贝浩登（巴黎）欣然呈现Koak于法国举办的首次大型欧洲个展“玛格丽特湖”。此次展览是这位常驻旧金山的艺术家与贝浩登的第二次合作个人展览，同时画廊亦宣布正式代理Koak。此次展览提供了多重切入点来探索Koak的作品，展览中的形态与色彩所释放出的能量令人即刻感受到其强烈的存在感。Koak受过漫画这一视觉媒介的训练，并擅长于将线条的塑造能量带入绘画领域。她将线条比作一种贯穿其创作（绘画、雕塑）的“语言感知”，而这语言的“语调”或“声调”可以随着曲线的轻微变化或笔触的粗细而发生显著变化。
蓝色南希, 2024. Flashe乙烯颜料于亚麻布. 188 × 149.9 cm. 摄影：Chris Grunder. 图片提供：艺术家与贝浩登
在此次展览的作品中，传递自传性主题的脉络虽不明显，但其中对于家庭和代际关系的隐晦表达值得玩味。Koak在多幅作品中唤起与家人之间的联结与回忆，以不同的细节与抽象手法呈现出来，如三幅“窗户肖像”中对祖母（《蓝色南希》）、母亲（《绯红》）以及她自己（《绿窗中的自画像》）的描绘。
此次展览的四个展厅分别体现了Koak创作中的核心主题。第一个展厅呈现了她在人物形象不断探索中对抽象与现实之间的研究。这一展厅引入了一个反复出现的母题——贝壳和螺旋形，这两种形态不仅象征着与自然的联结，同时也隐喻着我们身体与外部世界之间的界限。作为主展厅的第二个展厅突显了一个受保护、安全的空间概念，并展现了内部与外部之间那些转瞬即逝、不可捉摸的过渡性空间的复杂特质。第三个展厅展示了艺术家的绘画与雕塑作品，整个空间被浸染在淡蓝灰色的色调中，仿若天空，给人一种旅途中的停顿感，亦犹如一段内省时刻。第四个展厅围绕展览的灵感色彩——绿色展开，突显了家庭空间与自然之间脆弱而紧密的关系。
绿窗中的自画像（致敬洛伊斯·多德）, 2023 - 2024. Flashe乙烯颜料、丙烯、亚麻布、葡萄籽液态炭. 188 × 149.9 cm. 摄影：Chris Grunder. 图片提供：艺术家与贝浩登
Koak在色彩上的表现力极为出色，从大幅作品到纸本作品，再到真人大小的雕塑，她都展现出了极高的掌控力。仔细观察她的作品，细节之精致亦无处不在：如在《风向标》里深红色人物的彩虹眼眸、《舞者》中绿焰环绕的舞者隐约可见的肉粉色皮肤，以及《马格利特之门》中象牙色涡卷的质感，这些都源自她在画布上精心涂抹的由工作室收集的铅笔屑制成的颜料。
风向标, 2024. Flashe乙烯颜料、丙烯、亚麻布、葡萄籽液态炭. 188 × 149.9 cm. 摄影：Chris Grunder. 图片提供：艺术家与贝浩登
在这些神秘的形象与场景背后，隐藏着一个精心编织的主题，连接着两个看似毫不相干的事物。其一是展览标题所指的湖泊，三音节的名字唤起了她与家人度过的童年夏日时光，湖边的清爽泳池是艺术家单纯而快乐的回忆。但如同蕾切尔·卡森（Rachel Carson）著名生态学著作《寂静的春天》（Silent Spring）开篇的寓言所述，这种田园诗般的场景属于过去。那个曾经的天堂，如今位于密歇根北部的地点正被军事基地排放的化学物质无情摧毁。Koak在最近的一次采访中透露：“我记得在密歇根的童年时光，绿色既代表了祖父小木屋周围生机勃勃的森林，也代表了我们每年夏天游泳的玛格丽特湖的绿色水域，但我们当时并不知道湖水已被污染。” [1]
绯红, 2023 - 2024. Flashe乙烯颜料、丙烯、亚麻布. 188 × 149.9 cm. 摄影：Chris Grunder. 图片提供：艺术家与贝浩登
