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欢迎阅读深焦日本动画专栏 2024 年第二季度总结。
在进入作品评论之前，本专栏开篇久违写一写日本动画产业方面的分析概述。日本动画产业在第二季度的一些动向已经不能再明显，无论是出品、制片公司还是参与实质动画制作的公司，全部都在拼手中的产能与版权。我们简单看看几条收购、合作信息：
4 月 1 日，制作过《关于我转生变成史莱姆这档事》《向山进发》《蓝色监狱》等知名动画的制作公司 8-Bit 成为万代南梦宫影像制作（前身为动画制作公司 Sunrise）的全资子公司；
5 月 14 日，万代南梦宫影像制作又宣布和坐落在日本东北地区的小型新晋动画公司 Tsumugi 秋田动画 Lab （代表作：《转生七王子的魔法全解》）进行业务合作，这家地方小公司以对日本商业动画制作流程进行改革、作品以超出预料的质量迅速崭露头角；
5 月 23 日，日本综合娱乐公司·东宝宣布收购动画公司 Science SARU 为全资子公司，这家公司此前以制作汤浅政明的作品为中心（汤浅政明从 2014 年的《乒乓》到 2022 年的《犬王》都在这家公司制作），之前东宝、Science SARU 曾合作推出了《春宵苦短少女前进吧》《宣告黎明的露之歌》《若能与你共乘海浪之上》等作品，两者还将合作推出山田尚子导演的原创动画电影《你的颜色》。除外 Science SARU 在汤浅政明的退休后，不仅和离开了京都动画的山田尚子进行多次合作（和汤浅隶属 Science SARU 不一样，山田是以自由导演的身份与该公司合作），也尝试投标更多的 IP 改编，如遵照士郎正宗原作漫画原滋原味改编的《攻壳机动队》新动画、改编板垣巴留原作漫画的《SANDA》、改编少年Jump+ 上连载的热门漫画《超自然武装当哒当》。
7 月 11 日，角川（KADOKAWA）宣布将动画工房纳为子公司，动画工房成立于 1973 年，制作了角川主导企划的《月刊少女野崎君》《NEW GAME!》《【我推的孩子】》《不时用俄语小声说真心话的邻桌艾莉同学》等数部动画作品。目前角川旗下的动画工作室已经有 6 家之多。
这些合作与收购的通稿几乎都提到了这些目标：强化制作能力，促进 IP 创造。再结合IG Port（Production.I.G、WIT STUDIO 等公司的母集团）最新财报，会发现这家此前以影像制作为核心业务的公司如今在版权业务实现了大幅度增长，尤其是《间谍过家家》《排球少年！！》的版权业务最为亮眼。
IG Port 2024年5月财报
除此之外，最近日本著名的财经媒体《东洋经济》也专门做了一期作为动画原作窗口的出版社如何根据当下 IP 版权环境改变运营策略的专题报道，报道指出漫画改编成动画是对原作 IP 的一次利用，而更重要是在海外流媒体、商品化、改编游戏、音乐授权等方面的二次利用，这些二次利用产生的利益将要以原作使用费的名义分给出版社，这笔费用在近年来更是卷成了巨额收入。为了应对现在的漫画改编动画的二次利用，各大漫画出版社都在内部建立了新的机制甚至成立了新的部门，相比以前只是作为原作窗口乖乖等动画改编的收入流入口袋，现在出版社也主动参与到动画项目的二次利用工作中，主动承担更多的风险，当然也实现了动画项目过程中的利益最大化。
出版社根据当下 IP 版权环境的运营策略
于是在这份 IP 版权的大蛋糕的诱惑下，无论是制片公司还是动画制作公司，亦或者是出版社，以及其他想要分一杯羹的公司，都想要通过合作或收购的方式来拼产能，除了改编热门作品、打造原创动画，就连老 IP 也纳入了范畴，这也诞生了许多所谓的“文艺复兴”动画。（这里的“文艺复兴”是中国观众用来戏称现在日本动画中对几十年前的老原作进行改编的现象的说法。）
