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22、宇宙之铁《天降大任》
30、陈咏燊《还是觉得你最好》
31、张超理《花千骨》
1、忻钰坤《热搜》
2013年，年仅29岁的青年导演忻钰坤凭借小成本悬疑片《心迷宫》一鸣惊人，荣获第8届FIRST青年电影展最佳导演奖及第51届台湾电影金马奖最佳新导演提名。2017年，他执导的犯罪悬疑片《暴裂无声》同样口碑不俗，豆瓣8.2分，票房也有5425万元。
忻钰坤表现出其精巧的多线迂回叙事能力，以及别具特色的冷峻写实影像风格。《热搜》是他独立执导的第三部院线电影，同样具有悬疑和犯罪元素，不同的是故事发生在当代中国大都市，聚焦网络舆论、网络暴力和性侵等热点社会话题，更容易引发年轻观众的共鸣。
“后真相”，即真相和逻辑在信息传播的过程中被忽视，而情感煽动成为主导舆论的主要手段。
影片的结构以新媒体舆论战为主线。女主人公陈妙是一位自媒体品牌的创始人兼主编，拥有百万粉丝公众号，掌握了自媒体部分圈层的话语权。男主人公岳鹏是恒世集团的公关经理，以强大的资本做后盾，自认为拥有呼风唤雨的能力，且恒世集团是“妙不可言”的投资方。
这个热搜事件先是陈妙以“见不到血的凌迟”为题，将张小穗的霸凌视频进行曝光，公众号传播迅速发酵，由此掀起的网络暴力，将张小穗逼向死亡，跳楼自杀，陈妙成为间接杀害张小穗的帮凶。张小穗也从施暴者反转为受害者。张小穗为什么跳楼？在陈妙收到张小穗的一封信中给出了答案，这封揭秘信写在陈妙给小穗的签名书中。真相就是恒世集团的董事长王世民性侵了张小穗，岳鹏却不择手段设计抹黑受害者。陈妙意识到自己被利用，“妙不可言”也沦为恒世集团的舆论工具。受到道德的谴责，良心发现的陈妙拒绝了恒世集团的增资合同、利益诱惑，决定为正义而战，为张小穗讨个公道。
自媒体时代的流量密码、校园霸凌、性侵害、援交、网络暴力、标题党、立人设、爆款文章、议程设置、水军、视频片段、碎片化阅读、预热、话术、沉默的螺旋、反沉默螺旋、信息茧房、魔弹理论、乌合之众、引导情绪、营造氛围…
电影批判的矛头当然是畸形混乱的整个舆论环境，同时也指向了操纵这整个舆论环境的资本之恶。
2、王小列《再见，李可乐》
前有冯小刚，陈冲，白举纲等主演的《忠犬八公》，后有冯绍峰、娜扎主演的《爱犬奇缘》。
宠物题材电影的特别之处在于与宠物产业的深度联结，其发展伴随着宠物产业的快速崛起。《中国宠物消费报告》指出，当前宠物类型仍以犬猫为主，在产业形势的影响下，宠物题材电影的主角也基本以狗为主，在数量上远远超过猫。因此，很多人也将宠物题材电影称为“狗片”。
“狗片”很长一段时间以来属于电影市场的边缘题材，票房也集中在百万级别。直到2017年《一条狗的使命》拿下6.07亿的票房后，市场敏锐察觉商机，借着“农历狗年”噱头，仅2018年就有十多部“狗片”登陆内地院线，但其中的大多数口碑票房双失利，爆款难以复制。
直到2019年，《小Q》在暑期档破亿，时间来到贺岁档，《宠爱》以首日1.7亿，总票房6.83亿的成绩，继续创造小成本宠物题材电影的票房奇迹。
这类电影往往由于主角身份的固定而容易陷入剧情缺乏创新，相对套路化，公式化情节的窠臼中。基本以一人一宠互相疗愈，共同冒险，获得成长，宠物离世作为叙事主线，很难形成创新。《再见，李可乐》想往前再走一步，试图探讨中国式家庭关系与伦理道德困境。
在“狗片”之外，“猫片”正作为一股新势力强势崛起。从宠物产业的角度来看，虽然总体市场规模增长减缓，但猫市场的规模却逆势持续稳定增长。猫数量持续上升，与犬数量回落到2020年水平形成鲜明对比，在城市中，这一特点更加明显，养猫的年轻人数量已经超越狗的数量。
当前，宠物题材电影中狗作为主角的数量仍然远超过猫，但在近几年，猫猫的形象价值外溢至文化娱乐产业更加被重视。与狗动物演员不同，猫动物演员的情绪都是靠耳朵和尾巴的肢体语言发挥出来，面部表情不多，给观众解读的空间更大。
《流浪猫鲍勃》、《爱猫之城》、《惊奇队长》均有猫的角色作为卖点。
3、雷德利斯科特《拿破仑》
由雷德利·斯科特执导，华金·菲尼克斯、凡妮莎·柯比主演的历史传记片《拿破仑》，尽管凭借精致的美术设计、壮阔的战争场面获得不少赞誉，然而作为主干的剧情却负评不断，被认为叙事过于片面，人物缺乏深层刻画。以一名家喻户晓的传奇人物而言，《拿破仑》没有满足多数观众的期待。
《拿破仑》导演版以拿破仑政治生涯的几场重大事件为主轴，辅以与约瑟芬皇后之间爱恨纠缠的情史，交织出他波澜壮阔的一生。
影片无意探讨拿破仑在军事层面之外的影响力，也没有大肆挥洒这位君王对于政体、律法的种种革新。
两版相比，导演版的剧情架构，仍然无法摆脱原版的流水帐。至少新增的片段，让电影整体调性不再有强烈的割裂感，一下是气势宏伟的战争史诗，一下又变成步调缓慢的文艺片。
导演表示“实景拍摄更有真实性”，他花费大量心血训练演员学习枪炮知识，集结上百匹战马冲锋陷阵，同时动用4到11台摄像机全方位拍摄，只为在大银幕上呈现最震撼人心的宏大场面。
除了恢弘壮观的战争场面，《拿破仑》的宏大制作还包括各种历史场景，服装美术的真实还原。制作团队在片场搭建规模庞大的建筑，从奢华至极的宫殿到破旧不堪的小屋应有尽有，甚至拿破仑的城堡中还有从博物馆借来的珍贵文物。为了尽可能还原拿破仑时代的辉煌气息，影片的视觉画面参考了大量艺术名画，其中拿破仑加冕大典一幕就是从法国画家雅克-路易·大卫的油画中获取的灵感。
历史虚构需要比翻译更多的创意自由。与翻译不同，历史虚构的创作者必须选择使用原始素材的部分内容，决定如何安排这些素材，并提供自己的诠释（就像历史学家本身一样）。然而，同样也有保持忠实于历史真相的压力，与翻译渴望保持忠实的原因相同。最明显的原因是原始素材的吸引力。真实的事件和人物往往比虚构作品中的更扣人心弦、神奇且陌生。艺术家越是远离这些素材，进入自己创造的世界，就越有滑入平庸和无趣的危险，就像翻译者如果过于偏离原作，也有可能降低深刻原作的价值。
在过去，这种态度让斯科特受益匪浅。《角斗士》（2000）是他最受欢迎也是最成功的历史电影（虽然它无法与他出色的《银翼杀手》相提并论），这部电影对罗马帝国的历史采取了不拘一格的态度，观众对此也乐于接受。军团士兵发射了看起来像是汽油弹的东西，攻击成群结队的敌方军团日耳曼人。角斗士经常为死而战。（历史上他们不会这样。）就像在《无耻混蛋》中一样，历史被改写，以让一个独裁的恶棍——在这种情况下，是罗马皇帝康茂德，由华金·菲尼克斯饰演——在复仇的受害者的刀下，迎来一个令人满意的死亡。所有的不准确都不重要。罗马的背景为这个奇幻故事提供了熟悉而充满色彩的背景。《天国王朝》（2005）则对十字军东征的历史进行了极大的扭曲，不仅充满了精彩的娱乐效果，而且还展现了一个强有力的愿景，即基督教和穆斯林人物在致命的狂热和贪婪之中，为宽容和理解而斗争。
4、郝飞环《沉默笔录》
电影以上世纪九十年代黔南小镇白狗离奇死亡为线索，以一起离奇杀狗案引入，揭开隐藏背后的命案真相，在刺激生猛的追凶和复杂的人性剖析中，逐步揭开藏在杀狗案背后的人命凶杀，展露成人世界不言而喻的真相。
本片的主人公是章宇饰演的联防队长李立忠，一个在学业上无大作为的青年，一边鄙视着与自己相同职业的父亲的做事方式，一边却梦想着成为与父亲一样，甚至超越父亲的秩序统治者。在父亲李宝国坠死后，平西镇发生了诡异的连环杀狗案，期望考上编制成为刑警的李立忠，承担起尽快破案的使命，在这期间不断地与过去的父亲对话，直至发现父亲的真相——他心中那个抓到偷猪贼从而获得嘉奖的父亲，其实是一个为了私利陷害村民的恶霸。
在查案的过程中，导演不断插入李立忠的回忆，以给出其寻父与尝试弑父的提示：李立忠通过查案了解到父亲最本质的为人，这是寻父，而事件的真相最终颠覆了李立忠对父亲和外界秩序的原本信念，这是弑父。值得注意的是，李立忠的悲剧并不在于他要弑父，而在于他要弑父却没能完成弑父。影片结局，他穿上了公安警服，放走了女友，接受了杀父仇人周胜奎成为自己的继父，然后任由命运从自己的生活中如流水淌过，他失去了抗争的“血性”，接受了自己注定往复的悲剧。
5、蔡耳朵《照明商店》
