在日本读油画专业是什么样的感觉呢？在日本学习油画专业，特点之一就是自由，无所限制！从日本美大的毕业作品就可以看出来，不仅有绘画作品，还有油彩、水彩、丙烯、立体、装置艺术等各种形式的作品，表现形式和材料都可以由学生自主选择。当然，不仅是表现形式，作品表达上也尽显自由。如果你想深入了解一下日本美大的油画专业，今天CHIART就以多摩美术大学油画专业的优秀毕业作品为例，让同学们提前了解一下啦：）时间与情感对我来说是既野蛮又如幻觉般的存在。它们与那些被捕捉为现实的物理存在交织缠绕，产生了抒情性的事物。这意味着我的存在是从否定性的投射中建立起来的。我试图构建现实。虽然称之为现实，但它可能始终指的是那些失去的时间片段。这些现实曾由记忆和感受力建立，并通过记忆和感受力扩散和融解。我只想作为一个观察和记录的存在，想再次看到那些失去的时光。![]()
LI的作品，不需要从被放置的物品、绘画，或声音（音效）中解读出意义。严格来说，在创作过程中完全忽视物品的意义是不可能的，创作者本人也一定有选择这些物品的意义和理由。尽管如此，观众却不需要从LI的作品中感受到这种意义（思考）。这看似矛盾，但当意识到这种矛盾时，人们对物品的看法就会发生变化。LI对物品的看法是即使存在矛盾，意义和无意义之间仍在两极之间拉扯，使得物品既有意义又无意义。这样的看法就像在感受到树木摇曳的声音时，没有任何意义却令人感动的那种直觉性目光。
原子啊，我啊，你啊， 颜色啊，形状啊， 那些曾经交汇的 却无法回忆起的言语啊 ![]()
很多人都有一种成见，只将绘画解读为有意义的（具有故事性）作品，或者相反，将绘画视为一个没有语言介入的无分节的乐土。貝吹的绘画并不是那种充满幻想的作品。貝吹通过与科学家的对话所创作的绘画（双面绘画，从天花板吊挂的画作），并不是为了使对话在画面上以有意义的形式呈现。或许，他试图描绘的是那些需要意义但即使意义消失仍然存在的东西。这些东西不仅存在于意义中，也不仅存在于无意义中。它们有形却无形，例如，能同时唤起意义与无意义的共存性、光、声音和原子的联想。
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这四年来，我的主题一直是“有趣是什么”。但这同时也是束缚我的语言。尽管我尝试了各种方法并且走了很多弯路，但最终我意识到，直接表达我认为有趣的东西对我和我的作品来说是最好的。于是，我放弃了那种虚假的有趣，开始如实地表达自己。这也促成了“アン倉”的诞生。我把我觉得有趣的东西都装在这里了。然而，因为觉得这些东西并非主流，所以把这群地下的作品称为“アン倉”。尽管其中有些部分是怪诞的，但这是我追求的既有趣又轻松的怪诞——“怪趣”，这些作品并不只是吓人，还有点让人发笑。同时，这次能得到优秀作品的荣誉，不仅是我个人的努力，也是许多人协助的结果，因此我深表感谢。
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在主要作品《欲望与绝望》中，画面的表现方式与之前那些从后方向前方喷射出彩带般的突出透视法相反。画面中，拿着花束的白西装男人和骷髅等各自静止不动，而观众的视线则在斑马群的追逐下，避开滴落的血液，潜入画面的深处。每次拜访伊倉的工作室，他总是像展示自己发明的玩具一样，热情地向我解释他的各种创作。我心里一边说着“嗯嗯”，一边暗自感叹。他甚至为每一件小作品都赋予新的名字，仿佛在实验室中享受化学反应的乐趣。悲剧和灾难在他的作品中总是转化为光明，这种魅力深不可测。而他本人对此毫不在意，我希望他能继续从那深处（地下）发出光芒。
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《开放的女性……是绘画作品》主要使用保鲜膜作为支持体，灵感来源于多米尼克·安格尔（1780-1867）的作品《グランド・オダリスク》。这幅作品是我迄今为止创作的最大尺寸的作品，在构思、绘画、运输和安装等各个方面都费了很大功夫和精力。能够最终完成这幅作品，要感谢那些认真倾听我拙劣解释并给予建议的老师们。回顾这段经历，虽然这对我来说有些超出能力范围，但我还是很高兴自己接受了这个挑战。在创作过程中，有很多事情只有亲身经历才能了解。在下一次创作中，我希望能利用这次的经验，更加周密地计划，创作出更大规模的作品。![]()
如何从绘画的传统样式中逸脱？在这样的姿态中，可以感受到对权威性事物的独特抵抗。特意选择完成度极高的《グランド・オダリスク》作为题材，强行在其平面性中引入立体感。即使使用的是塑料瓶或保鲜膜，也不认为它们比画布逊色。通过使用这些材料，似乎在寻找自己绘画的方式。有趣的是对材料的处理方式。因为几乎不重视这些材料本身是什么或本该如何使用，所以将自己发现的方法强行应用于不熟悉的材料，连接方式有时过度，有时又极其脆弱，细节常常令人惊讶。这种表达的能量创造出了独一无二的独特作品。