索尼音乐旗下的动画制片公司 Aniplex 在《鬼灭之刃》这个 IP 上已经彻底爽到，为了延长 IP 战线，对这个已经完结的漫画改编，动画的叙事节奏可以说是不断放慢，最新的一季《鬼灭之刃 柱训练篇》更是出现了一集改编漫画几个格子，无惨光是走路进个大门都要走几分钟的情况。但东宝不愧是家大业大、日本最强综合娱乐公司，在 2022 年正式明确动画业务作为东宝的第四大支柱产业的长期战略后（其他三大支柱为涵盖电影出品、发行及影像事业的电影事业；传统的剧场事业；提供稳定现金流的不动产事业。），对动画的发力一下子就超过了索尼（仅限日本内），如今收购 Science SARU 正是完善了该公司动画制作业务的短板——东宝之前已组建了一家动画制作公司 TOHO animation STUDIO ，并和老牌动画公司 OLM 合作了《药屋少女的呢喃》，但这部作品依旧是 OLM 为主力，TOHO animation STUDIO 的制作实力仍不足。
而角川在动画方面作为不上不下的中型公司，最近打造的最大型动画项目就是《【我推的孩子】》，但这么大体量的项目角川目前没办法拼得过东宝，拼数量、且提高每部作品的质量下限成了关键，于是也收购、成立了多家动画制作公司，收购动画工房这家实力雄厚的老工作室是角川在产能和版权大战最关键的一步。而万代南梦宫影像制作，是这几年 Sunrise 这家动画制作公司改组而成（Sunrise 代表作：《机动战士高达》系列、《Love Live!》系列），目前也通过收购和合作迅速占据一席之地，若再仔细观察会发现，这家原本只涉及动画业务的公司，改组后也开始涉及真人实拍电影，比如三宅唱的最新电影《黎明的一切》就是万代南梦宫影像制作作为最主要出品方。
关于动画产业的内容就到这里，因为日本动画产业的讯息万变，笔者观察下来的感觉就跟观察流媒体和短视频生态的感觉差不多，以上一些信息估计很快也会过时，因此借季度总结为大家作一次阶段性分析报道。下面进入作品评论环节。
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上期碟讯：年度电影史修复！三套炸裂合集！
上期书籍口碑榜：精神疾病普遍化的我们，正在走向最后一代？
本期作者 塔塔君
一个普通日本动画观众与电影观众
本期作者 rocefactor
最近喜欢便宜动画
塔塔君长评___________
うる星やつら
福星小子 第二季 第2期
导演
高桥秀弥 / 木村泰大
系列构成
柿原优子
制作公司
David Production
“文艺复兴”的重复与破口
——关于新版《福星小子》
文化研究评论家宇野常宽将押井守 1984 年导演的电影《福星小子 绮丽梦中人》定义为对高桥留美子原作《福星小子》的一次批判，因为该电影用了循环的梦境设计，指出了《福星小子》这部作品里的一切就是存在于一个时间不会向前行进、只会日复一日循环的世界。同时他也指出，这样一个世界就好像是存在于拉姆这个女主角的母胎之中，是一种“女性箱庭式世界”，“男性‘通过拥有女性来确认自己的男性气概’的欲望和女性‘将爱的对象封闭在自己的领地之内’的欲望”这两种统治力量是共存的，并且构成了日后日本爱情喜剧漫画的基本格式。（选自宇野常宽的著作《给年轻读者的日本亚文化论》，刘凯译。）因为这部作品，坊间屡有传闻道，高桥厌恶押井守对《福星小子》面目全非般的改编，尤其是《绮丽梦中人》。结果高桥本人这几年在媒体频繁“辟谣”，称自己与押井并无矛盾，且对押井的改编表示尊敬。至于当时真相如何，是高桥对押井日后不断用作品证明自己而对他改观以至于这几年突然改口，还是当时其实真的还算和睦，作为观众的我们不得而知。
《福星小子2：绮丽梦中人》海报
时间来到 2024 年，由 david production 这家公司制作、从头开始改编、比押井版更“尊重”原作的《福星小子》动画也迎来了完结，动画最后以“Boy meets girl”篇作结，这个篇章中，阿当必须对拉姆做出正面告白，拉姆才不会让世界走向灭亡。于是告不告白这件事直接被如此儿戏关系到了世界存亡。我们发现，这个篇章呼应的正是故事一开始阿当对拉姆的捉迷藏游戏，而最后阿当自然没有直白地说出“我爱你”三个字，而是拉姆发现阿当仍好好地保存下自己掉落的螺旋角，从而确认阿当的真正心意，于是在没有直接告白的情况下，这个母胎一样的世界存活了下来，而拉姆说：“达令（指阿当）他永远不会变。”这句令人感动的自白的反面也像是一句咒语一样，祈祷这个世界永远不会有变化，每个人都不会成长，阿当和拉姆的喧闹日常会继续循环下去。无论是故事内部的首尾呼应，还是动画再次以新时代的技术去对这个漫画作第二次改编，循环在此形成了重叠的层。这也让《福星小子》新版动画成为这些所谓“文艺复兴”动画中最独特的一部。