作为一部披着微恐外衣的温情片，讲述的是深巷尽头，有一家常年亮灯的照明商店，护士许念与男友搬进商店附近的公寓后，渐渐发觉周围的怪事。影片前半部分是“恐怖片”，惊悚、灵异、阴暗；后半部分则以逝者的口吻对生者作出抚慰，温暖、忧伤、明亮，因此得到了不少女性观众的青睐。
在电影《照明商店》中，非线性叙事技巧用以营造时间上的扭曲感和畸变感，打破观众对时间连续性的固有认知。与线性叙事严格遵循时间顺序、因果逻辑的传统模式不同，非线性叙事打破单一指向性，通过时间上的反复、倒流、省略等手法呈现一种独特且多元的叙事风格。非线性叙事打破时间和空间的传统界限，以突出非线性时间的扭曲与畸变，来增强故事的表现力和观众的沉浸式体验。
许念的限知视角为观众提供了一种紧密的个人体验。在这一限知视角下，观众与许念一同经历了搬入新家后的一系列反常事件。从面部出现抓痕的小女孩、半夜唱儿歌的老爷爷，到拥有两个影子的独居女生，这些神秘事件都是通过许念的视角传递的。由于这种限知的叙事方式，让观众和许念一样，对这些奇怪的事情感到困惑和不安，这种不完全的信息提供了悬疑和期待的基础。然而，随着电影的发展，全知视角的引入为观众揭开了事件的真相。通过这一视角，观众可以看到每个事件的因果联系，了解每个角色的遭遇和内心情绪的变化。这种全知视角使观众能够将之前看似无关的奇怪事件串联起来，理解它们背后的故事。观众可以从一个更广阔的视角看到整个故事的全貌，了解每个角色的动机和行为。
《照明商店》通过精心设计的反常现象，巧妙地增强了影片的悬疑感。电影刻意描绘了一系列日常生活中不寻常的事件和行为，如女人无论天气状况如何始终戴着手套，小女孩脸上突然出现的抓痕以及江老师手持黄色伞在小巷中游荡的奇异行为，这些反常的细节描写，看似琐碎却令人不安。类似的场景在观众心中植入了疑惑的种子，激发他们去探索背后的真相。例如，小女孩脸上的伤痕和塑料袋的使用暗示了潜在的家庭暴力或更深层次的秘密。同样，刘雨珊背后的第二个影子和浑身是沙子的男人的存在，为观众提供了解谜的线索，暗示着故事背后隐藏的超自然或更深层次的主题。影片中的每个反常现象都像是一个悬而未决的谜题，这些细节在初看时似乎毫无关联，却随着剧情的推进逐渐显露出它们之间的联系。通过这种方式，影片不断地引导观众进行想象和推理，使他们在观影过程中积极参与故事的解读。这些反常现象不仅提高了故事的张力，也使得观众在寻找答案的过程中，对角色的命运和故事的发展产生了强烈的兴趣和情感投入。通过这种叙事策略，成功地在观众心中营造了一种持续的悬疑氛围，增强了观众观影体验的深度和丰富性。
6、陈卓《瞒天过海》
影片改编自2017年公映的西班牙电影《看不见的客人》，该片被誉为悬疑剧神作。好的剧本底子增加了影片的悬疑底色，但同时也给翻拍带来了更大的压力。
《看不见的客人》的故事情节围绕着一个成功的年轻企业家阿德里安·多利亚(由马里奥·卡萨斯饰演)展开。他被控谋杀情妇劳拉,案件的唯一目击证人是自己。为了洗刷罪名,他聘请了一位备受尊敬的律师维尔根·加曼(由安娜·瓦格纳饰演)来帮助他找到真相。
《瞒天过海》将案发点设置于东南亚某国，在人物关系不同的是，该片将假扮律师的被害者母亲变成了假扮成索贿警长的被害者儿子，并且为了铺垫情感，影片对父子感情进行了较长篇幅的渲染，诸如父亲给了儿子一个肾、作为导师对儿子勇敢前行的教导等等。
《瞒天过海》的故事源于一起杀人案,牵涉富商妻子乔文娜(张钧甯饰)和议员之子明浩(尹正饰)的私情。警长郑威(许光汉饰)利用手中的证据,与乔文娜达成交易:帮助她逃避警方追捕,但要求她支付巨额金钱。在交易过程中,乔文娜和郑威相互交换案件细节,揭示了三层瞒天过海的真相。
第一层瞒天过海:郑威编造了一个故事,让乔文娜相信自己是被一个名叫李军的罪犯所害,而实际上李军是郑威的同事,被他利用作为替罪羊。
第二层瞒天过海:乔文娜和明浩的约会引发一系列意外,包括交通事故和地产争端。明浩为保护乔文娜,推下一名老人,二人试图掩埋尸体,却不知这名老人是整个故事的关键。
第三层瞒天过海:揭示整部电影贯穿的暗线,即被藏匿的老人尸体实际是郑威父亲,一年前被明浩撞死,而明浩却逃避法律制裁。郑威和妻子为复仇策划复杂计划,利用乔文娜和明浩的关系,将二人推向罪恶深渊。
7、林超贤《爆裂点》
《爆裂点》讲述了缉毒总督察李振邦和卧底警员江铭秘密执行追捕毒贩计划，无奈遭遇险境，江铭被迫游走黑白边缘，逐渐失控。为坚守底线，昔日队友互生杀意。猜忌、愤怒、疯狂、失望……全员丧失理智，濒临崩溃边缘……
宣发关键词充斥着：“R级片”“三级片”“一刀未剪”“超大尺度”“断肢”“火烧活人”。
编剧试图用血肉模糊冲击观众，却忘记角色要先“有血有肉”，观众的疼也不是纯生理驱动，还需要心理代入。
林超贤对男性动作场面的过度迷恋。“暴力美学”是香港动作导演共同的标志性符号。他们信仰英雄主义，在他们眼里，电影里对暴力完成同样暴力的对抗，就是最好的英雄主义。但“暴力美学”在警匪、帮派、犯罪、兄弟情等故事情节中已经形成了非常俗套的循环，没有新意，只是不断的呈现英雄主义的循环。
在林超贤参与编剧的剧本逻辑里，动作戏或者说，暴力的优先级好像比什么都高，动作戏不是过程，不是手段，而成了目的。
所有人物的刻画，转折，冲突，都服务于属于他的那一场动作戏。从女制毒师，到毒贩老大，毒贩小弟，到警察同事，到男主儿子，制毒师女儿，几乎每一个无关紧要的配角，高潮戏都是动作戏或者暴力场面。
这也是为什么上面他要不断的加入支线，加入新的人物，因为两个男主不会一直进入动作场面，就需要不断的有其他人物的动作戏去填充，这本身就是一种对故事的不自信，是生怕观众停下来，细思逻辑。
另一层香港电影的守旧，也在这部片里展现的很明显——就是男性视角下的的暴力崇拜。传统的港式动作片一直都以男性为主体，男性是故事的主导者，暴力和英雄主义的目的，是展现男性的阳刚和血性，于是对应的女性角色往往被轻视和利用。
《爆裂点》就是这种电影，里面戏份超过5分钟的主要女性角色一共两个，女制毒师看上去是最有野心的，但编剧给她安排的结局是，在毒品交易的乱战中，突然跑到了欺骗自己的前夫面前，想要枪杀前夫，却不忍心，最终选择开枪自尽。为了完成女性角色为了男人而死这种目的，甚至是可以完全不顾之前的逻辑的——女制毒师在之前是拼了命都要保护女儿，一切都为了女儿，现在为了个消失多年的男人，也不管女儿，居然直接自杀了。另一个是她女儿，被利用作为母亲“爆裂”时刻的压力，被性侵，被绑架，被车撞飞，除此之外，这个角色毫无意义。这也导致这个剧本进一步走向“恶意”，对陈伟霆的角色，对几个女性角色，都是一种剥削。
8、保罗金《旺卡》
影片《旺卡》是经典奇幻童话电影《查理和巧克力工厂》的前作,由保罗·金导演,提莫西·查拉梅饰演巧克力工匠威利·旺卡。影片讲述了旺卡是如何从一无所有到成功开办巧克力工厂的故事。《旺卡》延续了好莱坞奇幻童话的类型风格,并有歌舞叙事、鲜艳色彩、个性人物等视觉与叙事上的特色。整部影片仿佛一颗缤纷的糖果,为观众创造了一个梦幻般的甜蜜世界。
1964年,英国作家罗尔德·达尔出版了儿童文学作品《查理和巧克力工厂》,被誉为21世纪最受欢迎的儿童文学之一。《欢乐糖果屋》(1971)是该书的第一次影视化,其中包含了经典歌舞元素,蒂姆·波顿导演的《查理和巧克力工厂》(2005)是在此基础之上的又一次改编。在这部电影中,约翰尼·德普饰演的威利·旺卡是个神秘、古怪、孤僻的巧克力工厂创办者,故事延续了原作文本中诡谲暗黑的风格,叙事重点更偏向于小朋友查理的成长故事。《旺卡》的不同在于,它的人物原型脱胎于原文本,但故事情节是原创的。《旺卡》中的威利·旺卡虽然同样穿着红紫色西装、戴着高高的礼帽,但他单纯、天真,甚至会上当受骗,是个不识字的“乐天派”。影片的叙事重点集中在旺卡开办工厂前的故事,整体风格温馨而治愈。从“暗黑童话”到甜蜜往事,热爱巧克力的旺卡先生始终在创作者丰富的想象力下续写着他的童话冒险。
