“ 地圖萬象 ”
2024
米兰国际艺术周
“ MAPPE ”
2024
Milan International Art Week
主办单位/HOST
ISOLART画廊
ISOLART GALLERY
Gli Eroici Fuori当代艺术中心
Gli Eroici Fuori Arte Contemporanea
意大利NOMYA文化发展协会
ASSOCIAZIONE NOMYA
主要合作单位/ ISTITUZIONI COOPERANTI
意大利国家美术协会
ASSOCIAZIONE NAZIONALE DI BELLE ART D'ITALIA
MUCCHI国际文化中心
MUCCHI INTERNATIONAL CULTURE AND ART MANAGEMENT LTD
德国联邦州驻华联络处
SACHSEN GMBH FÜR DIE SÄCHSISCHE WIRTSCHAFT IN CHINA
德营投资管理公司
DEYING INVESTMENT MANAGEMENT CO., LTD
意大利共和国报
La Repubblica
意大利国家报
La Nazione
KORE当代艺术
KORE ARTE CONTEMPORANEA
ARTIME SPACE
奥古斯塔艺术中心
AUGUSTA S.R.L.S.
Lory美术工坊
LORY DIGITAL FINE ART
展览地点/LOCAZIONE
Gli Eroici Fuori ,Via Melzo, 30 - 20129 Milano
展览时间/DATA
Gli Eroici Fuori
03/06/2024 - 08/06/2024
开幕式/VERNISSAGE
Gli Eroici Fuori
03/06/2024 18 : 00
Rossella Tesi
芮雪
Xue Rui
Gli Eroici Fuori策展团队
Team curatoriale Gli Eroici Fuori
学术主持/COSULENTE ACCADEMICO
西尔维娅·阿格里奥蒂
Silvia Agliotti
Corrado Agricola - Stefano Borghi - Aria Chi Yan Chan - Xiaolu Zheng & Jinxiu Chen - Lefan Feng - Antonella Gandini - 高小雅 - Emma Gu - Mathijs Hunfeld - 蒋瑛 - 金德雨飞 - 李梦竹 - 李明 - 李明睿 - 李宽 - 李思敏（小恐龙）- 李蔚青 - 练冰蓝 - 刘吉 - 刘姝伊&奉亚楚 - Xia Liu - Sonia Marin - Silvia Noferi - 欧阳熠 - Roberto Pupi - Walter Puppo - 任惠中 - Duccio Ricciardelli - 师迪威龙 - Kai-Chuan Shih - 宋德志 - Kaouteur Souibgui - 谭崇正 - Charles Chao Wang - 王令怡 - 王密 - 汪森琳 - 项晨露 - 杨翼群 - 杨雨萌 - 叶舒冉 - 叶之璇 - Mia Zhang - 张天尘 - 钟鸣 - 周松竹 - 朱卫新 - 者盈盈
Corrado Agricola - Stefano Borghi - Aria Chi Yan Chan - Tinchan Cheung - Xiaolu Zheng & Jinxiu Chen - Lefan Feng - Antonella Gandini - Xiaoya Gao - Emma Gu - Mathijs Hunfeld - Ying Jiang - Sophie Dezhao Jin - Mengzhu Li - Ming Li - Mingrui Li - Kuan Li - Simin Li（little dinosaur)- Weiqing Li - Jenny Ping Lam Lin - Ji Liu - Shuyi Liu&Yachu Feng - Xia Liu - Sonia Marin - Silvia Noferi - Yi Ouyang - Roberto Pupi - Walter Puppo - Huizhong Ren - Duccio Ricciardelli - Diweilong Shi - Kai-Chuan Shih - Dezhi Song - Kaouteur Souibgui - Chongzheng Tan - Charles Chao Wang - Lingyi Wang - Mi Wang - Senlin Wang - Chenlu Xiang - Yiqun Yang - Yumeng Yang - Shuran Ye - Zhixuan Ye - Mia Zhang - Ming Zhong - Songzhu Zhou - Weixin Zhu - Yingying Zhe
艺术家分享与参展作品介绍
钟鸣 - Roberto Pupi - 杨翼群 - 欧阳熠- 刘姝伊 & 奉亚楚 - 项晨露 -汪森琳
Ming Zhong - Roberto Pupi - Yiqun Yang - Yi Ouyang- Shuyi Liu &Yachu Feng - Chenlu Xiang - Sally Wang
- 钟鸣 -
- Ming Zhong -
钟鸣(Ming Zhong)，1964年出生，中国工笔画学会理事、湖北省美术家协会理事、湖北省工笔画学会执行会长兼秘书长、湖北省国画院原副院长，湖北美术学院教授、硕士生导师，中国美术家协会会员、中国书画世界行湖北委员会副主席、中国水墨巨匠艺术研究院主席、湖北开明画院副院长、民进武汉开明画院院长，民进湖北美术学院直属支部主委、湖北省知识分子联谊会湖北美院分会副会长。湖北省美术院特聘艺术家、武汉画院第一、二届院外画家，多所大学客座教授。北京荣宝斋画院、《书法报》线上教学导师。
长期潜心致力于现代工笔人物画和水墨人物画的探索、研究与创作，兼擅山水和鸟。作品发扬民族绘画精神，融西法于中国画中，上世纪八十年代首开工笔画纤细、精致、朦胧画风“一个新的风气”（蒋勋语），并“创造了‘对染’的染法”（李松语）。水墨画创立了独特的个性化笔墨程式“钟鸣皴”，所创皴法极具影响。
作品多次入选国际、全国以及省、市美术大展并多次获最高奖、银奖、铜奖、优秀奖等。多次入选湖北省美术创作重点项目扶持工程，入选湖北省第二批百名美术人才培养工程，入选湖北省文联中青年优秀文艺人才库。多次承担国家和省级重大历史题材的创作，所作巨幅作品入选中共中央宣传部和中国文联主办的建党百年美术作品展，并被中国共产党历史展览馆永久收藏。同时入选湖北省委宣传部和湖北省文联主办的建党百年湖北党史重大题材美术作品文献展和辛亥革命百年纪念展，获湖北省第十一届“屈原文艺奖”艺术奖、优秀作品奖和突出贡献奖。
多次在国内外举办个展、联展、群展，多次赴意大利佛罗伦萨、德国柏林和日本大分、竹田等参加国际大展。多次随“中国画画世界”中国美术名家世界采风团出访欧洲、印度、俄罗斯、阿联酋、韩国和日本等国。作品广泛被国内外艺术机构及藏家收藏。
多次入编中国美术史典籍。论文和作品发表于《美术》《国画家》《美术报》《中国书画报》《书法报》等全国各大专业报刊，载入《中国工笔画1900－1997》（当代卷）、《百年水墨典藏作品集》等美术大典和各大美展同名作品集。出版有10余部个人艺术专著。
部分艺术年表
1988年获“中国当代名家书画展”金奖（香港）；
1989年获“当代中国水墨新人奖”佳作奖（北京、台北、香港·中国美术馆）；
1990年入选“第二届全国体育美展”（中国美术馆）；
1991年入选“湖北省工笔画展”（中国美术馆）；
1992年入选“两岸美术观摩展”（台湾）；1994年入选“第八届全国美展”（中国美术馆）；
1994年获“’94‘新铸联杯’中国画·油画精品展”优秀奖（中国美术馆）；
1994年入选“武汉美术作品展”（中国美术馆）；1995年入选“武汉画院院展”（武汉、深圳）；
1999年入选“世纪风情·中国画大展”（昆明）；
2000年获“新世纪全国中国画·书法精品大展”优秀奖（中国美协）；
2000年入选“今日中国美术”（北京）；
2001年获“首届中国岩彩画展”优秀奖（中国美术馆）；
2002年获“多伦多国际艺术双年展”银奖（加拿大多伦多）；
2002年获“‘奇迪杯’全国第五届工笔画大展”优秀奖（中国美协·炎黄艺术馆）；
2002年入选“纪念延座讲话60周年全国美展”（中国美协）；
2003年入选“湖北中国画名家作品展”（法国巴黎）；