《福星小子 第二季 第2期》海报
或许是因为 david production 制作过多部《JoJo的奇妙冒险》系列作，对老漫画以流行审美的材质进行重新包装早已熟稔于心，让“文艺复兴”动画摇身一变“潮流单品”，这次新版《福星小子》以现代审美的包装无疑是成功的。原画师浅野直之在同样是“文艺复兴”的动画《阿松》《咕噜咕噜魔法阵》中对老画风进行成功改造，在他的动画人物设计下老角色焕发出新的时代价值，这次他对《福星小子》的人物设计同样获得不少称赞，他的设计既保留了几十年前的漫画设计，比如阿当笑起来眯着眼睛的时候，并不是整个眼眶变成一个拱桥状的线条，而是眼眶中的瞳孔变成了拱桥状线条，这种“眼眶中笑眼”在不少当时的漫画中都有出现，若仔细看藤子・F・不二雄的《哆啦A梦》也会发现这种设计。同时，他还融入了符合当下动画画法、审美的设计，这也让这些“文艺复兴”角色走出了原作所处的年代，坦坦荡荡地来到 2010 年代后的世界。新版《福星小子》的蓝光套装中印有拉姆穿着上世纪八十年代到当代、每个年代的潮流服装的赠品插画，也让笔者恍惚浅野直之的设计难不成打破了作品中的八十年代循环？而这之中最惹人注目的无疑是拉姆那绿色玻璃水金般的头发。
《福星小子 第二季 第2期》剧照
浅野版拉姆用了碧绿色做主色调，又掺杂了蓝色，外围以亮白光作轮廓，而头发“深处”又大胆采用了墨黑色做阴影。拉姆生气的时候会发电，被电光包围的头发则会变色。这款头发就好像是新版动画致力于为这个本应过时的作品赋予新颖的材质，但不只是拉姆生气的时候发色会变化，就连外部环境的光线变化也会被带动。尤其是“Boy meets girl”篇最后夕阳下拉姆的头发随着天空透射出另一种色调，那仅仅是头发对周遭环境的反馈吗？因为对于 2010 年代及以后的动画来说，并非是古典、内敛的“一切景语皆情语”占主流，而是“一切情语皆景语”，内侧的心象以一种主观化却写实的外部世界由里及外地呈现出来，就像新海诚的动画中，世界的风景因心绪的变化而荡漾，这也正如新海诚的少男少女总能左右世界的走向一样，不如说新海诚的动画在近年本来就已经一定程度地影响了许多动画的创作思路。近年来观众对动画写实质感的细腻称赞，所谓“这光这水”之类的赞语大多数说的就是这样的主观化风景。
拉姆的水晶头发因来自世界的光而变化，夕阳下的天空在火烧一样炽热的鲜艳色调中透着蓝紫色，拉姆的头发也在紫红色与深紫色之间渐变，就好像整个天空已经化作了她头发的延伸与扩散，整个世界以她的头发为中心充满着多义与暧昧。人们不禁感叹，这种外化至整个世界的情感写实是多么现代，毕竟高桥的《福星》，无论阿当今天怎么成长，明天还是会变回原样，情感与关系并不存在写实的渐进，而是在儿戏化的一根筋中单一地滑入下一个起点。但在新版的《福星》中，虽然阿当最终没有告白，但循环在这样暧昧的质感中似乎露出了一点点前进的破口。笔者直到看完这部动画，结局又进入了没有任何进展的新一轮循环，但有种微妙的怪味始终都无法抹去，那种略微过时的循环就好像那些来自八十年代漫画表现的一部分，在新版动画里被装在了一个新潮的水晶球中，被人供起来观赏并感叹当年的老作品放到现在也依然精彩，一种对过去时空的怀想情绪也油然而生，只要阿当到死也不告白，时间就会永远这么循环下去，我们的关系也不会改变，拉姆和阿当的关系会被永远地“定性”在明明都老夫老妻了却还没定情的游动的状态，那是一个多淳朴的世界啊。在最后，拉姆摸了摸自己头上的角，确认了阿当真心的同时，又好像确认了母胎世界的存活，那个角的螺旋状就好像象征着这个世界的时间状态。但拉姆那多义又暧昧的头发总是提醒观众，外面已经不是上世纪八十年代了。
《福星小子 第二季 第2期》剧照
如今，相比以前总是喜爱大刀阔斧的改编，一部分“文艺复兴”动画保守地遵循原作本色、以新时代的影像技术重新改编，诸如此前的《水果篮子》《美少女战士》《浪客剑心》，现在的《福星小子》，都好像是在弥补老版动画没能好好改编原作的遗憾，紧接着由 MAPPA 改编高桥留美子另一部名作的《乱马1/2》估计也会在此行列。新版《福星小子》所呈现的“看似重复了一遍但还是会有着前进的破口”的状态，几乎照应着这些“文艺复兴”动画的状态。