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有一种说法认为，月球是地球的一部分。根据这一说法，月球和地球原本是一个整体，由于陨石的撞击而分离出来。月球的诞生离不开地球，因此我们对月球充满了思念。在37亿年前地球诞生后，万物不断地生生灭灭，最终诞生了最初的生命。尽管这些生命通过复制而繁殖，但有时会出现错误，从而演化出各种不同种类的生命。因为这些生命最初都是由一个细胞演变而来的，所以植物和动物也并非完全不同的存在。当我们登山时，对树木产生亲切感，或许是因为它们和我们一样，都是从同一片海洋中诞生的生命吧。![]()
千島横跨多种造型艺术类别进行创作。例如，为了悬挂画在布上的绘画作品，千島用木头搭建架子，放置自然石块并用棕绳捆绑。支撑画布的柱子是通过削减和扭曲已经变成木材的角材，尝试将其重新变回树木的状态。这是一种模糊并整合绘画和雕塑等类别的尝试，进一步连接到一个更大的命题，即恢复在美术或艺术诞生之前，生活与创作或绘画之间直接联系的维度。这一理念也体现在千島的画题中，通过将人作为自然的一部分处理，成功地让我们想起曾与山川草木、花鸟风月共存的时光。
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1年1个月1天1小时1分钟1秒
人们将时间划分为段落
并按照这些周期来生活
时间不顾我们的意愿，持续不断地流逝
从我出生（2001年8月10日）到
我创作这件作品的日子（2024年1月5日）， 经过了8184天
相当于1169周加1天
或268个月加27天
将这些数字转换成时间，虽然比想象中要少，但仍感到经历了无数的时间
如果将1天等同于1厘米
则根据拍摄的时间将当天拍摄的照片贴上
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津吹的毕业创作，从出生的2001年8月10日到创作这件作品的2024年1月5日，共经历了8184天，这个天数正是作品标题的来源。作品的结构非常简单：将每一天对应的1厘米长的铁丝上缠绕当天拍摄的照片，但这一过程却需要巨大的持续力。投入到这项创作中的时间，成为了作品本身所承载的时间，而观众通过这根铁丝上刻画的津吹的时间和记忆，也会面对自己自身的时间和记忆。当这些平静地刻画的时间和记忆在展览空间中展开时，空间同时也会出现一种无法刻意制造的美感，这种美感与铁丝所创造的线条之美一起展开，使得那些看不见的时间和记忆被可视化，令人深深着迷。
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空的箱子可以装进各种各样的东西。如果像《俄罗斯方块》一样整齐地放入，感觉会很好；而随意放置时，往往会比预想的容量要少。如果装不下，也许可以改变箱子的形状。 我一直认为自己是一个空虚无聊的人。但换个角度看，这也意味着我可以成为任何东西。虽然我并不特别，但也不是平凡，一个人的生活只是存在在那里，只有通过其他人才能得以体现。我是你，你也可能是我。 想到这些，我仍然觉得画画是件好事。 海洋是美好的，每个人都喜欢。天空也很好。对于这些大家都知道的事物，应该如何去表达呢？这是否可能做到？面对这样的无力感，並木尝试了绘画、影像、装置等各种表达方式。並木的作品在质与量上都非常动态，但她没有特别强调自己独特的视角或创新的切入点，也没有挥舞强烈的言辞，而是追求真实的表达。並木可能一直在海边徘徊，仰望天空，持续地询问自己该做些什么。曾经有说法，人们在使用文字之前能听到神的声音，也许她在那些地方听到了海洋和天空的声音。
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我从生活圈中的景色中借用形状来创作绘画。当我尝试改变这些形状的颜色和线条时，与之相应的词汇和界限也会发生偏移变得模糊，逐渐消失。形状和词汇的消失或显现方式，因观察的对象不同而异，似乎显示了自身与对象之间的距离和关系。我希望通过绘画，继续自觉地探讨与对象之间的距离和关系，以及自身对外界的观察视线的性质。当画家面对对象并绘制它时，这个对象的功能和意义常常会被溶解和改变。实际上，正是这种现象让我们感受到绘画的魅力，也一直吸引我们去从事绘画创作。然而，同时这种绘画对象与绘画本身之间的距离也过于根本，以至于我们很容易将其美妙地遗忘。支倉的创作就是从解决绘画这一问题出发，而不是通过美学或批评的言辞，而是将其视为当前自身的问题。没有什么新的事物出现。但我们总是必须从现在这里开始。如果没有这种盲目的行动，我们无法承担绘画数万年的历史。这样描绘出的新画作，在绘画的法则中，通过笔触和颜料的厚度，成为一种新的存在，与我们建立起关系。