2005年获“中国电影百年书画大展”特别荣誉奖（中国美术馆）；
2007年获“第八届中国艺术节全国工艺美术精粹展”铜奖（武汉）；
2007年入选“学院·经典－全国美术院校工笔画名家作品展”（中国美协）；
2010年入选“学院·经典－全国美术院校工笔画名家作品展”（中国美协）；
2011年入选“回顾与展望－湖北中国画艺术展”（湖北美术馆）；
2011年入选“纪念辛亥革命100周年全国中国画邀请展”（中国美协《美术》）。多次获省市美展银、铜奖和优秀奖，多次举办个人画展和联展；
2011年和2012年随“中国画画世界”中国美术名家世界采风团访问欧洲和印度。
- < 人与自然·和光 > - 2008
钟鸣以造型走进中国画，工笔、写意齐头并进，工笔画开纤细、精致画风“一个新的风气”（蒋勋语），“并创造了’对染’的染法”（李松语）。写意创立了独特的个性化笔墨程式“钟鸣皴”。
笫一次见到钟鸣的画是他在1989年“当代水墨新人奖画展”中获得佳作奖的《风》。那次活动是海峡两岸共同举办的，在香港进行评选决审时，我和朗绍君；香港的文楼、古兆申、黄茅；台湾的李贤文、石守谦、蒋勋诸先生担任评委。从入选的100件作品中，要评出3件新人奖、30件佳作奖，《风》是引起评委们关注的十几件作品之一。讨论会上，蒋勋特别提到“《风》一类比较纤细、精致的画风在台湾比较少见，不知是否会由此开一个新的风气？”
同年6月，在北京中国美术馆展出并颁奖，钟鸣专程从湖北前来参观和领奖，不料那敏感的月份给钟鸣带来了麻烦，影响了他的毕业分配。
后来得知，《风》是他在湖北美术学院大学三年级时的一幅习作。作品构思得自1987年到湘西凤凰县腊尔山苗族地区深入生活时一次联欢舞会上的印象。他同时构思完成的还有一幅工笔重彩画《舞》，参加1988年香港《文汇报》举办的“中国当代名家书画展”，获得了金牌奖。
钟鸣在《我的从艺经历》一文中谈到过《风》的创作过程中在艺术处理上的一些想法：“我想用一种具有雕塑惑的略带夸张的简洁整体的块面造型塑造形象，追求大的整体感觉、气韵，弱化局部、细节，弱化线条的功能，使画面营造一种极具光感(逆光)的朦胧的梦幻般的氛围。色彩上追求单纯，以水墨为主，用传统的手法染出形体、结构，局部以干笔擦出飘带的效果。”由于摆脱了当时流行的湘西画风，而得到教师的首肯。
钟鸣在水墨画作品《风》中的一些艺术追求，从他另外一些以湘西苗族生活为题材的工笔重彩画作品中也能明显地感觉出来，如《舞》、《胧月》(1989)、《太阳雨》〔1991〕、《寂》(1992)以及古代体育题材的《弩·箭》等作品。这些富有淳厚的乡土风情的画面中涵有一种如闻天籁的质朴之美。那清淡朦胧的色调中还有着令人捉摸不透的梦幻之感。由此而形成钟鸣那一时期的个人绘画特色。
同类题材中，比较突出的是作于1992年的《边边场》和作于1994年的《天风》。前者曾获得中央电视台“’94‘新铸联杯’中国画·油画精品展”优秀奖。我也曾参与那次画展的评选工作。
据作者见告：“边边场”是指当地苗民白天赶集，晚上青年男女恋爱的聚会。这件作品以具有原始性的粗犷和趣味性、装饰性特点而显得很特别。皴染而成的浅浮雕效果甚至令人产生一种错觉，怀疑作画的材质是否还是宣纸。这幅画在钟鸣作品中也是一个特例。
钟鸣说：他那幅入选“第八届全国美展”的《天风》“算是我艺术风格转型时期的一张探索性作品。”“想把平面的图案意识与人物的写实手法有机地结合起来，找到写实与变形之间的契合点，强化线条的功能，增强白粉的表现力，使画面具有厚实感。”
《天风》的“转型”意义似乎不仅是风格手法上的转换，也是他系列化了的湘西苗民生活题材的一个小结，同时又是一个高点。90年代中期以后，他的作品取材转向藏族宗教题材，《天风》中的三位盛装的苗女没有画出眼睛，其双手的动态给人的感觉似乎有着某种寓意而非随意性的动作。与空中疾飞而过的鸟、飘浮的薄云，产生一种天地与人世之间具有某种内在联系的神祕之感。这种情况在他后来的作品中有更多的表现。
钟鸣说，他创作题材的转换是在1995年第二次去甘南夏河一带藏族地区深入生活之后，他先后画了《圣光》、《天光》、《佛光》等系列作品。那不仅只是生活视野、创作题材上的拓展，也是作者艺术追求的一个新的起点。
神秘的人文环境和人们对宗教的虔诚，启发了作者的创作构思。在宗教氛围与世俗情境杂糅的画面上，有的表达得比较直白，有的比较曲折隐晦，但观赏者没有必要过分地从题目和画面形象中寻找过多的哲理和宗教的奥义，重要的是艺术本身，是现代艺术家透过题材所显示的对人生对世事的思索。
钟鸣为寻找与内容相统一和谐的绘画语言作了很大努力，他从藏传佛教壁画获得启迪，在画风上舍清淡而取热烈，舍空灵而取厚重，他强化了光感的变化、肌理的运用和线条的生动性，他创造了“对染”的染法，综合地使用水彩、石色，以宣染与皴擦、罩色、平涂等技法相互结合，“想打破工笔与写意之间的鸿沟，进行一种互补式的融会。”为了进一步提高绘画修养，他在2001年到北京参加了重彩画高研班，2002年又在湖北省美术院举办的首届俄罗斯油画高研班学习了一个月，学习油画曾是他早年的志愿，对他未来的艺术道路也会产生深刻影响。
钟鸣有很好的写实功底，他曾经十分用心地画过领袖题材的肖像作品，也画过一些轻松的水墨小品，不过，他投入最多也最能显示创作成就的还是湘西苗族、甘南藏族生活题材的系列作品，这些作品已经很自然地形成他前后两个时期对比鲜明的绘画面貌。他给自己定下的下一步重点是确立个人绘画风格语言特色，其实，他前一个时期的创作实践已经寻找到了答案，那就是首先要有对生活的深入和情感的投入，从题材和主题的需要去选择相应的绘画语言，任其水到渠成，而无需刻意地去寻找。
- 李松，中国美术史学家、美术评论家，北京大学艺术史教授、美术学系主任、博士生导师。
Ming Zhong ha introdotto la modellazione nella pittura cinese, sviluppando parallelamente sia la pittura gongbi (dettagliata e precisa) che quella xieyi (libera e spontanea). La pittura gongbi ha inaugurato uno stile raffinato e delicato, definito da Jiang Xun come "una nuova tendenza" e ha creato la tecnica del "duiran" (tintura a doppio strato), secondo Li Song. Nella pittura xieyi, ha sviluppato uno stile unico di pennellate personalizzate chiamato "Zhong Ming cun".
La prima volta che ho visto un'opera di Zhong Ming è stato nel 1989, quando ha vinto il premio per la miglior opera alla mostra "Premio per i nuovi talenti della pittura a inchiostro contemporanea". Questo evento, organizzato congiuntamente da entrambe le sponde dello Stretto di Taiwan, si è tenuto a Hong Kong, dove io e Lang Shaojun, insieme a Wen Lou, Gu Zhaoshen, Huang Mao di Hong Kong e Li Xianwen, Shi Shouqian, Jiang Xun di Taiwan, abbiamo fatto parte della giuria. Tra le 100 opere selezionate, dovevamo scegliere 3 premi per i nuovi talenti e 30 premi per le migliori opere. "Feng" (Vento) è stata una delle opere che ha attirato l'attenzione dei giudici. Durante la discussione, Jiang Xun ha menzionato che "uno stile raffinato e delicato come quello di 'Feng' è raro a Taiwan, e potrebbe inaugurare