落笔至此，笔者的思绪也飘到了一部动画电影上：2020 年上映的《哆啦A梦：大雄的新恐龙》，该作的编剧川村元气是新海诚从《你的名字。》开始合作的制片人，如今跨行多界的他同时也是小说家、导演。这部电影就像是站在现代回应《哆啦A梦》在 1980 年的首部电影《大雄的恐龙》，某种意义上也是一种重新诠释。《哆啦A梦》和《福星小子》一样有着循环的时间，宫崎骏曾如此说道：“大雄不会成长这一点非常有趣。坐上时光机，经历无数次珍贵的体验。”“一般来说，大多数作者都会在人物身上大花心思让其成长，然后变得不再像漫画主人公了。可是对于《哆啦A梦》，大雄第二天就会回归原状。”
但在《大雄的新恐龙》，这部隐含社会达尔文主义价值观的电影中，大雄学会了面对弱点寻回自我而重新出发，因为他不成长的话地球上的生物就无法继续进化，世界也会走向灭亡，所以他必须主动走出这个循环。在最后，哆啦A梦一群人回到了现在，日子好像还是以循环的姿态过着，但之前翻单杠怎么也翻不过去的大雄，居然在这次冒险之后用自己的力量翻过了单杠。这样微不足道的成长恐怕除了大雄一起冒险的伙伴以及观众之外，不会有任何人在乎，在历史中演变的世界并不会发现大雄的小小成长，但循环就是在这里出现了破口。
而下一部《哆啦A梦》电影，在不同的主创班底创作下，大雄果然又变回了那个大雄，这个大雄很可能又是那个单杠翻不过去的大雄，新一轮的循环、冒险再次启动。《大雄的新恐龙》这部站在 2020 年代首年的作品就好像掀开了下一个时代的扉页，它好像是某种时代的启示录，当某个灾难平等地降临到世间的每个人身上时，循环的日常注定会出现前进的破口。
rocefactor长评___________
響け！ユーフォニアム3
吹响吧！上低音号 第三季
导演
石原立也
系列构成
花田十辉
制作公司
Kyoto Animation
神性之黯淡
——关于《吹响吧！上低音号 第三季》
《吹响吧！上低音号 第三季》对原作大幅度的改编引发巨大争议，而动画本身所展现的，实际上是京都动画的神性之黯淡。
第三季的故事中，从以黄前久美子部长为核心的管理层秘密会议的沉闷中酝酿出过度的悬念与揪心，虽然这根过度绷紧的线条没有坚持到贯彻到作为系列的《吹响吧！上低音号》整个系列的最后一个音符，却但最后重新“振作”已经无以挽回地改变了系列的音色。
同此前的预热中篇《特别篇 ～合奏比赛～》一样，第三季动画以牺牲对室内演奏场面的正面描写为代价，换来了在社团运营、人际关系处理方面的饶舌。在这个意义上，正是京都动画神性的这份黯淡拔高了声优的神格。
关西大赛的战前演说中，声优黑泽朋世以几乎可以形容为尖锐的高亢声线演绎了作为吹奏部部长的黄前久美子的决意。这份徘徊在破音边缘的高亢脱离了第一季度以来久美子这一角色形象的一般范畴，带来了关于人物新感觉的同时，又为第 12 话进军全国大赛之际，的久美子的失意与不甘埋下了一个动人心弦的动机。然而，这份感情的波动与宣泄，仍然被樱井孝宏（指导教师泷升的声优）的肃杀与无机质的气息所压倒。
《吹响吧！上低音号 第三季》剧照
相对于前半的暮气沉沉，动画第三季后半的一系列波澜，几乎都是从夏季合宿末尾，泷升揭晓选考名单时一组惊心动魄的镜头开始的。这一组镜头从小号组首席高坂丽奈被点到为起点，通过对实力主义的强调形成了理所当然的强大惯性，并且很快把关于落选的讶异与不安集中在因为没有被叫到名字而动摇的久石奏身上。到公布独奏名单时，压轴之处，高坂丽奈再一次被点到，强大的惯性被回收于循环的终结与命中注定的强度之中。然而，此时 BGM 的紧张感没有结束，反而继续走向高潮，逸脱了文本的组织，旋即，下一个节拍里，久美子就和观众一样，在无法做出任何反应的情况下唐突地、生硬地撞上了落选的事实。
