自己的表达方式。

狮語画廊带来艺术家刘正勇的个人项目：《穿越风暴的人》。

刘正勇的作品充满感知与哲思，在他日常的绘画中流露出深深的自我反思和文化自省。它们以身体为线索，从个体角度探讨人性的现在与历史及艺术史的过往景观，重新思考绘画，通过日复一日不懈的实践形成新的绘画语言和逻辑。他的创作将对结果的追溯转向创作的时间过程，持续进入绘画的结构建造与精神内核实践和讨论。

千高原艺术空间带来艺术家陈萧伊的个人作品。

陈萧伊（b.1992）出生于中国四川，于 2014 年获得伦敦艺术大学纯艺术摄影硕士学位，目前工作生活于成都。她的作品基于摄影，并不局限在具体的媒介当中，通过生产图像的方式，关注于生命体的微妙感知，并不断挑战既定的逻辑、感知与想象来探讨存在本身的问题。

回声画廊带来艺术家胡伟的个人作品。

作品通过对上世纪冷战时期一桩“迷离”的、不愿被提及的政治犯罪（跨国恋情）的抽丝剥茧和虚构行为，艺术家邀请观众见证一段亲密关系的间离过程，并在作品重叠的情节中成为判断者和参与者。作品对公共历史事件的调查转换成了“侦探痴迷的好奇心”、对罪犯的自恋式认同和恋物癖乐趣。其中涉及到的法律、秩序、越轨行为、丑闻和谎言也成为了对当下冲突的指涉。

Vanguard Gallery带来啾小组的艺术作品。

啾小组的《美，义，还是爱?》以取自中国名著《三国演义》与《水浒传》的叙事拼图为蓝本，融合粤剧的表演形式，应和《桃园三结义》《武松打虎》两个著名粤剧片段，改编创作了结合现代都市情感的三部曲，分别命名为《桃园三兄弟》《武松逗虎》及《乌及乌》。 

啾小组通过广州的“音袅之行”进一步了解了粤剧的美学体系和民间元素，及其工艺价值所传递的工匠精神与能量。作品延续了艺术家对舞台表演艺术的探索，同时挖掘岭南本土的粤剧，探究古人的智慧和美学。这一创作历程探讨了神话与自然科学的结晶，忠、情、侠、义等文化价值，以及历史的发展规律与才策谋略。啾小组以独有的幽默语汇融合粤剧表演艺术，展开如梦境般的反转，探讨人物之间的微妙关系和情感，戏剧性地讲述了关于美、义 和爱的当代寓言。

户尔空间带来艺术家陈丹笛子的个人项目。

陈丹笛子1990年生，2015年毕业于广州美术学院油画系。她的作品涉及视频、装置、摄影和文学等多种形式，用独特的视角揭示了关于自然和人类景观的私人瞬间洞见，并将这些瞬间所揭示的更大社会结构和个人心理展现出来。她运用自然界的意象，创造叙事和情感的纽带，将我们的混合现实引入更加深入的探索之中。陈丹笛子的作品通过缓慢而深入的方式，将关注点放在那些容易被忽略的事物上，诗意地探究了不确定性作为当代生活的基本状态，探索了人类学家安娜·洛文豪普特·辛格所指出的，不可预知的相遇和这种脆弱状态不仅有能力转变我们，而且有能力重新塑造我们。

天线空间带来艺术家丛丛、丹尼尔·杜瓦 & 格雷戈里·吉奎尔（Daniel Dewar & Grégory Gicquel）、红妍、李明、彭祖强、罗德里戈•赫尔南德斯（Rodrigo Hernández）、钟笛鸣（Stella Zhong）的艺术作品。

Tong画廊+项目空间带来艺术家董大为、段一凡、兰昭形、李安琪、许以、杨勋、周贝特、张仁杰的艺术作品。

高台当代艺术中心带来艺术家张永和的个人作品。

张永和的艺术作品深具诗意，像一场穿越时空的精神之旅。他的画作不仅是视觉艺术的展现，更是诗歌、音乐与雕塑的交融。正如音乐家从噪音中提取音符，诗人捕捉词与物的精灵，雕塑家从石中解放天使，张永和在他的画布上创造出一个个独立的世界。在张永和的作品中，天使是一个贯穿始终的主题，源自新疆龟兹壁画的古老符号，这些天使跨越了时间和空间，带着超越尘世的平静与安宁。他的作品不仅仅是画面的呈现，更像是一首视觉的诗歌，一段心灵的吟诵。

