三品寻美丨诗书画印——范银山谈综合素养
《三品寻美》，我们又见了。作为一位书画艺术家，必须要有综合素养，他的艺术才能够发挥的更全面更好。诗、书、画、印是对艺术家衡量的一个四绝。
比较典型的有吴昌硕、齐白石，他们都做得很好，今天请来的范银山老师，他在这方面也在努力的做出了很多成绩，那么我们从这方面跟范老师一起聊聊，先从诗聊起。我们通过你的一张画来开始。
好。画家不见得都是一个诗人，但是要有一颗诗心，要懂诗，要读诗，包括文心的萌养、诗心的阐发，以及对于诗的一种意象的理解，包括一些诗意的、境界的感悟，这个是需要每个从事传统书画的学人要具备的一个能力。
我这张画的是一个冬日的雪景，就是上面诗堂部分写的一个《枯树赋》。画面前景是以枯树去表现雪景，然后在丛林深处有两只锦鸡，这也是画面的一个画眼。
▲范银山作品
比较传统的题材，加一些点景人物，或者是一些鞍马，表现场景，宋人善于造境，用现在的话讲，就是你的画面要有诗意，要有故事性。文心和诗心很重要。
我17年有一个展览，名字就叫“吟山放怀”。吟山放怀一个是跟我的名字谐音，第二我想表达的一种情怀，是放怀天地，啸傲山林的得大自在的状态。其实我的绘画表达的主题一直就是向往自在自由的情怀。
但在过程当中，一定是要去表现画面的诗意、意境。就像这张冬日的雪景，可能更多的还是一种对古诗词，包括禅宗的寂静里边孕育的生机一种表现和追求。
所以说诗心，说的是诗书画印要综合，这一颗诗心确实让你感受到真善美，让你提高对审美的感觉，对字画的一种表现能力。还有欣赏的时候带着诗心去欣赏，会对画面里读到更多的一些信息。
嗯，说到真善美，其实真是最重要的，我们是什么样的人就去表现什么样的状态。
美其实也是多种多样的，粗犷是一种美，阴柔也是一种美，阳刚也是一种美。每个人的美是不一样的，无有高下，只要适合自己。
本身没有好坏，写字画画的时候要知己知彼，从过程当中自我觉受，你是什么样的性情就自然的流露出来。只要自然流露出来，那一定是美的，真实是最美的。
各美其美，美美与共。
我们人要诚其意，那表现出来的东西就是最真实的，真实的东西就是善的，善的东西一定是美的。
我们一直说中国文人画最经典的必须要诗书画印四绝。那么书法方面，你刚才说在诗心方面，不一定自己写诗词，但是只要有诗心去发现美，用诗心的修养去创造美，这是诗。
书法方面你在学习过程中经历了些什么？你觉得怎么才能够让书法的美更好展示？书法跟绘画的审美有什么异同？
以前古人也说过书画同源。其实同源同的就是心。如果是一个好的书法家，历史上凡是画的好的人，书法都不会太差的。
虽然也有一些人像仇英不太擅长写字，但他善于落款。包括古人所流传下来的经典，大师的作品，首先他书法绝对是过关的，包括近现代的黄宾虹、齐白石、张大千，没有一个书法是差的。
▲齐白石书法作品
▲张大千书法作品
所以实际上都是互为萌养的状态。可能他不太善于刻印章，但不影响他去欣赏印章。
所以书画同源这一方面，我们看一张画的时候，我会看他见不见笔。如果他没有抑扬顿挫的一些笔法融在线里面，可能这张画的就不耐看了。
嗯，是的，笔法是相通的。
因为张彦远说过：“绘画是本于立意，最后是归乎用笔”你有再好的思想，再好的境界，最终还是要归到笔墨上去表现。
我提出一个观点是“品画四意。”首先看“意构”就是他心里面想创作一些东西，就自然会有一个构图的理念，还有表现的一些景和想法。
然后必须要“意笔”，没有笔法表现不出来。你刚才说的笔不到的话，意肯定是不可能到的。
对，是表现不出来的，我们的笔墨，有很高的审美，要求的是清雅不拙、浓焦不燥、渴笔见润。种种的包括干裂秋风、润含春雨。
黄宾虹说过：“筑基于笔、建勋于墨。”他笔墨一定是非常高超的，很高超的。
本身笔墨虽然是一个内容，但它更大的是代表中国画的审美，要没有笔墨，谈其他的那都是什么？都是皮相。
徒有其表，皮相没意义。笔墨是要见精神的，这个能反映出一个人的学养，一个人心识上的认知。笔墨是有高度、有境界、有次第的。不会是单纯的几根线条，几个墨法。
虚实对比就是中国书画的一个审美。我们还提到第三个意是“意象”。我想通过你一张作品来理解意象。这是你在前些年创作的一张画。这张画是一种意象表达的一个典范，你讲解一下。
我是特别喜欢，只要我自己满意的画，基本上都是水墨，不做颜色。符合我自己审美的，我画的越快越满意，我画的时间越长，它可能上的颜色都不是我得意的作品。
就是缺点什么，用颜色来补。