影片中的旺卡充满干劲，即便梦想一次又一次地破灭，他始终没有气馁。冒险之旅并不是源自他的个人英雄主义，而是为了带领洗衣房那些被压榨的朋友们一同创造属于自己的美好未来。旺卡初见小面条便给了她巧克力，而小面条为旺卡提供了如何避开追查售卖巧克力的灵感，并教他识字；会计爷爷为旺卡找到了一间废弃的店铺；大家分别在街头寻找顾客售卖巧克力。旺卡等人一同为巧克力事业而奋斗，以期摆脱被奴役的现状，而反派们则对他们进行了围追堵截。这一切的导火索实际上都是因为巧克力。当地的巧克力市场被黑帮所垄断，市面上出售的都是兑水的巧克力。神父与僧人们都因巧克力而成为黑帮同伙，警长也在黑帮的贿赂下抓捕旺卡等人。正是这种垄断使得旺卡的事业难以为继。旺卡和旺卡的巧克力的存在恰恰揭露了巧克力的真相，只要旺卡存在，暴露的风险就存在，因此巧克力黑帮不得不瓦解旺卡的团队，试图扼杀一切苗头。最后黑帮分子被绳之以法，巧克力恢复其原本意义，世界重归爱与美好，而这才是旺卡事业的真正开始。在保罗·金的塑造下，旺卡不是孤单奋斗的个体，他在朋友们的帮助下不断成长，并始终用真诚面对这个世界。
9、戴墨《三大队》
《三大队》讲述了一个追凶故事，三大队五人程兵、徐一舟、廖健、马振坤、蔡彬因意外用刑过度致罪犯王大勇死亡，五人被剥夺警察身份，成为囚犯，无法继续追击共犯王二勇，五人出狱后虽然面对生活变故，但依然展开追凶，过程中，徐一舟等四人先后因个人原因不得不中止追凶，最后在程兵的坚持下，王二勇被捉拿归案。
人生常常因为一个错误，而不得不付出毕生的代价。“三大队”的错误，是他们在审讯室里造成了一名嫌犯的意外死亡。他们的错误，看似只是一时冲动所犯下的，然而，命运之神不会同情怜悯任何一个有过失的人。犯下错误，就要付出应有的代价。“三大队”的错误尽管有不得已而为之的理由，但他们毕竟是错了，他们注定要为此付出惨痛的代价。
程兵队长12年的“追凶之旅”，在许多人看来是不可思议的。面对这桩陈年旧案，程兵是以壮士断腕的勇气来迎接这场对他来说不可回避的“追凶之战”也是“人生之战”，在不可思议中寄寓着某种悲壮。在人生这个舞台上，谁也无法预料任何可能发生的事情。人生的不可思议是无法言说的一种宿命感，每个人都无法逃脱宿命的悲剧。从这个角度讲，《三大队》又是对一种更普遍的人生悲剧的隐喻。
首先，人物命运的“悲”产生自人物对内心信念的执着。出狱后，程兵本不必重新追凶。他可以找份工作，挽回家庭，安度余生。他也曾与放弃追凶的契机擦肩——师傅之死真相大白，兄弟们一个个离开，女儿车站送别的不舍。但他执着于“抓到王二勇”,这驱使着他走入悲剧。这份执念来自他对自我身份确认的渴求——作为徒弟，他要还原师傅之死的“真相”;作为队长，他要给昔日并肩作战的队友们一个交代；作为父亲，他要替惨死的女孩讨回公道；作为警察，他身负除暴安良的使命。“不得不悲”的命运漩涡中产生的悲感，是被动之下的凄惨，令观者叹息怜悯；而主人公主动走入悲剧产生的悲感更具崇高性，传递着一种积极入世的超凡人生态度，令观者备受鼓舞、热血沸腾。其次，《三大队》的“悲”并不指向人物的精神状态，亦不是叙事内容的主体，而是语言风格和情感调动的工具。“悲剧”摆脱影像表达的桎梏，由故事本身变为讲故事的方式。苍老沧桑的面容、孤单漂泊的状态等符号雕刻着人物的命运和形象，触发了观众自发式或共鸣式的情感活动。“悲”是过程而非结果，结局的圆满亦使我们能够在对故事回溯中找到悲之于现实和个人的意义。“悲”的价值不必由震撼产生，细水长流、温情细语的叙事中，“悲”被塑造为一种超脱乐观的人生态度。正如程兵，以悲为乐，悲而不自觉，在参透自我中获得圆满与喜悦。这一转变超越电影艺术本身，为悲剧的当代再理解提供了新思路。
10、吕克贝松《狗神》
影片的主人公是道格拉斯，一个从小被父亲和兄长虐待，长大后又遭遇失恋和生活困境的可怜人。他唯一的慰藉就是他的数百只狗，他与它们相依为命，共同生活在一幢废弃的大楼里。道格拉斯在一家异装表演的餐厅里找到了新的工作，也结识了一些朋友，但他的生活并没有因此而改善。他不断地遭遇着各种危机，最终被迫成为一名杀手，向所有伤害过他的人发起了疯狂的复仇。
影片的故事虽然简单，但充满了寓言和隐喻的意味。影片的英文名DogMan，既指的是道格拉斯的名字，也暗示了他与狗的关系，以及他在人与兽之间的身份困惑。影片中，道格拉斯经常穿着一件绣有龙的图案的中式丝质睡袍，这件睡袍不仅是他的舒适之物，也是他的象征之物。龙在中国文化中是一种神圣而威严的生灵，与狗相反，代表了道格拉斯心中的理想和自尊。然而，这件睡袍也是他的束缚之物，因为它让他无法适应现实的社会，也让他成为别人眼中的怪物和笑柄。
吕克·贝松在《狗神》里塑造了一个黑暗和唯美交织的双重童话，而它的内核是关于爱与伤痛的故事。受到亲情的背叛、爱情的中断、现实社会的打击后，道格的人生该何去何从？这是观影时，观众想要得到解答的问题，也是现实生活中残疾人的真实困境。但与一般人不同，电影里的道格拥有了狗狗们纯洁忠诚的爱，他们宛如家人般相依为命。但即便有了一层爱的唯美，也难逃道格命运悲惨的思考。越是与狗狗们的关系亲密，越是展现了一个人被生活肢解后，他所面对的可能是来自社会更大的恶意，而不是所谓的“打开另一扇窗”。苦难的压迫与爱的缺失，是道格人生中无法回避的伤口。
吕克·贝松也想借此讨论一个经久不息的议题：爱能否救赎残破的灵魂？我认为在《狗神》里，我找到了答案——可以。最后一个镜头，道格拉斯从监狱门口一步步走出来，阳光把屋顶的十字架投射放大到地面形成阴影，不同种类的狗狗从四面八方赶来拥护道格。道格倒在地面的阴影上张开双臂，就像耶稣曾代替世人受难被钉在十字架上而死。那一刻他化成了狗神，拥有了一切的神性。只不过他爱的不再是人，是无数只狗狗。
11、马浴柯《怒潮》
故事讲述了横跨黑白两道的洪泰集团，长期暗中从事人体器官交易等犯罪活动，陈安（张家辉 饰）的妹妹便是受害者之一。为报仇，陈安悍然入局，与以警察麦朗汶（阮经天饰）、黑帮成员马文康（王大陆饰）为首的势力短兵接战，各方角力之下，一场生猛混战一触即发。
该影片中，起因是由陈安妹妹陈乐为了给自己哥哥攒钱换新的摩托车，不得已去有偿献血，不料暴露了自己的血液信息。刚好被长期从事买卖器官的黑势力团伙发现其与洪泰集团老总女儿的血型相匹配。洪泰老总的女儿患有心脏病急需换心。谁能想到本是妹妹对亲人的关心却成了杀身之祸。随后黑势力团伙卡洛斯家族在陈安和妹妹陈乐一起骑着新车兜风的时候，将妹妹强行掳走。随后带到郊区匪窝，当着哥哥陈安的面，将陈乐强奸。随后洪泰老总赶到看此情景，扇了小弟一个耳光怒斥怎么能这么对待小姑娘。之后变带走了她。而哥哥陈安被小弟殴打晕倒后投入海里。
故事线的最后，哥哥陈安死里逃生，上岸后被警方通知发现了妹妹的尸体，声称其妹妹意外身亡，并且在死前将心脏捐献给了她人。陈安接受不了现实，准备复仇计划。
《怒潮》在动作设计上展现了高水准，拳拳到肉的打斗场面、精心编排的枪战对决以及大规模的街头混战，无不凸显出影片的硬派风格。
导演马浴柯巧妙运用镜头语言，营造出紧张刺激的氛围，尤其是对峙场景的构图与光影运用，增添了影片的艺术质感。此外，影片的视觉风格呈现出浓郁的“伪港片”特征，融合了现代都市的繁华与黑帮世界的阴暗，形成鲜明的视觉对比。
马浴柯非常清楚自己在动作戏上缺少经验，所以很巧妙的在动作戏上有了大量的氛围渲染，最后得到的效果很成功。
最明显的特征便是大量使用大规模械斗，短镜头，快速画面切换等等小技巧，弱化观众对格斗细节的关注。
同时避免了绝大部分动作戏使用火器，使用拳拳到肉或是冷兵器，让动作戏的残酷性更上了一个量级。
马浴柯在群斗戏上非常有想法，全片有三场团战戏，除去最后的高潮一场，另外两场非常精彩的长廊打斗，用了两种不同的表现形式。
用长长的走廊作为场景，最显著的特点就是空间的局促性，要知道，在有限空间里的肉搏战，比起空旷空间来，能够给予更多压迫感，而群殴所产生的压迫感和血腥程度更胜一筹，另外，也能最大化的弥补打斗细节上的短板。
第一场长廊战斗，发生在黑帮的制毒窝点，情节把这段设定为在一片黑暗中的搏斗，所以除了一些模糊的影子，马浴珂用了大量侧面描写——镜头安排在长廊之外，我们只能透过窗户看到人影晃动，破碎的窗户，被扔出窗户的人，这种侧描能让观众充分发挥想象力，能深刻感受到一种激斗的气息。
另一场长廊战是中后期在医院过道发生的黑帮内斗，这一场就是用短镜头，闪现，碎片化每一个动作，直接的血腥场景来展现最残酷的黑帮之战。
12、《名侦探柯南：黑铁的鱼影》
