1943年生于韩国庆尚南道统营
1965年毕业于韩国首尔大学
1969年扬名韩国美术大展
70年代三次奔赴日本开展
1975年参加巴黎双年展
韩国著名前卫艺术家
韩国“物派”代表人物
现工作生活于统营
家乡统营的大海
沈文燮1943年出生在统营，这是一个被韩国南部海岸岛屿环绕的半岛。在沈文燮的年轻时代，韩国在总体上，尚且处于农业社会之中。
众所周知，一个人的童年经历和成长环境，往往会对这个人的艺术创作产生影响。在沈文燮看来，正因为他从小成长在一个拥有美丽风光的海滨小镇，所以他才能够自然而然地与大自然产生联系。
“我相信我的艺术灵感来源于这样一个童年。”沈文燮说。
首尔是韩国的首都，也是韩国的枢纽。因此，长大后，沈文燮的生活主要以首尔为中心。他在首尔完成了学业，成为了艺术家。随着沈文燮的岁数到了老年，他感到，自己在首尔的工作室，显得越来越局促了。
“我需要一个更大的空间，在统营找到了一个。我很高兴搬到这里，因为这是我的家乡。”他说，“现在我在巴黎有一个工作室，我也在那里创作。当我在巴黎工作和在统营创作时，我觉得创作的本质是不同的。”
“我觉得根据视觉和位置的不同会有轻微的变化。无论如何，在统营创作很好，因为空间很大。在首尔很难找到这样的空间。因为艺术家的作品诞生于工作室，所以工作室的环境是至关重要的。”
沈文燮还补充说：“另一件事是食物。我小时候喜欢吃的所有食物都在我的家乡。因为通勤很方便，我可以充分利用我的时间。统营是最适合我工作的地方。”
对于像沈文燮这样的艺术家们来说，“今天的大海”和“昨天的大海”不同，它也不可能停留在一个地方。最初，他表达的是整体的海洋，或时间的概念。
沈文燮还说：“我不会一边看海一边画画。我指的是在我脑海中留下深刻印象的海的形象。对我来说，大海是一个不断变化的实体。”
有时，他想象大海是美丽的，而另一些时候，他想象它是动荡的，因为台风。有时，他觉得它有一种时间节奏，波浪进入和离开存在。
他认为捕捉海洋的各种内涵是很重要的。所以，他不是用他的眼睛去观察海洋的颜色，而是依靠他记忆里的东西。
“我在北京花了两个月，在巴黎花了几个月做平面作品。即便如此，我还是会说，我是通过参考记忆中的图像、颜色和形状来发展我的逻辑的。”沈文燮说。
但他又认为，他应该在绘画中加入稍纵即逝的元素，而不是一些随着时间的流逝分解成碎片的、瞬间的图像。
这演变成了一种模式，而这种模式在无限的规模上获得了秩序。它会无止境地扩张。当观众观看沈文燮的画时，他们会看到一个连锁反应向各个方向蔓延。
“我相信张力和共鸣是重要的，对稍纵即逝的单一元素的表达导致了我现在的作品。”他说，“但你永远不会知道。何时以及朝什么方向转变，仍有待观察。但可以肯定的是，它不会停留在一个地方。”
The Presentation
布面丙烯
162 × 114 cm
2013
雕塑与绘画不可分割
沈文燮在大学的专业是雕塑。“当我们在学校学习雕塑时，我们获得了雕塑家的头衔，并立即直奔正轨。”他说，“因为雕塑是一种材料艺术，所以我处理了大量的材料。”
在沈文燮看来，以前，艺术家们是雕塑的中心，他们可以随心所欲。他觉得，材料很重要，因为材料和艺术家需要从一个平等的角度呼吸和相遇，以产生特定的结果。
在那个年代，与其他雕塑家相比，这是一个非常独特的理念。比起左右形状，他更关注材质，更关注包含什么样的材质。
然而，有一天在巴黎，尽管他并没有打算成为一名画家，但他却在偶然间发现了一块画布，于是决定尝试一下。他没有想，“就是这样。从现在起，我要成为一名画家！”
但是在不知不觉中，他渐渐成为了一名画家。他想：“也许我应该试一试……”。他进一步认为，“尽管有人觉得雕塑是最好的艺术形式，但绘画才是艺术的真正本质！”
“雕刻和绘画有什么区别?事实上，这两种类型是难以区分的。然而，许多看过我的画的人评论说，‘有许多雕塑元素’。这是因为我的画包含了大量的三维元素。”
“可能因为我是一个雕塑家，同时也是一个画家，所以这些元素在我不知道的情况下被表达出来。在这方面，这是我和其他画家的区别，这可能是一件好事。”