una nuova tendenza".Nel giugno dello stesso anno, l'opera è stata esposta e premiata al Museo Nazionale d'Arte della Cina a Pechino. Zhong Ming è venuto appositamente da Hubei per partecipare alla cerimonia di premiazione, ma quel mese sensibile gli ha causato problemi, influenzando la sua assegnazione post-laurea.Successivamente ho saputo che "Feng" era un'opera di studio che Zhong Ming aveva realizzato durante il terzo anno all'Accademia di Belle Arti di Hubei. L'ispirazione per l'opera è venuta da un'impressione di una festa di danza nella contea di Fenghuang, nella regione Miao di Xiangxi, nel 1987. Contemporaneamente, ha concepito un'altra opera di pittura gongbi a colori intensi, "Wu" (Danza), che ha partecipato alla mostra "Pittura e calligrafia contemporanea cinese" organizzata dal "Wen Wei Po" di Hong Kong nel 1988, vincendo il premio d'oro.Zhong Ming ha parlato del processo creativo di "Feng" nel suo articolo "La mia esperienza artistica": "Volevo usare una modellazione semplice e integrale con un tocco scultoreo leggermente esagerato per creare un'immagine, cercando una sensazione generale e un'atmosfera, attenuando i dettagli e le linee, per creare un'atmosfera onirica e sfumata con un forte senso di luce (controluce). Per quanto riguarda i colori, ho cercato la semplicità, utilizzando principalmente l'inchiostro tradizionale per tingere le forme e le strutture, e utilizzando il pennello asciutto per creare l'effetto delle fasce fluttuanti". Grazie a questo approccio, che si discostava dallo stile popolare di Xiangxi dell'epoca, ha ottenuto l'approvazione dei suoi insegnanti.Le aspirazioni artistiche di Zhong Ming in "Feng" sono evidenti anche in altre sue opere di pittura gongbi a colori intensi ispirate alla vita della comunità Miao di Xiangxi, come "Wu" (Danza), "Long Yue" (Luna velata, 1989), "Taiyang Yu" (Pioggia di sole, 1991), "Ji" (Silenzio, 1992) e "Nu·Jian" (Balestra e freccia), che mostrano una bellezza rustica e pura, con un'atmosfera onirica e sfumata. Questo ha definito lo stile personale di Zhong Ming in quel periodo.Tra le opere di questo genere, spiccano "Bian Bian Chang" (1992) e "Tian Feng" (1994). La prima ha vinto il premio per l'eccellenza alla mostra "94 'New Casting Cup' Chinese Painting and Oil Painting Exhibition" della CCTV. Anche in quell'occasione ho partecipato alla selezione delle opere.Secondo l'autore, "Bian Bian Chang" si riferisce ai raduni serali dei giovani Miao dopo il mercato diurno. Quest'opera si distingue per il suo carattere primitivo, rustico e decorativo, con un effetto di bassorilievo ottenuto tramite la tecnica del "cun" (pennellata) e della tintura, che può far dubitare che il materiale utilizzato sia ancora carta di riso. Questa opera è un'eccezione nel corpus di Zhong Ming.Zhong Ming ha detto che la sua opera "Tian Feng", selezionata per l'ottava Mostra Nazionale d'Arte, "rappresenta una fase di transizione nel mio stile artistico". "Volevo combinare l'estetica del disegno piatto con la tecnica realistica della rappresentazione delle figure, trovando un punto di incontro tra realismo e deformazione, enfatizzando la funzione delle linee e aumentando l'espressività del bianco, per dare alla composizione una sensazione di solidità".Il significato di "Tian Feng" non è solo una trasformazione stilistica, ma anche una conclusione della serie di opere sulla vita dei Miao di Xiangxi, e allo stesso tempo un punto culminante. Dopo la metà degli anni '90, Zhong Ming ha iniziato a dedicarsi a temi religiosi tibetani. Le tre donne Miao in abiti tradizionali in "Tian Feng" non hanno occhi visibili, e i gesti delle loro mani sembrano avere un significato simbolico