故事发生在东京八丈岛近海，一座将全球各地警方监控相连接的高科技设施——“太平洋浮标”即将启动。为了与欧洲刑警组织管辖的范围联网，来自世界各地的工程师聚集在这里。基于人脸识别的全新“黑科技”也正在测试中。与此同时，柯南一行人前往八丈岛观鲸，途中柯南接到冲矢昴（赤井秀一）的电话，被告知欧洲刑警组织成员在德国遭到琴酒的杀害。为调查真相的柯南潜入“太平洋浮标”。正当工程师们正在为系统启动而展开准备工作时，一桩案件突然发生！一名女工程师被黑暗组织绑架，她手中存有核心技术的U盘也落入了黑暗组织手中！此时，水下传来未知潜水艇逼近的声音，令人毛骨悚然，一个神秘的黑影也正在悄悄接近灰原哀……
13、《海王2：失落的王国》
温子仁艳惊四座的出道恐怖片《电锯惊魂》从2004年第一部，到2023年第十部，《电锯惊魂》成为好莱坞最长寿的系列恐怖片之一，而温子仁除了执导第一部，也担任了后续9部的制片人。除此之外，他还手握《招魂》和《潜伏》两大恐怖片系列，将西方血浆美学与东方迷离气氛冶于一炉，这些年来惊飞过不少观众的魂——美国曾经通过测试观众心率来评选“恐怖片之王”，温子仁导演的《潜伏》《招魂》《招魂2》三部都进入前十。
小成本、自由度高、票房也容易杀出黑马，恐怖片因此成为不少独立导演跨入好莱坞电影产业的一个理想入口。温子仁就是其一。但他从小喜欢看乔治·卢卡斯、斯皮尔伯格、詹姆斯·卡梅隆的电影，自然不满足于只有血浆片——2015年成功执导商业大片《速度与激情7》后，2018年，他终于获得DC宇宙的入场券，自编自导了由漫画改编的大制作《海王》。
在《海王1》中，温子仁一口气向观众展示了七个海底王国：亚特兰蒂斯、希贝尔、渔人国、海沟国、咸水王国、逃亡之国，还有失落的王国涅克鲁斯。而在续作《海王2：失落的王国》中，除了海底奇观，这一次还将有南极洲登场——剧组在英国的制片厂内制造出一片南极洲的冻土带，再将视效团队派往真实的南极洲进行无人机航拍，最终实现了冰天雪地的南极冰原效果。据说拍摄时为了复刻冰的视觉效果，使用到大量的白色蜡烛，甚至造成了英国的蜡短缺。
《海王2》中的几个重要场景，都有实地拍摄——比如弟弟奥姆冲破监狱，来到撒哈拉沙漠的沙丘。为了拍摄他们穿越沙漠进入大海的戏码，制片组前往英格兰西南海岸，利用5.6公里长的桑顿桑兹海滩天然沙丘取景。等到兄弟俩前往无人岛、穿越丛林，剧组又前往夏威夷拍摄了希亚丛林和马诺阿山谷瀑布的实景。马诺阿瀑布高45米，向下飞入一汪小水潭，这里也被称为“彩虹谷”，因为瀑布溅起的水花经常会在阳光下产生彩虹。电影中，你还能看到哈洛纳海湾海滩——它曾因为1953年的电影《乱世忠魂》而名声大噪，在片中被用作奥姆和亚瑟从海中浮现、前往黑蝠鲼藏身的火山岩岛屿的海岸。
温子仁本人最满意的是火山岩岛屿的“黑暗丛林”景观，那是在华纳兄弟制片厂的摄影棚里用真树和假树一起搭建的，模型制造师和画师与园林团队协作，共同塑造出了热带地区的植物和树冠。随着兄弟俩越来越靠近黑蝠鲼在岛屿中心的老巢，热带植物的损伤和变异也变得越来越明显。这片黑暗丛林是布满藤蔓和畸形树木的恐怖之地，还有一条浑浊的小溪穿流其间。美术部门使用了传统的布景方法，以手绘背景营造出了一片儒勒·凡尔纳小说式的空间，让温子仁式的惊悚变得益发突出。
饰演亚特兰娜的妮可·基德曼所穿的紧身礼服上也有1100多片彩虹色鳞片，全部由手工钉珠。涅柔斯王的金色内搭上使用了30层金色网版印刷，而黑蝠鲼的战甲也是先由铁匠用黄铜在中世纪铁砧上手工锤制，再翻模采用聚氨酯材料制造，使得演员可以轻装上阵，同时也减少战斗时的噪音。
最终海王的金色三叉戟就有三种：一种全机械加工的铝制英雄版；一种采用玻璃纤维（减少重量）；一种采用橡胶和泡沫（用于特技拍摄）。所以说电影里三叉戟有神力不是没有道理——一部电影的成功，除了导演、演员，背后还有无数的手工匠人：CAD设计师、3D打印师、道具制模师、道具建模师，乃至是油漆工。就像海底世界的丰富，不会只有巨型海马。
《海王2》的剧情主线延续2018年的第一部，设定和人物关系上又有所变化：海王亚瑟与曾经的敌人、同母异父的弟弟奥姆联手对抗大反派黑蝠鲼。黑蝠鲼手中拥有强大的黑暗三叉戟，威胁整个海洋的安全，海王兄弟必须抛弃前仇旧怨，并肩作战，才能从即将到来的灾难中保卫王国，拯救家人和世界。
温子仁采用了白银时代漫画的复古科幻风，即20世纪50年代人们对未来设想的外观氛围。我们对此进行了现代化的演绎和改编。这一点在古老的亚特兰蒂斯技术、黑蝠鲼手下的制服和武器以及他庞大的潜水艇和单人章鱼机器人等方面均有所体现。
饰演海王的杰森·莫玛也是混血，有一半夏威夷原住民血统。他也曾有这种两边格格不入的感觉：在夏威夷的时候，人们觉得他肤色太白；到了美国本土，人们又觉得他肤色太棕。温子仁发现，海王这个角色身上其实有着移民的特征，而他自己是出生在马来西亚的华裔，成长在澳大利亚，如今又在好莱坞发展，从小也有相似的经历：“知道自己和大家是不一样的，很多时候都需要去想办法融入大多数。直到有一天，当自己内心真正成熟，才发现其实两边的世界你都可以拥有。”
当被问及电影叫好又叫座的秘诀时，温子仁说：“我真的没有什么秘诀。但我想说，从讲故事的角度来看，对我来说最重要的事情可能是创造你能产生共鸣的角色。它属于什么类型并不重要。”
14、《爱乐之城》重映
出生于1985年的美国青年导演达米恩·查泽雷（Damien Chazelle，以下简称查泽雷），2017年凭借歌舞片《爱乐之城》（La La Land,2016）摘得第89届奥斯卡金像奖“最佳导演”桂冠后，成为该奖项目前最年轻的获得者。在这部使查泽雷载誉而归的电影中，大量引用效仿了好莱坞歌舞片与法国新浪潮电影中的经典画面，同时巧妙得当的音乐情节也凸显出查泽雷不凡的音乐感知力。随着该片在众多颁奖礼上大放异彩，查泽雷也被更多媒体所熟知，并被冠以“哈佛才子”的称号。2007年，他从哈佛大学视觉与环境研究系电影制作专业毕业后，历时两年拍摄完成了音乐片处女作《公园长凳上的盖伊和玛德琳》（Guy and Madeline on a Park Bench,2009）。这部由16毫米黑白胶片拍摄的音乐片，吸纳了实验影像的创作观念，带有鲜明的纪录片质感。随后，他凭借音乐片《爆裂鼓手》（Whiplash,2014）在圣丹斯电影节上的锋芒表现，为自己的导演生涯敲开了好莱坞的大门。2018年，根据詹姆斯·汉森（James Hansen）撰写的传记《第一人：尼尔·阿姆斯特朗的一生》，查泽雷改编拍摄了传记电影《登月第一人》（First Man）。这部查泽雷尝试转型的作品，并未严格遵循原著和史实，而是着重呈现主人公的家庭生活和内心隐伤，反倒使历史人物的情感得以真实浮现。
由于受热爱爵士乐的父亲影响，查泽雷自儿时起便熟悉音乐文化。就读新泽西州普林斯顿高中时，他担任过学校爵士乐队的鼓手，并曾一度向往高中毕业后能去专业音乐院校学习。在经历了高中乐队导师的责难与练鼓的挫败后，查泽雷逐渐意识到自己其实并不具备成为顶级乐手的天赋，随后才将职业规划转移到电影上。应当说，想要成为一名职业爵士乐手，恰恰是查泽雷少年时代的个人理想。在他的作品序列中，电影《爆裂鼓手》可视为其音乐梦想与成长经历的一次“往事搬演”。这部电影的创作缘起，正是源自查泽雷在高中乐队中那段紧张的师生关系与痛苦的习鼓经历。影片中，追求音乐极限的学生安德鲁如同查泽雷的少年缩影，成为导演未尽理想的投射化身。
在查泽雷的电影作品中，不断复现的“引经据典”或“致敬效仿”情节，不仅体现了他与电影的“情感联接”，也标示出其心底的“迷影情结”。
所谓“迷影”，美国批评家苏珊·桑塔格曾在《百年电影回眸》一文中，将其概括为深藏于影史背后的“电影迷恋”（cinephilia）。而当迷影者成为创作者，其内心深处的“迷影情结”（complexe cinéphilique)则将促使其作品具备一种“互文性”特质。有关电影的“互文性”（intertextuality），苏珊·海沃德归纳为“文本指涉文本”或“文本引述前文本”，即“两个或两个以上彼此影响的文本之间的关联性”，并通过“指涉回早期电影，借此向前作致敬”。反观查泽雷的电影作品，这种“迷影式”叙事则主要表现为“引典指涉”与“仿影重构”两种形态。