第二个主题则围绕19世纪最受欢迎的颜色之一——翠绿色展开。这种色彩在当时有多种演变（如舍勒绿、巴黎绿），它们被广泛用于纺织、印刷及绘画中。然而，如同那片湖水，它也充满了致命毒性，因为这种颜料是由砷的衍生物制成的。据称，这种颜料曾导致了喜爱使用它的塞尚罹患糖尿病、梵高的神经失调以及莫奈晚年视力的减退。在20世纪30年代的巴黎，这种颜料甚至被用作毒鼠药。
美好的记忆常常因认知的坍塌而染上阴影。无形的危险侵蚀了一切，即使是那些本应创造美的事物。一种颜色也可能被用来消灭所谓的有害物种[2] ，这一切都完美地概括了此次展览中的二元性主题。Koak指出：“我特别关注这种颜色既能展现生命的活力，又能象征疾病的双重属性，自然的二元性既必不可少又时常充满危险。这种在生命的生机勃勃与疾病的阴影之间的摆荡贯穿了整个展览。展览探讨的正是这种介于两种世界之间的边缘空间。” 展览的统一地点——那片湖泊，完美地作为这一模糊性的隐喻，使多种解读在彼此矛盾的流动中交织重叠。
马格利特之门, 2023 - 2024. Flashe颜料、樱桃核液态木炭、丙烯和石墨于亚麻布. 218.4×174.6 cm.摄影：Chris Grunder. 图片提供：艺术家与贝浩登
复杂性是Koak艺术实践的核心。然而，值得注意的是，这种复杂性并非倾向于某种忧郁，而是不断展示一种二元性的原则，这一原则构成并深刻地塑造了她的艺术实践。在她的作品中，自然是阴影，风景是身体，而那片湖泊则赋予了女性角色的名字。随着心理世界与现实场所的融合，本应安全的避难所也暴露在光线之下。在《蓝色南希》中，那名女子究竟处于画面前景还是背景？在《绿窗中的自画像》（致敬洛伊斯·多德）中，人物的身体是窗外的倒影，还是屋内的幻影？艺术家通过层层叠加的手法构建作品，使得其解读往往扑朔迷离。边界空间无处不在，几乎每幅画布都表现了一扇窗、一扇门或一条通道，模糊了记忆与梦境、观察与幻想的界限。甚至此次展览中从历史中杰出艺术家作品中汲取灵感的三幅作品似乎也直接源于她的想象力。 [3]
舞者, 2023 - 2024. Flashe乙烯颜料、丙烯、亚麻布. 200.7 × 301 cm. 摄影：Chris Grunder. 图片提供：艺术家与贝浩登
展览最后一间展厅的核心作品《舞者》描绘了三个融入自然环境中的人物，远处的家居空间在地平线上隐约可见。Koak重申：“这种不同人物描绘方式的游戏延展了展览中的边界、健康与疾病主题。” 这幅画深化了我们与自然之间的过渡空间探索，突出了我们完全存在于身体中的状态与解离体验之间的紧张关系。三名舞者——象征着Koak的母亲和她的两位姐妹，在暴风雨中欢快地跳舞，指向对韧性、再生与生命的庆祝。观者被吸引到这庆祝的场景中，仿佛也在反思自我与身份、记忆、联结的流动且模糊的关系。
[1] 《Juxtapoz》2024年秋季季刊。
[2] 考虑到其艺术活动对生态足迹的影响，Koak在她的工作室中实施了可持续的实践，包括一套创新的系统，用于过滤因清洗画笔和工具而积累的化学污染水。
[3] 《舞者》让人想起了马蒂斯的多幅舞蹈作品，以及威廉·布莱克1786年创作的《奥伯伦、泰坦尼亚与普克与仙女共舞》中的细节；《马格利特之门》则参考了勒内·马格利特1932年的作品《意外的答案》；《绿窗中的自画像》（致敬洛伊斯·多德）则基于美国艺术家洛伊斯·多德1971年创作的《温室窗中的自画像》。
KOAK于贝浩登（巴黎）个展“玛格丽特湖”展览现场, 2024. 摄影：Claire Dorn. 图片提供：艺术家与贝浩登