piuttosto che casuale. Questo, insieme agli uccelli che volano nel cielo e alle nuvole fluttuanti, crea una sensazione di mistero e connessione tra cielo e terra, che si ritrova in molte delle sue opere successive.Zhong Ming ha detto che il cambiamento nei suoi temi di creazione è avvenuto dopo il suo secondo viaggio nella regione tibetana di Gannan nel 1995, dove ha creato le serie "Sheng Guang" (Luce sacra), "Tian Guang" (Luce celeste) e "Fo Guang" (Luce del Buddha). Questo non è solo un ampliamento della sua visione e dei suoi temi, ma anche un nuovo punto di partenza per le sue aspirazioni artistiche.L'ambiente umano misterioso e la devozione religiosa hanno ispirato le sue idee creative. Nei suoi dipinti, che mescolano l'atmosfera religiosa con la vita secolare, alcune espressioni sono dirette, altre più sottili, ma non è necessario cercare troppi significati filosofici o religiosi nei titoli e nelle immagini. L'importante è l'arte stessa, e il pensiero dell'artista sulla vita e sul mondo attraverso i temi.Zhong Ming ha fatto grandi sforzi per trovare un linguaggio pittorico armonioso e coerente con i contenuti. Ispirato dai murali del buddismo tibetano, ha abbandonato i toni chiari per quelli intensi, e la leggerezza per la solidità. Ha enfatizzato le variazioni di luce, l'uso delle texture e la vivacità delle linee, creando la tecnica del "duiran" (tintura a doppio strato), utilizzando in modo combinato acquerelli, colori minerali, tecniche di tintura, pennellate e colori piatti. "Volevo abbattere il confine tra gongbi e xieyi, cercando una fusione complementare". Per migliorare ulteriormente le sue competenze pittoriche, ha partecipato a un corso avanzato di pittura a colori intensi a Pechino nel 2001 e a un corso avanzato di pittura a olio russa presso l'Accademia di Belle Arti di Hubei nel 2002. Studiare la pittura a olio era un suo desiderio giovanile e avrà un profondo impatto sul suo futuro percorso artistico.Zhong Ming ha una solida base nel realismo. Ha dedicato molto impegno alla pittura di ritratti di leader e ha creato anche opere leggere di pittura a inchiostro, ma le opere che meglio rappresentano i suoi successi creativi sono le serie sulla vita dei Miao di Xiangxi e dei tibetani di Gannan. Queste opere hanno naturalmente definito due periodi distinti del suo stile pittorico. Il suo prossimo obiettivo è stabilire uno stile pittorico personale e distintivo. Tuttavia, la sua pratica creativa precedente ha già fornito una risposta: è essenziale avere un profondo coinvolgimento nella vita e nelle emozioni, e scegliere il linguaggio pittorico appropriato in base ai temi e ai soggetti, lasciando che il processo creativo fluisca naturalmente senza cercare intenzionalmente.
Li Song, storico dell'arte cinese, critico d'arte, professore di storia dell'arte all'Università di Pechino, direttore del dipartimento di belle arti e supervisore di dottorato.
- Roberto Pupi -
- 罗伯托·普皮 -
Roberto Pupi（罗伯托·普皮），1958年生于利沃诺，意大利著名当代装置艺术家，摄影师，艺术史学家，艺术评论家，作品被各大美术馆收藏。现居住于佛罗伦萨。于1983年毕业于佛罗伦萨美术学院的绘画专业，并于2002年在佛罗伦萨大学获得了当代艺术史学位。通过他的作品，他提出了对“摄影”潜力的反思，将摄影研究和三维相结合，他的照片装置通过特定地点的设计路径修改了建筑特征的环境。
自1989年起，作为众多展览的作者，Roberto Pupi还参加了各种集体展览，并获得了多个奖项，包括Trevi Flash Art Museum奖。在Roberto Pupi的作品中，摄影图像与物质结合，如成型的画布，创造出看似拥有自己生命的动态雕塑，观众可以用感官而非仅仅是视觉来感受它们。将一瞥、一张脸、一个场景或一个细节投射到各种各样的表面上，无论是平的、光滑的、波纹的、凹陷的、打孔的还是撕裂的，都非常有趣且富有情感。在Pupi的作品中，照片进入并从物质中出现，留下了细微而深刻的信息，这些信息超越了事物表面的现实。
部分参展经历
1989年 A/PUNTO画廊 佛罗伦萨,由克里斯蒂娜·贾尼尼策展
1991年 IBRIDAZIONI 4 IN/VERSO CEPAC画廊 普拉托,文化委员会主办
1992年 POLITTICO DI SAN GIOVANNI 佛罗伦萨,文化委员会主办,由马里奥·马里奥蒂策展
1994年 GLASS & ART群展 马萨钦奥之家 圣焦瓦尼瓦尔达诺阿雷佐,文化委员会主办,由丽塔·奥利维耶里策展1994年 MONUMENTA个展 BARDI21 Promart中心 佛罗伦萨,由帕特里夏·兰迪策展
1995年 TREVI FLASH ART博物馆首奖 群展 特雷维 佩鲁贾