天皇也好政委也罢，作为最高指导者的教师和对其盲信的学生。泷升的话语中平静的暴力强化了曾经仅仅停留在好事观众所附会的政治性，压制了室内演出的性格，突出了行进乐，——更直白地说，更像是军乐——的一面。而这种宣读所伴生的权威越是不可动摇，角色头上的装饰性高光就显得越浅薄矫饰到令人难以忍受。这份散发出高调白色的带状高光曾经是室内表演厅强烈光线下的反射，是流光溢彩的金属乐器的转喻。然而，在失去了演奏场面，却保留了室外行进演练的第三季中，金属乐器的质地就与人物形象一同显得不合时宜。因此，如果能够理解了《利兹与青鸟》的人设风格如何匹配于纯然室内乐的状况和教室环境的话，就会发现比之于种种桥段展开在脚本层面拙劣的自我模仿，本篇第三季对于影像之神髓的叛离就更令人可叹。
作为作品的《吹响吧！上低音号 第三季》在第 12 话终结，作为系列的《吹响吧！上低音号》则在第 13 话终结。在这个平庸的总集篇式的最终话中，却有着从一部作品到一类作品的洞察：高中吹奏部是一个神奇的地方，每年新旧更替，不断地从头开始冲击全国金奖。让久美子反复沉吟的关于时间和场所的一期一会的玄妙，又何尝不是以季节为单位不断遭遇新的未知和失意，共度短暂人生路的电视动画的结构呢。
rocefactor长评___________
终末トレインどこへいく？
终末列车去哪里
导演
水岛努
系列构成
横手美智子
制作公司
EMT Squared
一条铁道 两出戏剧
——关于《终末列车去哪里》
编者注：阅读本文之前可移步 2023 年第二季度总结，rocefactor 为《无神世界中的神明活动》撰写的长评《日本动画再进化，影院看番的时代将来临？》，文中提及了 rocefactor 的一个自创概念——“贫瘠动画”与本文强关联。读者亦可寻找 rocefactor 的同人批评志《24min/h 特辑 贫瘠动画论》阅读。
2024年4月，安济知佳（编注：该作女主角千仓静留的声优）的独特音色终于引发了一场日本动画超小规模的绝望。
《终末列车去哪里》作为一部充斥着水岛努等主创任性的奇异原创动画，并没有在社交网络上引起多大的话题，自然也不会有人注意到这部“贫瘠动画”试图讨论的一切及其野心，但在这个季度中它又作为一部怪作，某种意义上将一切指向了虚无，当观众想要对它说点什么的时候又发现无从开口。
在本作中，对话与独白优先于一切运动，却也从角色和场景的移动之间剔除了一切运动。千仓静留莫名的身体暴力之下，既没有行为之前的动机，也没有行为之后的疲倦，那是一种尽一切可能行片面之能事的、漂浮在空中的轻飘飘的暴力。世界的崩坏与其形态的荒诞，在角色的移动和身体表现的含糊其辞中平添几分诡异，变得毛骨悚然。而角色、声优嘴里不间断的、高频的清晰吐词和发音，恰恰确保了文本的不可理解性。
《终末列车去哪里》剧照
在第八话中，穿梭于兔子洞和布偶装的主角们大声揭发道“看着很混沌但其实不怎么混沌”，以对于（《战国Collection》为首的）2010 年代日本动画回响的方式形成了本作的自我指涉。
在爱丽丝眼里，《终末列车去哪里》的列车，并非日本生活或是某种国民性的列车。它肆无忌惮地行驶在狂气的铁轨上，这条铁轨的一侧是荒诞剧，另一侧则是关于贫瘠动画的历史剧。如果说本作中的列车有什么关系到列车文化史的成分，那也首先是来自于19世纪大规模铁道铺设时代的记忆。这一点时刻与影像内容对世纪末美术的引用形成互文，把西洋的颓丧与日本的怀旧交叠在一起。在第 10 话、11 话里，我们可以看到对剧画、东映子供儿童向动画和少女漫画的参照如何连贯地过渡到对于莫奈、梵高，蒙德里安和达利的引用，但不能忘记这种浅尝辄止、露恶式的美术史小知识卖弄不过是一种戏谑和自虐式的滑稽——当看似修正了 7G 的世界异变的后，主角们再次开动列车，踏上返乡道路，东京城区的远方唐突隆起的老彼得·勃鲁盖尔的城堡，让对于世纪末艺术风格的指认变得像班克西的气球一样一戳就破。在这里，似乎没有任何标准将不同分野的内容严格地区分开来。换言之，只有动画的风格主义成为唯一的标准。无论是对于现实驿站区域的考察，还是对于美术史参考的浅薄指认，一切来自于动画外部，并最终通向动画外部的指认都变得虚无，并且被扭曲为一种用以屏蔽感知经验的碎片化认识，而这就是贫瘠动画的速度和散逸的魔力。
终末列车，运行在包覆影像的薄膜之上。其目的地，本作的终极设问的回答，正是作为车掌、作为司机的静留等人以贫瘠动画之“观者＝乘客”所不可能的方式注视轨道的“前方”。
塔塔君短评___________
/动画电影
Anime MOVIE
《排球少年！！垃圾场决战》