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庭院接纳了从远方土地通过风飘来的种子，绽放花朵，成为保护和安抚人们的家的一部分。它不断与外部社会相连，同时作为人们内心精神世界的一部分存在，其中共存着多样的生命。每一种生命都如同闪烁的光芒般美丽，所有生命都是平等且神秘的。基于对这种庭院的构思，我制作了一件以母亲对已故祖父母的家中庭院的访谈和威廉·萨洛扬的小说《渡冬的蜂鸟》为基础的作品，这件作品由影像和绘画组成。它既是对抗严酷社会的庇护所，又是一个解放自我、摆脱传统固定观念、分享知识和经验，以更自由地生活在未来的场所。![]()
当我坐在电车里，或者走在街上时，时常会突然陷入这样的思考：这里到底是哪里？为什么我会在这里？在这一刻，我们与经过漫长岁月形成的眼前事物对峙。畑山的作品以一种像幼儿园发言会那样的纯真，像蜜蜂一样轻盈的姿态，和像草芽萌发那样的决断力，让我们意识到这些。虽然非常个人化，但却不带怀旧；虽然戏剧性十足，却不喧嚣。面对这种直率的表达，我自问：我到底与自己面对了多少？我究竟是什么样的人？
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本作以地中与地下世界为主题，旨在通过大幅绘画来表达悼念的情感。作品受到树根的启发，通过描绘自然中变迁的事物、蠕动的生物以及生命的存在，来表达对消逝事物的怀念与尊重。房间后方的窗户透进自然光，绘画与空间融为一体，通过渐变和质感的描写来呈现。观赏者可以在画布上行走，利用色彩、气味、触感等各种感官来捕捉作品。这种体验与平常观赏画作的距离感大相径庭，试图从不同的视角与作品对话。在充满无奈与悲哀的绘画空间中，我如同树根般坚韧地寻找“生存的未来”，并寄托了对失去之物的思念。原田的毕业制作是一件使用整个房间的装置艺术作品。进入房间后，两侧悬挂着描绘了树根和树枝的画布，这些画布以U字形延续到房间深处的自然光下。通过U字形的悬挂，人工的垂直和水平空间被消除，营造出一种仿佛迷失在树海中的眩惑感。此外，房间里弥漫着油画用油的气味，将空间从观赏的对象转变为感官体验的对象。观众在画布上行走的观赏方式，也通过鞋底的触觉创造了作品与观众的融合感。在这里，人类与树木混杂，感官从树干延展到树枝，再到透进光线的外部空间。原田可能希望通过将意识连接到房间内部看不见的外部，来维系那些不存在或已失去的事物。
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在生活中，我尝试表达季节特有的风、土壤气味、光线和湿度等外界观察所带来的感受。受到了绘画过程中产生的抽象笔触和颜料现象的启发，继续推动创作。 三部连作的标题“crepuscular”指的是在黎明或黄昏时分活动的动物，如狗和老鼠。我将自己在薄暗时间中漫步并扩展想象的状态，比作这些黎明黄昏动物。 ![]()
作品标题中的“Crepuscular”直译为“薄明薄暮性”，是对昼行性和夜行性动物的描述。从二年级开始，牧野便以自己居住和熟悉的土地为主题，创作了由十几幅相对较小的画面构成的作品。这些作品不仅仅是眼前风景的呈现，也像是映射了土地上的某些东西，或者与之相关联的自我，仿佛是“地图”。 毕业创作中的这件作品，通过从观察中获得的感受，以及通过绘画过程中的自明性问题和触发，集中精力像在薄暗的环境中蠕动的小动物一样，用更为自觉的绘画语言继续对峙。尽管它们作为系列作品存在，但每一幅画作都获得了独立的抽象性和自立性，充分表达了牧野的世界观现状。
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在进行“绘画”这一行为之前存在的确切事实。这些事实成为了“绘画”之外的动机，使得油画颜料被涂抹在画布上。
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千葉 正也准教授点评
正直地描画。松泽在某个时刻决定了这样做。例如，将大量红色颜料挤出到调色板上，用粗大的画笔毫不犹豫地在大画布上画出长长的笔触，就会出现强烈的红色线条。这看似无可奈何的平凡之事所蕴含的魅力，以及绘画所拥有的根源性力量，松泽首先正面地将其表现出来。这种毫不矫情的能量，能够毫不费力地自然运用，正是优秀画家的标志。看到松泽的画作时，我不禁想起了这一点。
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日高 理恵子教授点评
由绘画作品和雕塑作品创造出的光与影、平面与立体、优雅与粗犷、写实性与抽象性等各种对立元素交织而成的空间。这正是満添的毕业制作，这个空间本身深深地触动了我的心灵。这个空间的存在，毫无疑问是由各自的绘画和雕塑作品本身所组成的，正是因为制作过程中所经历的冲突，才形成了这样的空间。这种时间的积累产生了令人惊叹的层次感和紧张感，使其既轻盈又坚实。満添对自己作品始终保持非常严格的态度，有时让我觉得可以多一点珍惜自己的作品，但作为表达者，这种态度是非常正确的。我对他对表现的强烈渴望和挑战送上最诚挚的祝福！