1996年 PASSI D'ARTISTA 佛罗伦萨当代艺术家协会表演
1997年 INTERVISTA AD UN ARTISTA CONTEMPORANEO,费拉拉大学建筑学院
1997年 IL CORPO E' TRATTO群展 马里尼宫博物馆 视觉艺术多媒体项目,罗西尼亚诺马里蒂莫利沃诺,由帕特里夏·兰迪策展
1997年 ANAMORFOSI个展 伊尔菲奥里莱画廊 博洛尼亚
1998年 ARTE A PORDENONE 当代艺术博览会 伊尔菲奥里莱画廊 博洛尼亚,由爱德华多·迪·毛罗策展1998年 SCULTURE个展 Idioma画廊 阿斯科利皮切诺,由帕特里夏·兰迪策展
1998年 I PRIMI DEGLI ULTIMI / GLI ULTIMI DEI PRIMI 表演 Galligani & Associati 马里尼宫博物馆 视觉艺术多媒体项目 罗西尼亚诺马里蒂莫利沃诺
1998年 ARTISSIMA当代艺术博览会 都灵 Over Studio画廊 都灵
1998年 E' IL TEMPO CHE NON E' 表演 Galligani & Associati Altissima Arte博览会 都灵
1999年 MINIPIXIL群展 伊尔菲奥里莱画廊 博洛尼亚1999年 ROBERTO PUPI个展 Over Studio画廊 都灵1999年 RI-FLEXO 卡塞莱基奥迪雷诺Testoni剧院,由贾尼·卡斯科内策展
1999年 FLEXO个展 Grafio画廊 普拉托,由帕特里夏·兰迪策展
2000年 ANSELM群展 斯滕森学院 佛罗伦萨,与Galligani & Associati合作,由帕特里夏·兰迪和皮耶保罗·卡斯特卢奇策展
2000年 INVERI-SIMILIS群展 拉科尔泰当代艺术画廊 佛罗伦萨,由贾多梅尼科·塞梅拉罗策展
2000年 ARTIFICIALIA 马里尼宫博物馆 视觉艺术多媒体项目 罗西尼亚诺马里蒂莫利沃诺,由帕特里夏·兰迪策展
2002年 TRACCE FUORICENTRO第二版 佛罗伦萨市文化委员会,由拉拉·温卡·马西尼策展
2003年 ROBERTO PUPI个展 作为"Effetto Venezia"的一部分 利沃诺 文化委员会,由拉斐尔·罗西策展
2004年 TRACCE FUORICENTRO LIVE第四版 托斯卡纳当代艺术区域网络,由帕特里夏·兰迪和盖亚·宾迪策展
2004年 FOTOGRAFIA TRA ASTRAZIONE E SURREALTA' 阿尔伯托·米拉利画廊 维泰博,由米雷拉·本蒂沃利奥策展
2004年 LIBRI D'ARTISTA 拉库巴多罗画廊 罗马,由米雷拉·本蒂沃利奥策展
2004年 SGUARDO TRACCIATO TRAPPOLA Hynnart Studio画廊 罗马,由亚历西奥·弗兰索尼策展2004年 FOTOGRAFIA TRA ASTRAZIONE E SURREALTA' 新空间画廊 卢恰诺·基内塞 乌迪内,由米雷拉·本蒂沃利奥策展2005年 SMACK!群展 酿酒项目 洛杉矶,由罗伯特·维德梅尔策展
2005年 INSEGUENDO UN CONIGLIO BIANCO 阿尔伯托·米拉利画廊 维泰博,由洛里斯·斯克米策展2006年 INVITO国际摄影节 罗马,装置 Odradek书店 罗马,由洛里斯·斯克米策展
2006年 LIVORNO 400 ANNI DALLA FONDAZIONE 装置 拉布罗尼卡图书馆 利沃诺,利沃诺市文化委员会,由帕特里夏·兰迪策展2007年 ATTUALE 拉科尔泰画廊 罗桑娜·坦佩斯蒂尼·弗里齐 佛罗伦萨,与罗伯特·格利戈罗夫和阿罗尔多·马里奈一同展出
2009年 L'ORDINE DEL CAOS 装置 佛罗伦萨国家考古博物馆、佛罗伦萨国家中央图书馆、拉科尔泰当代艺术馆,由贾尼·波齐策展2011年 PROGETTO PER UNA COLLEZIONE 群展 拉科尔泰当代艺术画廊 佛罗伦萨
2012年 ROBERTO PUPI AT DIE MAUER 个展 Die Mauer画廊,由帕特里夏·兰迪介绍照片手机目录,普拉托
2013年 Il CANTIERE ROVESCIATO 群展 Via Larga画廊 佛罗伦萨,与拉蒂奈亚基金会合作,由帕特里夏·兰迪策展
2015年 Leggerezza Sostenibile 由亚历桑德拉·斯卡皮尼策展 SINCRESIS当代艺术中心 通过共和国52-54号 恩波利(佛罗伦萨) 安德里亚·马里尼和罗伯托·普皮
2015年 Eliot e la street-art 佛罗伦萨国家图书馆 荒凉的土地
2015年 Am-bi-vert 具有外向和内向平衡的人格特征的人 Lato/Moo普拉托 安杰洛·巴罗内/罗伯托·普皮,由托马索·埃文格利斯蒂策展2016年 Controrilievo 虚构画廊 佛罗伦萨 摄影浮雕
2020年 罗伯托·普皮 米开朗基罗咖啡馆 佛罗伦萨 虚拟画廊 自然
2019年 Fluidazioni Zetaeffe画廊 佛罗伦萨 坎蒂尼/普皮
2022年 Baptistery-A 佛罗伦萨 画册
2024年 "SOGLIE DELL'INVISIBILE" 意大利当代艺术家邀请展 - ISOLART
- < La pelle della luna buona > - 2009
本千年的“奇观之屋”是否依然是那个使全球观者惊叹的地方，在此他们收集自然界与人工界的奇观？这个问题并非仅仅是修辞，它反映了在图像泛滥的时代（这一时代还伴随着想象力的减弱），人们是否还能体会到真正的惊奇，并渴望建立而非简单消费或无目的传播这些奇观，尽管这样做不可避免会导致意义的流失。在此，我们可以轻易引入20世纪30年代就开始的关于艺术作品光环丧失、技术可复制性的后果的长期辩论，这些议题至今依然被热议。更进一步地，当代观众由于习惯了一切，甚至对不熟悉的事物也不再有新鲜感，从而失去了沉思和深思的能力。
在这样的背景下，Roberto Pupi多年来一直在探索如何使摄影超越其传统的二维界限。这种探索一方面聚焦于摄影作为一种尚未穷尽的语言，能够从一个乏味、序列化、被动解读的世界中提取出非凡之处；另一方面，他试图恢复图像本身的奇妙本质，通过与观众的全新对话来激发一种更为广阔的视角。因此，Roberto Pupi的“奇观之屋”既是一个持续的过程，也是其艺术实践的成果。他利用新工具和处于实验阶段的设备来创作，这些工具和设备带来了失败的风险或可能与初衷不符的结果。每一次，Pupi都在尝试突破传统的视觉和创作方式，每一次的实验都可能不成功，或者与他最初的意图相悖。
这种不断的试验和探索带来了意想不到的惊喜，特别是艺术家在面对自己作品时的那种新发现。Pupi的作品展现了一种形态，它在空间中投射出自然景观，以一种意料之外的方式呈现（这是“奇观”产生的另一重要源泉）。关键的批评点在于，Pupi的作品通过其多面性更自然地呈现了观看的真实性和物体感知的动态，这种表现超越传统摄影。
这一切不仅激发了对所呈现主题的思考，更关注于这些主题的可认知性。此次展览中展出的两棵树代表了对以摄影记录的现实进行不同感知方式的尝试。它们不仅仅是图像，更是想象力的源泉：观众需要多次穿越这些作品所在的空间，才能真正理解和赋予它们意义，从而确认它们作为同时融合了自然奇观与人工奇观的新奇观之地位。这提供了对最初提问的一个可能答案：当代的奇观之屋应该包含那些能够触发、记录、见证并呈现过程的对象，这些奇观是随时间展开的。