（院线上映）
从表面上看，和《灌篮高手》（The First Slam Dunk）一样，《垃圾场》也采用了“一部电影即一场比赛”的形式——只不过它的雏形应该是电视版第三季，整一季用了 10 集的篇幅聚焦乌野和白鸟泽的比赛。《垃圾场》《灌篮高手》电影都对与比赛无关的情节进行或大或小的删减，沉浸在比赛的狂欢与刺激中就是享受电影的方式。再加上《排球》多次提出每一场比赛都是仅此一次，“垃圾场决战”更是重中之重的“仅此一次”。作为电影这当中的有趣矛盾是：电影是可以重复观看的，但电影里进行的比赛是往前行进的“现在”，却又是可以重复体验的当下。
但本片太粉丝向，因为太懂得角色自身魅力何在，也太依赖这一点，角色远高于比赛本身，以至于每个角色面面俱到（端水）的编排导致几乎没有连贯的比赛时间。本片把连贯的重心放在了接续前作所积累的时间（所以它是媒体组合里的“剧场版”而不是《The First Slam Dunk》那样独立的电影），并践行“角色就是故事本身”这个道理。最后一球研磨POV终于盼来的连贯时间正是对前作不断雕琢角色的那些时间的延伸，在“观众-摄影机-研磨”达成最高同步时我们终于认识了研磨，全系列多次出现的子弹时间升级为永恒的一瞬，紧紧联结着此前练习赛的时间，似乎时间从来没有流动过，一切如故，但又在每一次比赛的“不可重来”中改变了什么。
只推荐粉丝观看 ☆☆☆
《北极百货店的接待员》
Production.I.G 体育运动类动画的延长线。人类或人形生物服务非人形生物首先想到的动画是《千与千寻》，宫崎骏用大小形体各异的神灵支撑起世界观建设，又发挥在利用场面塑造的戏剧性中，如千寻打扫大浴缸不小心脚滑了摔下去这些情节。本作的方向是身体造型与运动之差异，尤其是鞠躬、快速小跑、躲避等动作体现对体育描绘的素养。用高画技精准画出身体的差异与电影中人类为不同动物做量身定制的个性服务简直是如出一辙（常常说道商业动画也是面向客人的服务业，宫崎骏也经常一嘴一句“客人”“客人”的）——讽刺的是把 90°鞠躬画得越好就越偏离人形，越是服务周到就越看着像异化的身体。而象征消费主义的商场文化和珍稀动物灭绝史这个关联明明能做很多文章；被做成雕像的动物不再有大小之差，这种看似大同的塑造实际上抹平了各自的特性，因为是死物、不具备运动规则，大小之差也不必要了……看的时候觉得有很多值得去发散的点，但从结果看本作止步于主题的巧思和绘画的悦目了。
凑合 ☆☆
《名侦探柯南VS怪盗基德》
（总集篇电影）
对配乐的运用依旧全面不如原版，奇葩在于那段原版的素材加新绘制的动画人物层的开头。背景美术画明显是赛璐珞动画时期的素材，还出现了一些出崎统调调的演出（现在基本见不到了），特写柯南的手的镜头也不是现在的人设画法，根本和现在人设的细长肢体对不上号，就连obake形变现在也不会这么画了。还有一些地方 layout 微妙的没结合对，4:3 改 16:9 画幅导致的问题等等。这个古典演出和老素材配上数码制作的部分，根本就是既想要统一现在的画风（以前的圆脸柯南人设太突兀了吧现在看来），又想要让观众保留原汁原味的感受，却不愿意全部重新制作，最终既要又要之下产出了一段独一无二没有其他例子可对照、甚至有点实验性的奇妙片段。真不知道这该不该说良心，尤其是对比《鬼灭》那种吃相更难看的总集篇剧场版。
不推荐老粉观看，但可作为今年剧场版《百万美元的五棱星》观前功课 ☆
《哆啦A梦 大雄的地球交响乐》
（院线上映）
最难为服部隆之的一集，就算是交响乐大师也很难做到两点：让大雄的噪音融入和谐中；创造出一首符合故事设定、让观众一听就认可是伟大的音乐。《哆啦A梦》剧场版换了多少主创都有一样的问题，宁愿让演出浪费在展示角色戏份的重复情节中拖慢节奏，也不愿意多花点心思雕琢细节理顺故事，这些情节关联的大人人情世故与世界的面貌，难道不正是一部儿童电影的务实根基么？我觉得能表现清楚为什么二话不说就把传家宝交给一个发色一样的陌生小女孩、药水能隔着玻璃滴到石头笛子、姐妹俩怎么就隔了四万年这些细节很重要。不是把故事讲好的问题，而是把动画“表现”好的问题。就别扯千寻在猪群选父母这些例子了，本片在不讲理的表现力上还远达不到宫崎骏动画那种说服力。
不推荐 ☆
《哈尔的移动城堡》