七木空间带来艺术家贺子柯、 刘广隶&陈梓睿、向梓綦、李莜、郑路、鲁鲁的艺术作品。

BROWNIE Project 带来艺术家武子杨的个人项目。

作品以神秘的“阿加尔塔”为背景，揉合媒介考古、文献史料、田野考察以及科幻想像，对植物、动物、人类与硅基生命之间的连接模式进行视觉化的表述、讨论与批判。依据印度古籍记载，阿加尔塔贯穿大西洋底，连接欧、亚、美、非四大洲，并在墨西哥、土耳其、中国、印度、西班牙等地设有秘密出口。作为一个神秘的地下世界，阿加尔塔蕴含无限未知。 

西画廊带来艺术家丛峰、李沛峰、王兵、于涛、周浩的艺术作品。

王兵的作品发生在中国西南部地区，一名工厂工人和他的两个未成年儿子住在一间肮脏破旧且只有一张单人床的小屋中，影片透过一个固定镜头纪录着这件小屋的全貌。在大部分时间里，我们只能看到大儿子懒散地躺在床上，注意力分散于他的智能手机和家里的电视机上。直到影片接近结尾处，小儿子才进入到我们的视线，接着父亲下班回家，没过几分钟，伴随着父亲的一句“到点该睡觉了”，灯被熄灭，影片结束。在这里，“什么也没在发生”成为了解读这部影片的关键，流动于房间内的质朴沉闷之感，将观者拉入到不得不去思考的境地，我们透过镜头凝视着屋子里的一切细节，现实的落魄与不堪竟也在某一瞬间固结出美感。

YveYANG 画廊带来艺术家大卫-奥赖利(David OReilly)、拉斐尔-埃吉尔(Raphael Egil)、安娜斯塔兹·安德森(Anastazie Anderson)、李堂庭、安娜-玛丽亚·丝克罗巴(Anna-Maria Škroba)、保琳·林奇(Pauline Rintsch)、刘欣然、泰德-加尔 (Ted Gahl) 等的作品。

北丘当代美术馆回顾性地呈现美术馆长期系列性展览“隧道项目”，带来艺术家姚聪、张一、陈嘉诚的作品。

“隧道项目”于2023年2月开始公开招募，作为北丘当代美术馆中的常设项目，目前已经呈现了4期项目。面山而建的隧道空间，延续了原始的承重梁与老旧管道，仅将墙体翻新并附加灯轨，保留了对这一空间各种实验性介入的可能。不谋而合的，几乎每一位参与“隧道项目”的艺术家都将影像作品呈现嵌入了这狭长的隧道中。

本次展览呈现艺术家姚聪、张一、陈嘉诚在“隧道项目”中所展出的影像作品，回溯他们在“隧道项目”中的探索与表达。

艺术家张辽源带来其个人项目作品《彩色/有声》。

张辽源从2009年开始对视觉现象产生了极大兴趣，研究与此有关的各种媒介进行创作。2016开始了新的影像项目，关注影像记录和显示系统背后的技术逻辑，利用这个系统的自身结构进行创作，展开想象。张辽源从与观看有关的媒介入手，罗列并研究它们所呈现出的形式，将工作的重点放在与这些形式密切相关的观念逻辑上面，常用一种幽默的态度去拆解存在于艺术系统内部的各种模块化的形式语言，上溯到形式的起点来讨论我们的认知经验。

恒立影像中心带来艺术家黛安娜·布洛姆菲尔德（Diana H. Bloomfield）、爱德华·施里夫·柯蒂斯（Edward Sheriff Curtis）、莱恩·麦克菲（Leanne Mcphee）、彼得·亨利·爱默生（Peter Henry Emerson with T. F. Goodall）、布拉迪普·马尔德 （Pradip Malde）的艺术作品。

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