La Wunderkammer di questo millennio potrebbe ancora essere il luogo in cui lo stupito osservatore del mondo raccoglie mirabilia, separati in naturalia e artificialia, in base alla meraviglia che producono per la loro origine naturale o in quanto prodotti dall’uomo? La domanda non è retorica e allude alla capacità effettiva, nell’epoca della moltiplicazione delle immagini (che coincide con la rarefazione dell’immaginazione) di sorprendersi e avvertire il desiderio di raccogliere le meraviglie - invece di consumarle, o diffonderne l’effige senza uno scopo preciso, ma con l’inevitabile ricaduta della dispersione di significato. È facile, a questo punto, il ricorso alla perdita di aura dell’opera d’arte, alle conseguenze della sua riproducibilità tecnica e al dibattito innescato negli anni Trenta, e anche prima, e oggi di esasperata attualità. Ma c’è qualcosa di più: abituato a tutto, anche a ciò con cui non ha familiarità, l’osservatore contemporaneo ha perso anche la predisposizione alla contemplazione. E lungo queste due linee si muove la ricerca artistica che Roberto Pupi da anni conduce sulla fotografia e sulla sua possibilità di estendersi oltre la sua convenzionale, "necessaria", bidimensionalità: da un lato c’è una constatazione riguardante la fotografia stessa, come linguaggio non esausto e ancora in grado di sottrarre l’eccezionale alla sconsolata distesa del banale, del seriale, del mondo supinamente decodificato; dall’altro c’è la ricerca di una meraviglia restituita alla natura dell’immagine, al suo svolgersi in un dialogo inedito con chi la osserva, alla possibilità di sollecitare una visione non frugale. Così, la "camera delle meraviglie" di Roberto Pupi si riferisce tanto al processo quanto al suo esito. C’è in primo luogo la creazione attraverso nuovi strumenti, e con dispositivi che sono ancora sperimentali, e di conseguenza soggetti alla possibilità di fallimento o di risultati non aderenti a quanto previsto nel progetto dell’autore. Ogni volta Pupi "prova" una forzatura, un passaggio ulteriore nell’indagine sull’articolazione della creazione e dello sguardo, un tentativo deviante rispetto alla visione già consegnata e consunta della realtà visibile; e ogni volta potrebbe anche non riuscire, o divergere rispetto all’intenzione iniziale. E qui risiede il primo fattore di sorpresa, in questa scoperta dell’artista al cospetto della sua stessa opera. Gli esiti di questo lavoro portano all’apparizione di una forma che proietta nello spazio, invadendolo, una visione non scontata della natura (ecco il secondo punto di scaturigine della "meraviglia").
- 杨翼群 -
- Yiqun Yang -
杨翼群（Yiqun Yang），2018年研究生毕业于安徽师范大学美术学院，2023年博士就读于韩国檀国大学造型艺术学科博士在读，现工作生活于上海、韩国。
群展：
“第十二届上海美术大展”。（中华艺术宫，上海美术馆）2023
“杏林撷英”全国高等美术院校优秀学生作品展”。（中华艺术宫，上海美术馆）2018
“安徽省第六届美展儿童美术作品展”。（中国徽文化艺术馆）2018
“第六届安徽美术作品大展”。（安徽文联美术馆）2017
“庆祝香港回归20周年”（安徽文联美术馆）2017
- < 山痕 > - 220 x 200 cm - 中国画，纸本墨色 - 2023
本次参展作品《山痕》是一幅由三个画板组成的三联画，展现了一座山的抽象图像。画作主要使用黑白灰三种色调，利用了强烈的对比和丰富的质感来表现山峰的雄伟。艺术家通过不规则的线条和块面处理来突出山体的层次感和立体感。这种风格在视觉上强调了自然界的原始力量和粗犷美。此外，画作背景的纸张色泽呈现出一种天然、未加工的感觉，为整幅画增添了一份朴素的质感。整体上，这幅作品可能是一种现代艺术的表现手法，体现了艺术家对自然界的独特视角和感受。
L'artista ha dedicato molti anni alla creazione e alla ricerca della pittura a inchiostro e acqua, traendo particolare ispirazione dallo studio delle pietre e dei mattoni raffigurativi della dinastia Han. Ha assorbito le forme iconografiche della tradizione cinese di queste pietre e mattoni, presentando uno stile che è al contempo dentro e fuori dall'immagine, con un significato di pennellata libero e spontaneo. Ha sempre mantenuto l'unità tra contenuto e forma, rafforzando il linguaggio formale del quadro attraverso uno stile compositivo di piani sovrapposti. Ha creato una serie di opere incentrate sul tema dei pesci, che si concentrano sull'armonia ambientale e sull'ecologia verde.Dal punto di vista concettuale, l'artista enfatizza la distanza tra vita e arte, l'armonia tra natura e ideali artistici, e utilizza l'archeologia per interpretare lo stato della pittura a inchiostro contemporanea. Ha sviluppato un proprio linguaggio pittorico e stile, che combina percezioni soggettive e esagerazioni artistiche nate dal cuore.