（院线上映）
短期内看了两次还是觉得后半不好看。宫崎唯一一部以3DCG巨物为主角的作品，但实际上和《风之谷》里用手制 harmony 动画装置表现蜷动的王虫一样，移动城堡只是用 3DCG 制作了 harmony 骨架的另一种王虫。它们具备着同一种“动画身体”。更不必说移动城堡的驱动之源是火之恶魔卡西法，火也是animation的本源，是动画为万物赋予灵魂的原生质性之所在。这个毫无规划的、乱序象征的城堡本身就是宫崎的动画情结。
凑合 ☆☆
《间谍过家家 代号：白》
（院线上映）
虽然能猜到一定程度会学《柯南》的早期剧场版（做TV动画难以做的连续大型故事和“大场面”，强调阿尼亚/柯南作为儿童角色的一面来激发故事的作用），但没想到无论是剧本还是演出，呆板的部分也那么像《柯南》。内地片商虽然极力宣传其合家欢电影的一面，但对比真正的合家欢动画会在开场就用视觉听觉以及戏剧上的丰富一下子让观众沉浸其中的做法，前半部分过于寡淡的本作不得不说让这样的宣传显得十分尴尬，拯救这一切的是阿尼亚而不是故事里的大危机。最佳动作戏不是约尔是阿尼亚，让阿尼亚变成蜡笔小新是最正确的策略，在呆板里召唤动画之神的吉祥物角色。
不推荐 ☆
《蓝色禁区：凪》
（院线上映）
作为一个足球赛居然没有任何能看出队伍阵怎么变化的全景，全是角色特写和角色踢球各种瞬间的pose特写，一边感叹日本动画真不愧是一路穷下来才开辟那么多表现手法，一边感叹真的是形式和内容都表里如一的只有“ego”（角色）的存在。只是，这样一部角色文化热潮下诞生的总集篇里，角色只剩下形象，唠叨的心理活动并没有写活角色。
不推荐非粉丝观看
《大室家 dear sisters》
推荐 ☆☆☆
注：该作是《摇曳百合》的衍生作。
/电视动画
Anime Series
《Girls Band Cry》
将川崎设想成这么一种所谓的“现实世界”。先写仁菜退学离家出走，那时就写仁菜至少还有一个可以回的家；这时写有刺无刺作为地下乐队大受欢迎，那时就写主流出道后播放量开局只有几百这种不合理的情节。主角们似乎被塑造成在社会中艰难生存的姿态，但只要设定好每一种所谓“残酷现实”的量，她们就能在这个“现实”的游乐场里面尽情游玩。这动画可太便利了，竖中指圆滑地变成竖小指，就能改称这只是一场小小的可爱叛逆；就好像仁菜只要一“发作”，画面就会有粗鲁的黑线红线从她的身体绽开，观众就能钻入仁菜的内心；在演奏时为了达到视听的审美奇观，可以一度放弃她们身处的贫瘠，为她们打造尽善尽美的幻象。所有的一切都能看到动画背后的主创游刃有余地控制着变量的按钮。想到这里就怀念《学美向前冲》的真诚，再怎么宣称革命也承认自己身处乌托邦中。
凑合 ☆☆
《夜晚的水母不会游泳》
什么是自不量力呢？一个想要记录时代，记录在快餐时代留下活过的印记的现代生活的动画，最终做成了一道在快餐时代被匆匆划过的快餐。而40mP这位十多年前通过初音未来叱咤网络的创作者，少女们在动画中代替他重演这件事，但现实是在多部以音乐为创作核心的动画里《水母》的音乐最没有记忆点，而动画里的音乐如何让观众信服这是一首可以引发社会现象的音乐，本身就是一个螺旋循环的难题，残酷的是即使是剧中音乐也需要经历现实考证，如隔壁的《Girls Band Cry》的音乐确确实实在现实中火了。《水母》或许记录了时代，但讽刺的是它成了被自己记录的样本完成了这样一种自我指涉之后，时代不会记住这部作品。
不推荐 ☆
《鬼灭之刃 柱训练篇》
观感好于上一季是因为日常喜剧稀释叙事来填补太过宽裕的篇幅也不会导致观感太差，但好几次群像戏都要每个角色给一个单独反应的镜头（是给角色厨的福利吗？）实在是太蠢了。只要每个镜头平均时长拉长，每个人说话节奏放慢，再升级一下特效，必要的时候秀秀作画，就不会察觉整部动画的水分很多了是吧？
凑合 ☆☆
《怪兽8号》
最近的少年漫改热潮里大热门强推作品，从来没有一部像《怪兽8号》这样不断抛弃每一个带有延展性的戏剧铺垫、这么不珍惜自己打造的故事世界、故事就这样向着最无聊的方向勇往直前的动画。而且在这堆少年漫改动画里，PRODUCTION.I.G 维持着其融入到公司血脉中的写实派的古典，这份独树一帜可能是最值得褒扬的一点。
不推荐 ☆