在《爱乐之城》的高速路群舞场面中，镜头随舞者在车内外与车之间的调度设计，某种程度上是对新浪潮导演雅克·德米1967年执导《柳媚花娇》（Les Demoiselles de Rochefort）开场舞蹈的致敬效仿；当百余名舞者站在车顶时，似乎又重现了艾伦·帕克1980年执导的追梦歌舞片《名扬四海》（Fame）中整齐划一地动作展演。
15、董润年《年会不能停》
电影《年会不能停！》紧紧围绕年会展开，讲述了钳工胡建林阴差阳错被调入集团总部成为金领，在集团年会上揭露了工厂贪腐的高管，最终保住工厂等一系列荒诞而又令人捧腹的故事。
电影在幽默方面通过身份错位、情节冲突及台词与表演等多种手法，营造出轻松愉快的氛围。胡建林这一角色从一个底层的钳工意外晋升为集团总部的金领，这种设定本身就充满喜剧色彩，巨大的身份转变不仅为他带来了种种不适应和误打误撞的喜剧效果，更让观众在笑声中感受到了社会阶层的差异和职场规则的残酷。
喜剧最重要的是情境,人物的戏剧身份跟情境错位,人物行为也会营造喜剧效果。胡建林在标准件厂兢兢业业地工作了二十多年,当他被阴差阳错地调入集团后,原本在标准件厂的行为举止,就与情境发生了错位。将高级钳工放置在他最不熟悉的人力资源岗位上,又将他在工厂里形成的朴素的集体主义价值观置身于现代化以工具理性、管理效率为导向的“大厂”空间中,这种错位因人物的一本正经更显得荒谬。作为钳工的胡建林,他所熟悉的记产品数据、做锤子等技能,被放置在以互联网工作为主导的现代大企业空间里,产生“电梯点名”等戏剧性桥段。
在讽刺方面，通过胡建林揭露工厂贪腐高管的故事线，电影展示了职场中权力与金钱的交易、虚伪与欺诈的盛行。这种揭露不仅让观众对职场腐败有了更深刻的认识，也引发了观众对如何遏制腐败、建立公正职场的思考。
20世纪中期，在荒诞派哲学、黑色幽默文学、存在主义哲学等诸多文艺流派的影响下，诞生了荒诞喜剧这个新的喜剧类型。荒诞喜剧与荒诞戏剧派存在显著差异，前者有具备逻辑性的生动情节，有鲜明的人物形象，有传统的戏剧结构，有清晰的主题，追求一种有痛感的喜剧效果（苦涩的笑、痛苦的笑、悲苦的笑、悲情的笑、因荒谬而牵动的笑）和强大的艺术感染力。荒诞喜剧是喜剧的亚类型之一，因此，荒诞喜剧片按照电影的类型划分属于喜剧的亚类型之一。
另一类现实喜剧电影的特点是现实的荒诞化，即以现实生活为基调，转而寻求其故事内容的荒诞性。通常情况下，在此类电影中，创作者构建的时空背景环境往往是现实生活化的，但是电影中的故事逻辑主线却又带有强烈的荒诞色彩，可谓“真戏假做”。
在近年的国产喜剧潮流中，在现代性反思中加入怀旧的流行元素，比如，《缝纫机乐队》在反思现代性与文化保护中，拼贴了20世纪90年代的流行文化符号，等等。《年会不能停》沿袭了近年来国产喜剧怀旧乌托邦式的类型惯例，拼贴了大量怀旧文化符号的歌舞，为冲突的和解提供了一个仪式象征。歌舞的狂欢让等级世界观这些东西都被统统抛去，人与人之间形成一种新的相互关系。以胡建林为代表的底层员工获得了表达的权力，他们身上代表的传统价值观最终被董事长认同，局势因此被逆转。
16、关智耀《潜行》
影片剧情围绕着4吨毒品秘密抵达香港后人间蒸发的事件展开，幕后黑手竟是看上去人畜无害的精英律师林阵安（刘德华饰演）。
他这个亚洲最大的毒枭，运用黑客、暗网、网络直播等现代科技手段进行贩毒，也正是他利用自己极善于钻法律漏洞的职业优势，在犯罪的路上更加肆无忌惮。
这个“坏透了”的毒枭，当最好的兄弟、最爱的老婆先后遭遇变故后，穷途末路的他彻底疯狂，想要让全世界付出代价。
近两年港片有同质化的趋势，市场趋同化加重，不少港片虽然口碑成绩不错，但市场表现并不理想。但刘德华的作品一直是品质票房保证，之前两部监制作品《扫毒2》和《拆弹专家2》也都打破了港片的票房记录，也表现出刘德华式的港片一直都在突破和创新。
17、韩天《你的婚礼》
影片讲述了一个跨越十五年的爱情故事，主人公周潇齐和尤咏慈从青春懵懂的17岁到经历过风雨的而立之年，在彼此的人生中扮演了不可替代的重要角色，他们的爱情故事却终究遗憾收场，奋力爱过的女孩最后成为别人的新娘。
影片改编自韩国同名电影并进行了本土化的审美落地，在与原版保持着大体情节一致的同时，基于国内观众的审美需求进行了改编。
固定的叙事模式与情节架构，男女主人公从相识相爱到遗憾错过，各种相似情节的设定让观众逐渐产生审美疲劳，类型发展也进入了瓶颈。从叙述视角来说，这类影片可以分为“女性向”电影和“男性向”电影。
粉丝电影：一种符号化的文化消费产品，它借助电影这一载体，以娱乐偶像跨界为电影主创为噱头，来迎合和满足粉丝对偶像过度消费的需求，同时粉丝在电影制作发行的全过程中发挥并凸显主体性。
18、陈小明、章攀《一闪一闪亮晶晶》
最后是在微博、短视频平台、豆瓣等各类型平台，《一闪一闪亮星星》都能做到热搜不断，做到了全方位覆盖和下沉。以12月5日为例，影片在全网一共上了32个热搜，包括“张万森 没票了”“一闪一闪亮星星 下雪场”等等，之后截止到今天，每天的热搜都保持在5个以上。这样的热度，确实是非常罕见的。
《一闪一闪亮星星》主打的就是“张万森下雪了”的“浪漫”和“遗憾”，这是今年上映的电影相对稀缺的情绪。从预售效果来看，《一闪一闪亮星星》一线城市票房比较薄弱，二线、三线、四线城市很迅猛，说明影片的下沉+情绪路线走得行之有效。
剧改影，影片质量令人怀疑。从电影版《爱情公寓》，到《地球最后的夜晚》，甚至包括电影版的《想见你》《一闪一闪亮星星》很难符合观众期待。
19、庄文强《金手指》
一场横跨十五年的双雄对决，揭开了香港黄金时代的黑面纱…上市公司嘉文集团在短短几年间从默默无名到风生水起，再到没落清盘，市值蒸发超过一百亿。幕后老板程一言也从万众瞩目的股民偶像变成人人喊打的过街老鼠。高级调查主任刘启源长达十五年锲而不舍地搜证和跨境调查，消耗超过两亿诉讼费，竟发现局中有局案中有案，牵涉数条人命并波及香港整个上流社会，究竟谁在幕后？谁能逃脱？谁会出局？
《金手指》走的是“双雄”路线，梁朝伟饰演的反派枭雄程一言，原型是香港佳宁集团案主谋陈松青及其百亿元商业骗局，刘德华则化身15年锲而不舍的廉署干将刘启源，先后8次将程一言推到被告席。
导演庄文强运用了大量的静态镜头、慢镜头和特写镜头，以及华丽的色彩和光影效果，营造出一种唯美、梦幻的氛围。同时，影片中的场景设计也极具特色，从繁华都市到荒凉乡村，从豪华舞厅到破旧贫民窟，每一个场景都充满了浓郁的生活气息和情感色彩。创作者以繁复的镜头重塑中国香港黄金时代的视觉“景观”，演员装束、空间设计、色彩渲染、镜头切换无一不设计精妙，处处彰显“港味”风采，这固然与导演本身便是出身香港电影界相关，他曾经以“狂欢”一词形容当时的香港，因此处在其中的人才最能够把握那个时空里的“景观”。
华丽繁荣的时代氛围抽象不可感，于是导演将这种时代氛围外化成金碧辉煌的可视美学，给观众带来极大的视觉冲击。《金手指》在调色上苦下工夫，用色调讲故事。“白天的场景调色是偏红的，我们想做出一种乐观、欣欣向荣的感觉，”影片的主色调——金色则有很多种，“除了闪闪发光的金色，我们还大量使用玫瑰金、哑光的金色等。这些金色没那么抢眼，是有点阴影的，制造一种狂欢之中蕴藏危机的感觉”。与白色等容易让人沉静的淡色系相比，不论是金色还是红色，都是具有鲜明特征的暖色系色彩，这种类型的颜色适合抓人眼球，引导观看者进入一个充满幻想的、欲望纷杂的、更迭快速的世界。片中，程一言斥巨资收购整栋金山大厦，由此“一战封神”。金山大厦的原型——位于香港金钟的美国银行中心，只是一栋普通的白色高楼，影片则将其处理成一栋拥有金色玻璃幕墙的摩天大楼，成为程一言乃至那个时代整个香港的欲望象征。炫目色彩隐喻欲望，欲望又通过各种具象符号（建筑、美金、黄金、女人）得到加强。影片开场，刘启源带着百余名审计人员进入程一言公司，金碧辉煌的公司大堂、蜿蜒曲折的走道、金黄色的巨型吊灯与镜面墙壁的光辉相互折射，无一不透露出纸醉金迷的“港味”美学风格。这栋位于香港黄金地段的大楼在镜头里以金色为主调，映照着程一言的暴富之路。世家公子们集体商议入局操盘股市那场戏中，争论不休时，程一言命手下将整箱整箱的美金倾倒在会议桌上，那种满屏钞票直接涌向镜头的冲击力，让人瞠目结舌。其中最直接的符号是金子和钱，片中的黄金与美元，甚至狂飙的股票指数奇观，都吸引了片中人和观众的注意力，让人在紧张的氛围中血脉偾张。其它布景和服饰也非常讲究，程一言等人都以做工精细的套装亮相，一副意气风发的派头。导演庄文强认为，经济好的时候，做衣服的人都比较大胆，因为总有负担得起的人来买这些夸张的衣服。时代的快车推动人们激情满满地向前行进，一刻不敢停歇，繁荣向上的经济势头和充满欲望的大众面貌一起构成“港味”景观。