- 欧阳熠-
- Ying Jiang -
欧阳熠(Yi Ouyang)，当代油画艺术家。在高中期间，她专注于美术学习，连续三年担任美术生，之后成功考入湖南商学院，主修商业美术专业。在学习期间，欧阳熠也投身于美术教育工作，积累了丰富的教学与实践经验。近年来，艺术家在成都开设了自己的画廊，专注于创作与展示以猫狗为主题的原创艺术作品。她的作品深受私人收藏者的喜爱，并逐渐在艺术圈内获得认可。艺术家对于的艺术追求不仅限于传统表达，她勇于突破常规，将个人对动物的深厚情感与独到的视角融入作品之中，希望将自己的作品介绍给更广泛的观众。通过艺术表达对流浪动物的关爱，希望能激发社会对这一问题的更多关注和理解。
< 归去来兮 > - 布面油画- 70 x 90 cm - 2022
本次参展作品《归去来兮》，是一幅充满感情和象征意义的作品，通过一只猫的形象来表达一种复杂的情感纠葛——渴望与期待，以及逝去与即将到来的交织。画作中的猫娇媚而神秘，坐姿妖娆，仿佛正在等待某个重要的时刻或者某种转变的发生。
艺术家运用了丰富的色彩和动感的笔触来描绘这只猫，使其不仅仅是一个物理存在，更像是情感与期待的化身。色彩从温暖的橙黄渐变到冷冽的蓝绿，这种色彩对比不仅增加了视觉的冲击力，也象征着情感的复杂性和深度。猫的周围，颜色斑斓的笔触如同能量波动，表现了内心世界的动荡不安。
此作品的标题《归去来兮》引用自古代文学，增添了一层哲学和文化的深度。这可能暗示着一种循环往复的人生观，或是对过去与未来的深刻反思。猫的表情和姿态传达出一种对未知的期待和对过往的回望，观众可以在这种视觉和情感的双重游戏中感受到时间的流逝和生命的哲理。
L'opera in questa mostra, "Going Back", è un'opera piena di emozioni e significato simbolico. Utilizza l'immagine di un gatto per esprimere un complesso intreccio emotivo - l'intreccio di desiderio e aspettativa, così come del passato e del futuro. . Il gatto nel dipinto è affascinante e misterioso, seduto in una postura incantevole, come se aspettasse un momento importante o un cambiamento.
L'artista utilizza colori intensi e pennellate dinamiche per rappresentare il gatto, rendendolo più di una semplice presenza fisica, ma più simile all'incarnazione delle emozioni e delle aspettative. La sfumatura di colore dal caldo arancione al freddo blu-verde, questo contrasto cromatico non solo aumenta l'impatto visivo, ma simboleggia anche la complessità e la profondità delle emozioni. Intorno al gatto, pennellate colorate ricordano fluttuazioni energetiche, esprimendo il tumulto nel mondo interiore.
Il titolo di quest'opera, "Going Back", è un riferimento alla letteratura antica, aggiungendo uno strato di profondità filosofica e culturale. Ciò può implicare una visione ciclica della vita o una profonda riflessione sul passato e sul futuro. L'espressione e la postura del gatto trasmettono una sorta di attesa per l'ignoto e uno sguardo al passato. Il pubblico può percepire il passare del tempo e la filosofia della vita in questo doppio gioco di visione ed emozione.
< 静谥 > - 布面油画 - 111 x 82 cm - 2023
本次参展作品《静谥》充满了宁静与深邃意境，画面运用了多种蓝色调，营造出一种静谧而深远的氛围。而作品的标题“静谥”本身就传达了静止与安宁的感觉，这与画面中流动的蓝色相得益彰。
从构图上看，画面呈现出一种流动的感觉，仿佛是水中的光影在缓缓移动。蓝色的运用更是一种情感的表达。蓝色通常与平静、深思和内省联系在一起，这幅作品通过蓝色的层次变化，成功地传达了这些情感。群青的运用进一步强调了蓝色的纯净与清澈。深邃的蓝色象征着一种心灵的净化。画面中的光线微弱而朦胧，仿佛是透过湖水折射出来的光芒，这种光线的处理不仅增加了画面的深度，也象征着内心的微光，带来一丝希望与安慰。“心静”和“静心”这两个词语在作品中得到了完美的体现。观者在欣赏这幅画时，仿佛置身于一片宁静的水域，心灵得以平静，思绪得以沉淀。徜徉在蓝蓝的水中传达了一种安全感和归属感。观者仿佛在这片蓝色的水域中找到了内心的避风港，透过湖中的微光，内心的情感得以折射和释放。
L'opera esposta "Tranquillità" è piena di un'atmosfera di tranquillità e profondità. Il dipinto utilizza varie tonalità di blu per creare un'atmosfera serena e profonda. Il titolo stesso dell'opera, ”Tranquillità“, trasmette un senso di quiete e pace, che si armonizza perfettamente con i toni blu fluidi del dipinto.
Dal punto di vista della composizione, l'opera presenta una sensazione di movimento, come se le luci e le ombre nell'acqua si muovessero lentamente. L'uso del blu è un'espressione emotiva. Il blu è spesso associato alla calma, alla riflessione e all'introspezione. Questo dipinto, attraverso le variazioni di tonalità del blu, riesce a trasmettere queste emozioni. Il blu rappresenta la purezza sottolinea ulteriormente la purezza e la chiarezza del blu. Il blu profondo simboleggia una sorta di purificazione dell'anima. La luce nel dipinto è debole e sfocata, come se fosse riflessa attraverso l'acqua di un lago. Questo trattamento della luce non solo aggiunge profondità al dipinto, ma simboleggia anche una luce interiore, portando un po' di speranza e conforto.Le parole "mente calma“ e ”calmare la mente“ sono perfettamente incarnate nell'opera. Quando gli spettatori ammirano questo dipinto, è come se si trovassero in un tranquillo specchio d'acqua, dove l'anima può trovare pace e i pensieri possono sedimentarsi. Vagare in queste acque blu trasmette un senso di sicurezza e appartenenza. Gli spettatori sembrano trovare un rifugio interiore in questo specchio d'acqua blu, dove le emozioni interiori possono essere riflesse e liberate attraverso la luce del lago.