《怪人的沙拉碗》
不仅是平坂读的故事本身，从系列构成的角度来说，这部作品从来没有打算对每集进行总结、提炼主题，而是话说到哪就到哪，自然而然地开始与结束，其散漫与贫瘠的动画制作在毫无野心这一点“相得益彰”。平坂读对异世界这一类型的态度似乎也如此，拥有魔法的异世界并没有对平庸的现实世界进行傲慢的征服，怪人们所代表的异世界是伴随日常并存、必定存在的非日常，这也是对异世界类型所谓“逃避现实”的功能一次有力反击——异世界就存在于现实，怪人们也只是假装成正常人看似平庸地活着。看他们如何假装平庸、如何无志趣地走向人生的岔路，难道不有趣吗？
推荐 ☆☆☆
《摇曳露营△ 第三季》
任性地说和前两季差距在哪里，大概没能见到时间化作光抚摸大地和脸颊，从视觉层面就开始捕捉这些共同经验的独特吧。也是对比才发现，前两季对这种写实的决心也体现在人设上，原作的角色眉毛不仅可以透过头发还可以透过帽子头盔，作为一种终极的符号存在，前两季人设为了不触及原作这一特色又不破坏演出的基调，直接就从没有让帽子低于眉毛……
凑合 ☆☆
《王牌酒保 神之酒杯》
怪盗基德那句名言：“如果说怪盗是一个精湛、盗取财宝的艺术家，那么侦探是跟在怪盗后面吹毛求疵充其量不过是个评论家。”这句话同样适用于本作中描绘的作为职人的调酒师。
凑合 ☆☆
《蜻蛉高球》
小岛生活滋润了蜻玲的高尔夫，蜻玲以生活的比喻句将反哺到与岛内文化深深结合的高尔夫。然后，再贫穷的制作也要精准画好每一个高尔夫的动作，制作组似乎很明白最不能辜负的底线就是让生活落到实处的动作和姿态。
推荐 ☆☆☆
《沙漠大冒险（剧集版）》
第一个故事更纯粹地突显角色的魅力，正因为故事少了恶魔也不会有什么问题，只关于沙漠的人类寻找水源、推翻人类的独裁政权的故事，但鸟山明却能把作为驱动核心的故事转移到角色为驱动，有趣的角色让冒险添色，故事变成了一个基底，有趣的角色把在这上面互相碰撞。试想少了恶魔一族这个故事会多么无趣啊，鸟山明也许并不打算讲述种族与阶层，从头到尾都是关于人类的赞歌——恶魔一族隐喻着每一个有缺陷、负罪的人类，但又有着值得被歌颂的真诚与至善，与其说是一种隐喻，不如说这就是设计的美学。
推荐 ☆☆☆
《格林童话变奏曲》
变奏？日本动画从来不缺对经典的变奏，从受到迪斯尼《白雪公主》影响到自己的《白蛇传》，再到各种各样的神话童话寓言的引用和改编，比比皆是。网飞特地做这个企划我的感受就像是：就因为这点事把大家叫出来啊.jpg
不推荐 ☆
《吹响！上低音号 第三季》
私人感情上很矛盾，矛盾了很久。我曾尝试寻找过动画改编比原作要好的证据，并证明京阿尼有着不改以前的魄力，他们有着逆时代前行的老派，但作为整个系列结束的最终话狠狠打了我的脸。虽说有着这样那样的客观限制所以没有了演奏现场的绘制，但看到演奏时我们潜入久美子的思绪，跟随她回看有如总集篇、MAD 式总结的画面，才意识到这种怀念就像是走马灯，这个系列在最后时刻并没有和以往那样用现场、现时的一切决胜负，没有继续深信那乐器表面反射的复杂、多义就足以能调动所有人的共通情感，那无须去怀疑的、高扬的前进之姿似乎不再。接着，在乐章结束之后，那件事迎来了第五年，或许我只是想在这部作品中寻求不变的温润，希望他们用作品说出“即使发生了什么也请安心我们还是依旧”，但变化还是切切实实平等地降临每个人每件事上。
/特别提及
Special mention
纪录片《宫崎骏与苍鹭》（原名：宮﨑駿と青サギと… ～「君たちはどう生きるか」への道～）
不是关于宫崎骏如何创作，而是关于他如何走向死亡。令人惊讶的是本片竟然试图追随着宫崎骏抛下观众的匆忙步伐，放弃了以往吉卜力纪录片重幕后故事、重创作科普与记录的服务态度。跟随了宫崎那么多年的电视纪录片导演荒川格好像第一次以纯粹的电影观众、宫崎骏观察者的身份，残忍地用关于宫崎骏的创作记录去复述一部自己眼中的《你想活出怎样的人生》。这是两个创作者的较量，一边是幻想世界的创作者，一边是感伤的评论者——这份冲动越过了纪录片的类型，它已经是一个评论创作了。
推荐 ☆☆☆
- FIN -
一个缺乏好电影的FIRST，还剩下什么？
引领这个时代的摇滚少女，华语自己的椎名林檎
熟悉又陌生的凶险之地，华人下南洋的血泪史