尽管《金手指》已经足够“浮夸”，但庄文强说，当年的故事比影片更夸张：“有一件事是我在技术上没能做到的。当时的香港是一个充满霓虹灯的地方，夜晚亮到让人不敢相信。很可惜，这次在影片中没能还原那种缤纷的色彩。”但不可否认，《金手指》已经通过色彩设计、场景搭建、人物服饰、演员表演等多方面尽可能地复刻了浓重的“港味”视觉景观。
20、冯小刚《非诚勿扰3》
《非诚勿扰3》故事发生在2031年，年近七旬的秦奋在近半个世纪的等待后等来了正式结婚的日子，但笑笑加入全球环保组织后离家十年，两人的婚姻和爱情重新进入了悬而未决的状态中。企业家老范作为秦奋的好友赠送了秦奋一台与笑笑一模一样的智能仿生机器人，饱受相思之苦的秦奋很快在机器人笑笑身上感到了久违的安慰和温暖——直到真正的笑笑以环保组织代表的身份回归后，原本一男一女之间的情感困局由于仿真机器人的加入更加陷入了千头万绪无处可解的迷局中，《非诚勿扰3》由此展开了一场关于真实与虚假、人类与“后人类”之间身份与情感的探索之旅。
智能仿生笑笑和真人笑笑虽然具有相同的容貌与“语汇库”，智能仿生笑笑外表甚至更为年轻、脾气也更加温和，它甚至能够还原出秦奋与笑笑过去相处的经历，甚至在家庭场景中说出真人笑笑曾对秦奋说过的“你还真当自己是末代皇帝啊”。相似的场景让秦奋仿佛重温了与笑笑的爱情，尽管是模拟，但也给他带来了久违的温暖。
作为“非诚系列”的最终章，在色彩设计上做出大胆的尝试，导演结合当下流行的多巴胺元素，将高饱和度色彩作为电影主要的色彩风格，打造出五彩斑斓的“童话世界”。
色彩运用看起来是俏皮的，带有卡通化效果的，这不仅仅是因为多巴胺色彩在互联网上的高度流行，更重要的是影片中多彩的世界象征着主角内心的情感色彩，符合电影基调。导演曾在发布会上讲述色彩搭配的灵感来自养老院，剧组在外出勘景时看到一所外观色彩艳丽的养老院，感叹人老后需要童心，恰巧这也符合主角秦奋“老顽童”的形象。所以这一部的色彩可以说是为主角秦奋量身打造的，秦奋虽年近七十，心态却愈发年轻潮流，把自己打扮得阳光明媚，所以多巴胺的色彩运用在他身上最为合适，影片的色彩有“老来俏”风格。
后人类：在《我们何以成为后人类：文学、信息科学和控制论中的虚拟身体》一书中，凯瑟琳将后人类的“主体”定义为“一种混合物，各种异质、异源成分的集合，一个物质一信息的独立实体，持续不断地建构并且重建自己的边界。”
21、郑亚旗《舒克贝塔：五角飞碟》
《舒克贝塔·五角飞碟》主角舒克和贝塔是两位机智勇敢的飞行员，他们驾驶着独特而强大的“五角飞碟”，在广阔的宇宙中展开了一系列惊心动魄的冒险，当他们回到地球时突发意外，穿越到十年后的魔方市。老鼠们的航空公司已经被捣毁，有一伙自称“极盗团”的老鼠们，正在霸占机场做尽坏事！为了重建自己的家园，舒克贝塔加入极盗团展开了一场卧底行动！这一次坚强勇敢的舒克贝塔该如何应对？
这部动画的画风清新，色彩明亮，每一个场景都充满了想象力和创意。在剧情方面，《舒克贝塔·五角飞碟》的故事情节紧凑而富有张力。舒克和贝塔在探险过程中，不仅要面对各种复杂的敌人和危险，还要不断解锁飞碟的新功能，以应对各种挑战。每一次的冒险都充满了未知和惊喜，让观众在紧张刺激的氛围中感受到无尽的乐趣。
22、宇宙之铁《天降大任》
在一场抵抗外星侵略的战斗中，武圣大宇牺牲了。临终前，他叮嘱徒弟小巨兽蒲牢去寻找金箍的下一位传人。懵懵懂懂的蒲牢走遍千山万水也没找到什么金箍的“真命天子”，却一不小心被只野猴将金箍夺了去。
两位误打误撞来到培养天选之子的学院，猴子也被祖师命名为“空”。好景不长，顽劣的猴子很快闯下大祸，和蒲牢一起被逐出师门。地球上，两人遇到准备孤身前往锐铂城营救族人的小女孩努瓦，并被她认定为是救世的英雄。蒲牢和空学艺虽然未精但信心满满，带着努瓦开启了一场跌宕起伏的营救行动.....
《天降大任》破次元融合了东方上古文化和蒸汽赛博世界，丰富的画风让人眼花缭乱。魔法学院巍峨壮丽、仙云缭绕。
23、陈国星、拉华加《回西藏》
影片讲述第一次来到西藏工作的老孔，急需一个翻译，机缘巧合下，找到了在内地读过书的久美，一个是从山东远道而来的热血青年，一个是“见过世面”却不得志的藏族小伙，两个人从矛盾不断到彼此理解，最终成为一生的朋友。
一个汉族的青年走进这片神奇的土地，观众们跟随他的视角进入西藏，从他的眼睛看到了西藏的这片土地和淳朴的人民，以及他们带有自己的信仰的一种生活原状态。
在和藏族小伙久美的相处中，老孔所见所感的很多东西触动了他一个汉族人的内心思想，甚至改变了他的一些思维习惯。藏区外的“现代性”与藏区的“本地性”借由两人的相遇在广阔的西藏草原上交汇，呈现了藏汉两个民族之间的思维碰撞和文化融合。
影片从老孔和久美的语言到饮食习惯再到价值观念，由表及里的多个层次展开，通过平实而不失浪漫的叙事，展现了两个人的深厚友谊，更展现出两种文化、生活方式以及信念体系的和而不同。
在日益进步的电影制作和产出的形式之下，两位导演也选择更年轻化的电影语言来呈现西藏的壮阔之美，也展现了最具烟火气息的藏民生活，故事中蕴含着跨越文化和心灵鸿沟的力量。
24、大卫阿耶《养蜂人》
克莱在乡下养蜂，平静度日。与其交好的房东奶奶帕克，被一场网络诈骗卷走了所有慈善筹款，崩溃自杀。克莱获悉真相后，孤身勇闯诈骗集团复仇。追查中，克莱挖出诈骗团伙背后盘根错节的利益集团，面临疯子特工、权势财团、FBI的接连围剿，游离法律之外的暗卫组织“养蜂人”也牵扯其中，克莱的真实身份也浮出水面。克莱能否凭一己之力对抗滔天罪恶？新的“疯暴”正在袭来……
25、安小满《动物园里有什么》
本片翻拍自韩国电影《秘密动物园》。回顾包贝尔过去5年，可谓是「韩影汉化组」的排头兵。每一次都无所畏惧，越挫越勇。
豆瓣7.6分的日本电影《我的机器人女友》，改名《我的女友是机器人》，仅获3.6分。8.0分经典爱情片《当男人恋爱时》，成了4.7分网大《东北恋哥》。不止包贝尔，近年中国电影翻拍日韩过多，《我爱你！》《二手杰作》《热辣滚烫》……
男主石途，本是一个社畜，受尽了上司的欺压。无意间听说公司有意收购一家动物园，改造成度假村。他计上心头，砸锅卖铁花80万盘下了动物园，做中间商赚差价。没成想，要价太高，对方不收了。动物园砸在了手里，只能赶鸭子上架。由于前园长经营不善，园内目前已不剩多少动物。为了重振旗鼓，石途脑洞大开。让工作人员穿上特制的道具服，假扮动物吸引游客。由此，在银幕上搬出一场闹剧。十八线小城的私营动物园内，居然出现了「大熊猫」。整活能力还不俗，助跑、翻单杠、四仰朝天。于是在网络上火速爆红，迎来大批游客。熊猫繁育中心的博士，慕名而来。自称权威，却在近距离接触下仍辨不出真假。此外，园内「动物们」个个有绝活。袋鼠学起了短视频流行的绕花手。大猩猩表演炫啤酒，每每喝到吐。
26、不思凡《大雨》
中国动画学派以传统美学为内核，以水墨动画意境为风格，诠释了独特的审美特性。导演不思凡坚持利用水墨艺术和传统美学来营造独特的动画电影空间，阐释了“诗情画意”的美学意境，形成了具有辨识度的动画电影风格。
不思凡，原名杨志刚，动画导演、编剧。2004年，不思凡执导了首部Flash动画短片《黑鸟》，正式开启了个人的动画执导生涯。该片通过使用蕴含中国文化韵味的元素，讲述了一个充满想象力的故事。2008年，不思凡成立娃娃鱼动画工作室。2009年，不思凡执导的五集动画片《小米的森林》上映。2014年，他先后执导创作了《妙先生之雁落大道》《妙先生之火泽睽笑人传》和《妙先生之愤怒的鸭子》等三部“妙先生”系列IP动画片。