对呀，虽然这张画是16年的一张旧作，但是一直挂在我自己家里。因为当时我画这张画的完全是无意的一种画法。
所以怎么说呢？其实我一个比较好的状态，就是在无欲无念无想的情况下，我也不知道我要画什么，画着画着慢慢明晰出来的。
如果是带着经营，带着我要去画什么，我要去立意，这个地方放什么，那个地方构图，去经营的话，一定是画不好的。
▲范银山作品
因为我在绘画当中，去体会我自己作画，当时的那个心境往往是在没有任何念想，没有任何欲念，也不需要考虑我给别人画的，人家藏家喜欢不喜欢，也不会有任何诉求非要画好它，往往是在一种什么状态下，无意于佳乃佳。
苏东坡说的那种理念。在这个理念里边我越画越自信，越画可能就把我带到很陶醉的那种状态里了。
所以这张画也算是偶得的一个作品，其实是很快的。这个纸张当时都是一张很差的纸，不是好的纸，可能好的纸我这种心就变了，当然这种是一个很洒脱的状态。
毛笔在前面起承转合的过程当中，你的心是意随笔后的。到了那一刹那，就分不清你是在用毛笔还是毛笔在用你。
那个过程当中，那毛笔就是有灵的，这种灵性给人的感觉就是跟庄周梦蝶似的，你都分不清。
物我合一了。
物我合一。那个状态下，就是真正的是一种无为法去临帖。
心手双畅。
心手双畅对，你的心内外合一。达到那个状态，人的心意跟笔意是相通的。
所以你这样画是在这么一个状态下，很快速的完成。
对，很快速的完成。然后你回头再理解，这些东西我可能都没有去刻意的经营，可能就是笔随机而发的，任性恣情的状态下呈现的。这种可能就是所谓的我们心流上的心流所现。
北宋的时候郭熙写过《林泉高致》。很多人引用的自古以来是“三远法”。你这张画，就在无意之中把三远法表现的淋漓尽致。
其实中国画不像西方绘画讲焦点透视，它都是随机的。可能面对高山，是一种仰望的视角，可能看见河流或者是像千里江山，相当于坐在飞机上俯视的一种场景。
你可能看见纵深的景深感，远处的溪流，婉转流过来的那个状态。好像是一个长焦镜头，一种深远的状态。其实这就是中国绘画的高妙之处，它是散点透视。
所以同时三远融在一张画上确实很少见，你这张做到了。
谢谢。
《溪山行旅图》是高远，毫无疑问是典范。倪瓒比较善于表现平远。平远比较难表现，比较辽阔。
▲郭熙《溪山行旅图》
对，你刚才说的《溪山行旅图》，其实它行旅的队伍前面有一个是什么？有一个溪流。其实那块溪流也有一点深远的状态。
▲郭熙《早春图》
其实它的重点是可能表现高山的一种巍峨的感觉，包括《早春图》的感觉，就类似于《蒙娜丽莎》的画面后面背景的景深的一个风景的状态。都是相通的。
他们在平远方面没有那么明显。你这张画平远方面就做的可以。当然我们说到诗书画印，画也说了，还有个印没说。为什么对刻印那么专注呢？
其实我画画写字刻印章，按道理来讲刻印最早。我刻印那会儿也没有老师，就是我八九岁的时候就喜欢刻，那会儿也刻过萝卜，也刻过大理石。
那么小的时候，那大理石很硬，以前也没有那种石头，包括最早的塑料印，就是有机玻璃。以前我就喜欢，我们当地有赶集，那个时候还有专门刻印章的，就是领工资要盖的楷书印。
现在楷书印，我也能刻，因为那个时候就是有使不完的精力。再一个是刻印章的时候，有一种成就感。刻完了以后很有成就感。
所以在这个过程当中，也是因为当时身边没有高人指点，就自己瞎刻了多少年，通过买书也看，后来90年代末，我去见过一次卢沉先生，他对我的启发倒是很大。
我后来就开始系统的临摹汉印，包括先秦战国玺印，到后来的明清流派印，我也喜欢。
▲范银山作品
但是人的精力毕竟有限，我大部分刻印章，无意于佳那个状态，反而是我不需要迎合任何人，这只是以文会友的一种形式，或者是我自己画面里边要用到哪个印章，我想起来需要有个什么印语，我自己刻一下。
▲范银山作品
我也没去刻意去创造一个风格，基本上就是按照我对古代的印章，审美的古朴、那种自然，崇尚的是在这个点上，去追求自己的风格，也没有说我要刻一个别人没有的风格。
▲范银山作品
没有。就在这个过程当中，也有好多前辈一些书法家喜欢我的印章，我也给很多书法名家刻过，一些前辈刻过印。但印章只是我个人的一个爱好，没把它当一个职业。
我们一直说诗书画印四绝作为一个大家的前提条件。像吴昌硕、齐白石他们都是在这方面特别擅长，你也在这方面在努力着。
是。见贤思齐嘛。因为作为一个文化人，还有画家，当然是要去对标像陆俨少说的要血战古人，但是我们做不到，那就心向往之。
还需努力，谢谢你的光临。
好，谢谢。