事实上，当他在雕刻的时候，他就已经有一种想要尝试绘画的欲望——这种欲望似乎爆发了！“所以现在我花更多的时间在平面作品上，而不是雕刻上。”沈文燮说，“这种变化对我来说很自然，也很适合我的生活方式。”
他认为，即使当艺术家们在雕刻的时候，绘画的行为也一直存在，把这两者分开是不可能的。“当然，工具也从锤子、凿子变成了刷子、帆布、颜料等等。”
“我还想提出一种更基本的绘画方法。”沈文燮说，“例如，我喜欢把我小时候游泳、玩耍、深潜的经历传达到画布上，我希望表达一个相当好玩的概念。”
“首先，它很有趣，我深深地沉浸在其中。从某种意义上说，它可以与在水中潜水和挣扎相媲美。我潜入水中，观察一个我无法从水面上看到的世界，体验别人没有的感觉。”
“此外，我希望脱离目前的极简主义理论。极简主义的形式是刚性和具体的，我想与之保持距离。如果人们在观看我的画的过程中形成了某种想象的世界，或者找到了自己的对话空间，我就很满意了。”
在他的绘画理论中，他预计事情不会总是按计划进行。“首先，我把油画漆涂在表面，然后是丙烯酸漆。因为油排斥水，所以不能很好地粘在一起。”
“然后我热情地画了几十次。如果我画了几十次，那么以前的图像将被删除，并创建一个新的图像，防止出现相同的图像。”
“随着时间的流逝，颜色逐渐褪色，动作变得有条理，结果是我从未预料到的秩序。通过这个过程，我觉得我已经到达了一个我可以构建的有限的世界。”
不仅如此，有些时候，沈文燮还会直接使用丙烯酸颜料，而不使用油画。“即使我不使用油画，我也觉得我可以在保持控制的同时随波逐流，而不是匆忙地画所有的东西。”他说，“偶尔我还会涂底涂，有时不涂。”
沈文燮还说：“我的绘画生涯开始得有点晚。因为我开始晚了，我觉得好像我必须弥补失去的时间，就像落后于学校的作业一样。”
一直走在艺术道路上
沈文燮在1965年毕业于首尔大学，参加了许多国际展览，从1992年开始在巴黎和家乡之间穿梭，但他的艺术生涯仍然深深受到海洋环境的影响。与自然的亲近和潮汐的周期性运动至今仍在启发他的雕塑、装置和绘画。
1969年，在韩国国内极具影响力的“韩国美术大展”上，他获得了第一次成功。沈文燮在他的作品中使用了不锈钢和丙烯酸，打破了流行的雕塑规范。
他在1969年共同创立的“第三形成协会”和1970年加入的“韩国先锋协会”等团体的参与，使他迅速成为韩国美术界的重要人物。
沈文燮深受韩国艺术家李禹焕的影响，他认为李禹焕为分散的、不太倾向于理论反思的韩国艺术界带来了结构和方法。在20世纪70年代初，随着“物派”运动的兴起，他在韩国也发展出了“物派”运动。其中，李禹焕是“物派”运动的主要理论家之一。这种新的创作方式帮助沈文燮开启了辉煌的国际生涯。
他曾于1971年、1973年、1975年在日本展出，并参加了巴黎双年展。他建立了一些原则，部分源于道教和禅宗，这些原则至今仍支配着他的作品:寻求不同元素之间的平衡，拒绝主要被理解为塑料研究的雕塑，以及允许每种材料表达自己的愿望。
自20世纪80年代以来，他经常使用粘土制作基本的几何形状，主要是立方体和石板。他通过弯曲和折叠来试验材料的弹性，有时将其推到极限，强调其特性，同时尽量减少自身作为艺术家的参与，并且还探索了粘土材料的表现力。
相比之下，对于木材，沈文燮倾向于让它们自由地表达自己，同时留下可见的痕迹。这包括对表面的耐心处理，通常稍微不均匀，以及各种异质形状的组装。除了使用各种材料外，沈文燮还制作了许多二维作品。
他对图形艺术领域的主要贡献是他于2002年开始创作的一系列多产的帆布画。对于沈文燮来说，这些作品与他的雕塑并没有根本的区别。让观众沉浸其中的大幅幅作品与基于相同、重复的手势的简单构图的结合，暗示了画布之外空间的存在。
在沈文燮看来，每个人都有自己独特的生活方式和要扮演的特定角色。到目前为止，他一直在走艺术家的道路。
“艺术在某种意义上不是补偿性的。你创作艺术不是为了得到回报；你这样做是因为你喜欢。”沈文燮说，“随着我对作品的深入，创作出更多的作品，我得到了别人的回应，得到了观众的支持，这给了我新的能量，也开阔了我的视野。”
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