该片主要讲述了蒙受冤屈的大谷子和弃婴馒头之间相互救赎的“父子情感”，由于“老爷”想要抢夺宝物玩乐，将父子二人逼上绝路。大谷子为了能够和儿子活下来，在大雨之夜，毅然登上古船，实现了个人的重生。
将水墨绘画与动画电影创作相融合，是中国动画学派的重要成就之一。在我国电影民族化的叙事话语中，“中国画”成为贯穿银幕的核心符码。1960年，上海美术电影制片厂盛特伟、钱家骏和唐澄等导演根据同名童话作品，创作了水墨动画作品《小蝌蚪找妈妈》，在鱼、虾等小动物造型方面，通过从画家齐白石水墨名作《蛙声十里出山泉》中取材，不仅生动再现了水墨艺术，也诠释了丰富的中华传统美学。1963年，盛特伟、钱家骏执导了水墨动画《牧笛》，通过以14幅“牧牛图”为创作基础，为观众呈现了蕴含田园诗意美学的江南山水风景。
水墨动画对制作成本、制作技术提出了较高要求，20世纪80年代后，水墨动画艺术逐渐淡出大众视野。随着动画电影创作经验不断成熟，借助数字技术，使水墨动画获得更多表现空间。2003年，水墨动画短片《夏》借助数字科技，为观众提供了独特的视觉体验。此后，《桃花源记》（陈明，2006）、《生生不息》（史国娟，2019）等水墨动画作品，通过将数字技术与水墨动画相融合，赋予观众更加多元的艺术形态和美学体验。
在电影《白蛇：缘起》（黄家康/赵霁，2019）中，导演将CG技术与水墨画的美学表达手法相融合，不仅模拟了基于“水漫金山”场景的真实感，也实现了动画视听范式的积极突破。此外，动画剧集《中国奇谭》（陈廖宇，2023）、动画电影《长安三万里》（谢君伟/邹靖，2023）等多部动画作品通过将水墨艺术的创作技巧应用于创作过程，不仅诠释了独特的水墨艺术风格，也为观众呈现了独特的视听奇观。
以电影《大护法》为例，作为水墨彩绘的二维动画，通过对水墨、线描等绘画技法进行“活化活用”，杂糅多种元素，共同描绘了充满人文色彩、美术风格的视觉场景。在场景构建时，通过采用水墨写意的技法，以大场景铺排的方式进行渲染，建筑场景则使用线描淡彩的绘画技法。在建筑室外场景设计上，通过突出东方美学风格，以“虚实相生”的写意手法，不仅赋予观众极具层次感的美学空间，也借助水墨画的构图关系，为观众营造了空灵、宽阔的想象空间。
电影《大雨》在细节设计时，通过使用中国戏剧脸谱、傩戏面具和水纹云纹等传统美学元素，戏鼓船、人物服饰等民俗美学元素，使观众对中华优秀传统文化形成直观认识。动画电影《大护法》通过围绕故事剧情涉及的历史、早期电影艺术的表现手法，使用斜襟、连帽的窄袖袍衫等服饰，借鉴隋唐时期的壁画风格，不仅丰富了影片的视听符号，也在“润物无声”的叙事意境中，传递了独特情感。“无对白”或者“少对白”是我国水墨艺术的重要特点，也是传统美学的生动体现。
“大雨”既是电影《大雨》的创意核心，也是主要美学意境和美学背景，通过利用即将下雨时、大雨中、狂风骤雨和大雨过后等不同阶段来隐喻完整的人生变迁。在描述“大雨之夜”时，通过将画面中的光影、叙事氛围等细节进行认真打磨，营造了水墨画的视觉场景。在美学意象方面，通过设计黑暗世界下，身处大雨中的两个人相互依靠、相互关爱，产生了打动人心的温暖情绪。
27、菅浩栋《夜幕降至》
《夜幕将至》的故事发生在春节将至的严冬时分,三十岁的北漂青年梁哲前往山西故乡参加爷爷的葬礼。在他的返乡之路上,梁哲从县城到村落接连换乘了四种不同的交通工具,旅途中邂逅了令他心动不已的年轻女孩、久未见面的长辈与旧友,甚至还有他的初恋情人。梁哲与他们的车上闲聊流露出对家乡变迁的感慨,也像一阵微风轻轻吹动了梁哲内心深处的波澜。冬日故乡之旅的颠簸与换乘恰似他人生旅途中的种种转折与变迁,让他开始审视自己的生活和未来。根据导演菅浩栋在电影评分网站上的自述,这部电影中的大部分情节都取材于导演本人多年过年回家途中的亲身经历,尤其是明确的时间地点几乎还原自他对家乡的主观认知。
“故事发生在我的老家陕西省忻州市河曲县,刚好位于晋、陕、蒙三省交界处,有条黄河把三省分开了,从我家河曲可以看到黄河对面的陕西,直线距离很近,但却也很壮阔,到了冬天整条河面都是结了冰的。”在影片中,导演也对河曲地区的冬日北方乡土景象进行了多样化的详尽描绘。镜头反复在结冰的黄河上升起过摇过,在拍摄人物动作时以全景拍摄枯草覆盖的山峦,以主人公的主观视角凝视裸露石壁上结满的粗大冰棱等,尽显晋西北地区冬日凝重荒寒的独特气氛。
近年来,中国影坛出现了等许多在特定氛围下描写地域季节特征的现实主义影片。例如大部分故事发生在东北冬天的《白日焰火》《东北虎》,影片拍摄于东北却避免了展现哈尔滨等都市的繁华和俄式风格,小城镇工业的怀旧景象与迟滞缓慢的叙事节奏紧密结合,展现了地域性的社会变迁和焦虑;《路过未来》则主要聚焦在春夏之交的深圳,通过对城市景观和人文环境的描绘展现了万物生长的时节新一代深圳人李耀婷在深圳的生活轨迹,以一座欣欣向荣的南方城市在春夏之交的繁华与喧嚣写就了一部关于深圳的“城市寓言”。这些电影将季节描绘与地域生活描写相结合,表现出“空间作为一种对逝去时间的能指和作为记忆的映照物的现实意义,探索电影空间如何使记忆时间成为被讲述的可能”,也开启了以抒情方式描绘诗意现实的可能空间。
《白日焰火》《东北虎》《过年》《吉祥·如意》《平原上的摩西》等描绘东北冬日景象的电影以优秀的艺术质量引领创作,大雪覆盖的乡村、炊烟袅袅的农舍、银装素裹的钢铁厂以及人们围坐在炕头火炉旁“唠嗑”的场景。
《夜幕将至》中的灰暗的色调更多是处于真实的背景,导演通过独特的视觉语言设计展现出晋西北地区冬日特有的寒冷、萧瑟、凝重与寂静。黄土高原本身沟壑纵横、多山多岩石的地形地貌与矿业乡镇上大卡车缓慢行驶、煤烟与烟尘滚滚的地表环境成为影片营造独特氛围的重要资源。《夜幕将至》的画面中常常出现枯枝败叶、滚滚尘烟以及被冰雪覆盖的黄河与山体岩壁。影片前半段在色彩上以白色和灰色为主调,营造出一种华北午后寒冷而荒芜的视觉感受;后半段则运用更多暖光与暖色,将冬天的寒冷与人物内心的温暖相对比,或将冬天的寂静与人物情感的热烈相对比,在冷色基调上营造出傍晚与夜晚沉静而深远的氛围,也以色彩的变化展现梁哲在寒冷的冬日中缓慢改变的生存状态和情感变化。
梁哲旅途中复杂的情感体验不仅与地理环境的冰封凝固相呼应,更与电影男主人公内心的严肃、沉寂状态形成巧妙的隐喻,并深刻揭示了一种“回不去的故乡”的深刻主题。
28、孙虹《烟火人间》
纪录电影《烟火人间》是国内上映的第一部以UGC纪实短视频为影像来源的竖屏院线电影。影片通过“拾得影像”的手法将当代的短视频文本改装成经典的电影文本，并在媒介的冲撞与融合中拓展了纪录电影的边界。
《烟火人间》所采用的创作手法在电影艺术实践里被称为“拾得影像”（Found Footage），即对“事先存在的影像”进行回收和再利用，通过“编纂、拼贴和挪用”完成对现成影像的二次创作。不同于常见的、以历史档案性资料为拾取对象的汇编纪录电影，《烟火人间》创新地拾取当代媒介文本中的现实影像，并毫不避讳影像的非原创性，甚至在某种程度上主动邀请人们重视它们的“回收”过程，以反思“短视频”与“电影”媒介差异性。
在《烟火人间》开始创作的2018年，仅快手单一平台上的短视频日产量就达到了1000万条，原创短视频库存累计逾80亿条。其中虽然不乏娱乐的、创作化的内容，但真实的“自我”记录作为一种经济的、低门槛的社交方式，占据了不可小觑的规模和体量。因此，移动社交短视频媒介的出现，标志着纪实影像的生产正式进入“全民”众创的时代。它从两个层面颠覆了“精英”时代的纪录电影创作：首先是“对象”上，从对“他者”的记录转变为对“自我”的记录；其次是“规模”上，从有深度的、稀缺的“作品”式创作，转变为无深度的、过剩的“碎片”式创作。这两种颠覆为纪录电影“真实”观念的嬗变提供了基础。
在《烟火人间》中，人们看到的不再是被精英拍摄的“他者”，而是水稻户拍摄的农民、纺织女工拍摄的女工、卡嫂拍摄的卡车司机、建筑工人拍摄的工人。在这些自我显影的“主位”影像中，首先存在着大量外来者所无法获取的内部视角，如塔吊女司机可以将手机固定在塔吊的机械臂上，让机械臂成为全网最大的“自拍杆”；又如在给卡车加油的司机突然回头“吓唬”正在记录自己工作的妻子，使得拍摄关系成为拍摄内容的一部分。
29、麦启光《临时劫案》
《临时劫案》由尔冬升监制、麦启光执导，郭富城、林家栋、任贤齐等主演的一部多线叙事的黑色幽默动作喜剧。整部影片讲述了郭富城饰演的悍匪梅蓝天、林家栋饰演的的哥阿怂、任贤齐饰演的破产社工慕容辉三人阴差阳错之下合伙打劫的故事。在此过程中，一个单人打劫的小年轻、两个想要证明自己的菜鸟警察、一个搞不法交易的黑帮团伙共同构成了故事的多条叙事线索。在这种多线叙事之下，巧合、调包等黑色幽默效果便自然而然产生了。
郭富城一口龅牙的扮相是最直观的混杂着凶残和土气的黑色幽默表征。他在给人报酬之后的台词“说谢谢”，以及杀人前的那句“sorry”，都是戏中非常具有喜剧色彩的细节。同时，片中采用的巧合、调包、阴差阳错的设计等也全都是喜剧片惯用的手法，收获了意料之中的幽默效果。梅蓝天可谓是三个主要人物中塑造得较为圆熟的，这个人物身上，有着传统香港警匪片中反派人物的悍匪气质，同时又折射出港片转型期的多样化探索，无论从造型还是人物性格设置上，都带有一定的新鲜感。
影片一开始便是一场精彩紧凑的打劫戏，悍匪梅蓝天龅牙造型出场，行事狠辣却又自带浓郁的乡土气息，打劫时干脆利落，面对中枪兄弟，他表达兄弟之情的做法是“补一枪”。在狠辣之下似乎又带着几分道义。整个抢劫的枪战戏十分精彩，打劫的小车在逼仄的小道上左奔右突，时而切入的俯瞰大全景镜头带出了香港这座城市的在地特色：繁华拥挤而又乱中有序。香港电影人历来擅长城市巷道内的追车戏，纵使车道狭窄，校车和警车之间的追逐也仍然游刃有余，总能在道路转角处峰回路转。梅蓝天便是在这样看似走投无路的境况下进退得宜，最终溜之大吉。紧张、刺激又带着几分喜感和新鲜，这段戏一出便立住了梅蓝天的职业劫匪人设。更妙的是，在梅蓝天这伙持枪悍匪的打劫之中，鱼目混珠了另一位持刀打劫者，两场劫案同期发生，戏内迷惑警察，戏外迷惑观众，让人弄不清两伙人的来路，同场戏内颇增添了几分观影乐趣。
在悍匪梅蓝天打劫的同时，一路之隔的社工慕容辉忙着报案寻找养老院内走失的老人，结果警察到场后第一时间怀疑他虐待老人。慕容辉为维持养老院欠了一屁股债却受到如此指摘，自然憋了一肚子气，对面的抢劫大案突然给了他赚钱的“灵感”。另一位主角的哥阿怂也早早出场，载上了当地黑帮团伙成员（林雪饰演），一路上被老婆远程视频骂、被黑帮乘客挤兑推搡又逃单。一场戏，一个又怂又压力山大的中年男人形象栩栩如生。几条线索渐次展开，在叙事线索的铺散和交汇中，中年人的压力在打劫中完成了癫狂的释放。
30、陈咏燊《还是觉得你最好》
当一名主演的个人表演具有强烈的风格标识并能带动整部电影的戏剧节奏和氛围时，也会用演员的名字来指称一类电影，如“李小龙电影”“许氏喜剧”“成龙功夫喜剧”“周星驰无厘头喜剧”等。从这个意义上说，《还是觉得你最好》可以被看作是一部标准的“黄子华电影”。
在香港，黄子华和他开创的“栋笃笑”是一个独特的文化现象。所谓“栋笃”，在粤语里是“一个人站着”的意思。1990年，在香港无线电视台怀才不遇的黄子华，将自己多年从艺的经历和体悟编成剧本《娱乐圈血肉史》，并用单口喜剧（Stand-up Comedy）的形式进行演绎。令人意外的是，这种源自西方的喜剧形式在经过本土化改造之后，竟然大获成功。此后的三十年间，黄子华陆续创作了《跟住去边度》《须根Show》《拾下拾下》《哗众取宠》《越大镬越快乐》《洗燥》《唔黐线唔正常》《金盆啷口》等多部“栋笃笑”作品。其自成一派的幽默风格和对社会、人生的独到见解，深受香港市民的喜爱，演出所到之处一票难求，黄子华也成了香港家喻户晓的喜剧大师。
翻红之后的黄子华跨界到电影行业，其主演的《沙甸鱼杀人事件》（1994）、《金装香蕉俱乐部》（1996）、《男歌女唱》（2001）、《一蚊鸡保镖》（2002）《情意拳拳》、（2006）、《呖咕呖咕对对碰》（2007）等影片大多反响平平。近年来的《栋笃特工》（2018）和《乜代宗师》（2020），尽管凭借其超高的人气登顶了当年的香港本土电影年度票房冠军，但都被冠以“烂片”之称。这里面除却剧本的硬伤之外，最大的问题还在于“栋笃笑”的喜剧形态与电影艺术样式的结合显出了相当程度的不适应性。
有别于“无厘头”“开心麻花”等通过夸张、恶搞、戏仿等手段密集地制造笑料的狂欢化的“显性喜剧”（Overt Comedy），只有一个人站着进行聊天式表演的“栋笃笑”是一种“隐性喜剧”（Covert Comedy)。其幽默主要产生于“逻辑的错位”，即通过话题的设计和语言的铺叙制造两条反差的逻辑，让观众在一条逻辑转向另一条逻辑的过程中，先感到一条逻辑的落空，又顿悟另一条逻辑的落实，瞬息之间收获逻辑趣味的满足感，才是幽默运作机制的诀窍。因此，“栋笃笑”更加注重逻辑的严密性，产生的“笑果”不是感性的哄堂大笑，而是理性的会心一笑，往往带有一种喜剧的“高级感”。
然而，电影是一门运动的艺术，如果简单地将“栋笃笑”的幽默方法挪用到电影上，显然会造成艺术风格的矛盾。因此，在过往的几部电影中，黄子华要么有意识地削弱个人风格的辨识度，加入更多动态表演的程式以迁就电影特性；要么坚持自我的表达方式，但同样又造成其与戏剧整体以及其他演员在艺术风格上的脱节。
“栋笃笑”与电影长期存在着的兼容矛盾，在《还是觉得你最好》中得到了有效的平衡。首先，影片采取了时间、空间、冲突高度集中的“三一律”的古典主义戏剧结构。整个故事概言之就是“一个家，六个人，四餐饭”，所有情节都发生在母亲留下的老宅里，几乎没有转场。而在餐厅发生的四场吃饭的戏，刚好对应了冲突的建制、对峙、高潮以及解决方案。这样精巧的设计，赋予了影片一个相对静态的空间，使得剧情的发展以及笑料的铺陈与揭晓更多地依靠对话推进，为整部影片的“黄子华风格”奠定了基调。
当前语境下大众观念里认知的“港味”应该指的是对经典香港电影的集体记忆，它既包括各种能令人勾连起香港地域文化或经典香港电影印象的显性的外部特征，如拥挤的都市空间、幽默的粤语俚语、夸张的情节表现等；也包括从经典香港电影传承下来的人文精神和核心价值的隐性的内部特征，如重情重义的社会伦理、惩恶扬善的道德观念、对人性复杂性的多元探索等。
影片还穿插使用了许多香港流行文化的符码，反复指认对老香港的情感记忆。例如影片的主题曲《还是觉得你最好》，就选自张学友1993年发行的一首老歌。影片中不仅出现了一张吴宇森执导的电影《英雄本色》的海报，还借用了片中周润发饰演的Mark哥的经典台词“我等了三年，就是想等一个机会”。这些碎片化的符号贯穿了整部影片，无处不在地昭示着“港味”的留存。
而更为重要的是，《还是觉得你最好》继承和发扬了香港主流电影中“寓教于乐”的文化传统。众所周知，“二战”后香港电影的兴起，离不开上海电影业“南渡”带来的人才和技术的支持。早期中国电影中存在的以浓厚的戏剧化色彩技巧理论体系为表、以从功能目的论出发的电影叙事本体论为里的“影戏”美学传统，也跟着延续下来。
31、张超理《花千骨》
IP，即Intellectual Property，直译为知识产权，更多是指适合二次或多次改编开发的原著小说、影视文学作品等。IP剧就是利用这一特征，在拥有一定粉丝基础的原创作品上进行再塑造的一种影视剧形式。在“互联网+”时代背景下，IP剧形式多样，题材丰富。同时，受强大粉丝基础数量的影响，IP剧的数量层出不穷，并逐渐形成一条成熟完整的产业链。
《花千骨》讲述了一段感人至深的爱情故事。女主角花千骨深爱着她的师父白子画，为了拯救他的生命，她愿意付出一切，甚至牺牲六界众生。然而，她的付出并未得到回报，反而被白子画当作惩罚的理由，这让花千骨心生怨恨，逐渐变得冷漠无情。在花千骨自尽后，白子画意识到自己曾经坚信的献身信仰是多么可憎，并萌生了毁灭六界以换回花千骨的念头。最后，花千骨重生为一个痴傻幼童，而白子画则渴望与这个幼童重写爱的篇章。
《花千骨》IP获得观众的认可与喜爱除了演员的因素之外，重要之处在于内容上对民族传统价值的表现。主要在于宣扬个人的坚强努力；表现爱情的忠诚忘我与无私；追求人生幸福的真谛在于维护天下苍生的幸福等。同时表明对师徒恋的肯定。这些核心因素加之情节的曲折跌宕，仙魔人之间的冲突不断都促成了电视剧的成功。
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