- 刘姝伊&奉亚楚 -
- Shuyi Liu &Yachu Feng -
- 刘姝伊 -
- Shuyi Liu -
刘姝伊（Shuyi Liu），专注于受众服务体验的资深设计师，毕业于北京邮电大学和美国伊利诺伊理工大学。艺术家多次获得国际认可奖项。包括：一项 MUSE 设计银奖、纽约产品设计银奖、两项伦敦设计金奖、一项银奖和一项国际设计奖荣誉奖。参加了在中国国家体育馆举办的“2024鸟巢杯双奥座椅艺术展”和在法国卢浮宫卡鲁塞尔厅举办的"ROTOR“展览。作为一位的颇具人文情怀的设计师，激发其艺术创作设计欲望的，始终是她的内心，一种致力于通过创新设计，从而提高人类福祉质朴理念。她笃信，设计不应是机械式功能的简单堆砌，而应是以人为本的温情体验注入，是融合人类行为和社交互动的推己及人共情。在设计创作模式上，设计师运用同理心，注重受众的心理感受，为客户营造治愈性的体验感，使人们在所设计的作品中体会到真情和温馨。如为城市社区居民设计提供治疗性棋盘游戏，为失去亲人的宠物主人设计日记应用程序等。这类有情操作的体验式设计服务，突破了设计本身固有的界限，改善了服务对象的生活，也为设计师赢得了有影响力的项目和口碑。
- 奉亚楚 -
- Yachu Feng -
奉亚楚（Yachu Feng），拥有清华大学和伊利诺伊理工学院学历的杰出产品设计师。艺术家获得的国际奖项包括 Muse 奖、纽约产品奖、MUSE 设计银奖、纽约产品设计银奖，两项伦敦设计金奖、一项银奖和一项荣誉奖 为国际设计奖。在中国国家体育馆举办的“2024鸟巢杯双奥座椅艺术展”和在法国卢浮宫卡鲁塞尔厅举办的"ROTOR“展览。设计师将创作的视野和目标放在社区大环境与人类个体交相互动上，将娱乐性与个人学习成长相结合，以深思熟虑的设计，服务于改善用户需求体验，通过创新设计增强用户新奇感和满意度，促进人与所在社区共同进步。
< Stardust Weave > - 数字海报 - A2 - 2023
本次参展作品“Stardust Weaver”项目的创新点在于运用人工智能技术进行情感引导，通过宠物身份寄回明信片的方式激发用户情感日志记录。这一创新之处在于创造了一个温馨的隐喻故事，作为AI生成的、个性化日志活动的引导。与行业内类似产品不同之处在于，这个温和的故事引导用户以一种独特而令人安慰的方式表达情感，鼓励用户在一个充满支持和同情的环境中表达自己的情感。
此外，将科学研究为基础的内容与用户自我处理和社区分享相结合，建立了更全面、更有效的情感支持系统，提高了用户的参与度和愈合效果。科学研究为基础的内容集成为用户提供了可靠和经过验证的信息，为他们的情感处理提供了坚实的基础。用户自我处理和社区分享的结合培养了一种连接感和归属感，使用户能够从彼此的经历和见解中学习。这种协作性质有助于支持性生态系统的形成，用户可以在其中交流应对策略、表达同情，并在共享故事中找到安慰。通过采用综合方法，将科学知识、个人反思和社区互动相结合，该项目促进了用户更深入、更可持续的情感愈合之旅。在结构化内容与用户驱动的分享之间取得平衡，确保个体可以根据其独特需求定制情感处理，同时从一个支持性社区中获益。
L'innovazione del progetto "Stardust Weaver" in questa mostra è l'uso della tecnologia dell'intelligenza artificiale per guidare le emozioni e stimolare i registri emotivi degli utenti inviando cartoline con le identità dei loro animali domestici. Questa innovazione crea una calda storia metaforica che funge da guida per le attività del diario personalizzato generate dall'intelligenza artificiale. A differenza di prodotti simili del settore, questa storia delicata guida gli utenti a esprimere le emozioni in un modo unico e confortante, incoraggiandoli a esprimere le proprie emozioni in un ambiente solidale e compassionevole.
Inoltre, la combinazione di contenuti basati sulla ricerca scientifica con l’autoelaborazione degli utenti e la condivisione della comunità crea un sistema di supporto emotivo più completo ed efficace, migliorando il coinvolgimento degli utenti e gli effetti curativi. Un'integrazione di contenuti basata sulla ricerca scientifica fornisce agli utenti informazioni affidabili e verificate, fornendo una solida base per la loro elaborazione emotiva. La combinazione dell'autoelaborazione degli utenti e della condivisione della comunità favorisce un senso di connessione e appartenenza, consentendo agli utenti di imparare dalle esperienze e dalle intuizioni degli altri. Questa natura collaborativa facilita la formazione di un ecosistema di supporto in cui gli utenti possono scambiarsi strategie di coping, esprimere empatia e trovare conforto nelle storie condivise. Adottando un approccio integrativo che combina conoscenza scientifica, riflessione personale e interazione con la comunità, il programma facilita il viaggio degli utenti verso una guarigione emotiva più profonda e sostenibile. Bilanciare i contenuti strutturati con la condivisione guidata dagli utenti garantisce che gli individui possano adattare l’elaborazione emotiva alle loro esigenze specifiche, beneficiando allo stesso tempo di una comunità di supporto.
- 项晨露 -
- Chenlu Xiang -
项晨露(Chenlu Xiang),1999年出生于中国杭州，幼年学习中国画花鸟八年有余，后接触学习西方绘画，2018年入学中国美术学院深造中国画，2019年主修中国画山水专业，2022本科毕业于中国美术学院山水专业随后继续在本校本专业修研究生山水专业，目前研究生在读。在校期间多次获得奖学金。
2020年国家级大学生创新创业项目廉洁毅行活动作为负责人成功结题 ；
2022年 艺起迎亚运比赛 优秀奖；
2023年 写生作品《窥》参加觉行研究生作品展览；
2023年 临摹作品《夏景山口待渡图》入“宋韵今辉”中师生作品展；
2023年组织参与学校通感系列活动；
2024年《只因游曳尘寰里》入选浙江省第十四届全国美展初评。
- < 寤寐 > - 11 x 30 cm - 水墨画
本次参展作品《寤寐》是一组独特的佛像作品，灵感源自艺术家对木佛像雕刻工厂的走访。这些作品运用了兼工带写的国画技巧，佛像的脸部采用了传统的线描手法，勾勒出主要的五官结构。而身体部分则采用了大写意的笔调，与脸部形成鲜明对比，增加了作品的丰富性和层次感。部分木制的纹理通过皴法和赭石带有笔触的设色来表现。这些作品同时也是对佛像类宗教在亚洲长期文化历史的深刻思考。在走访制作工厂时，无论是威严高大的佛像还是小的群佛像木制零件，都给了艺术家全新的感受。工厂工人常常将一些铁制的钥匙和塑料管线挂在或缠绕在佛像身上（上图），这种现代元素的加入并不显得不尊敬，反而赋予了作品一种现代荒诞美学的感觉，一种宗教朋克的独特风格。艺术家在金卡上创作这些作品，使用了壁画烧箔贴箔的方式，增加了金属感，同时尝试了一种新的表现方式。这种朋克美学的精神旨在独特的反叛精神与冲突美学的结合，作品不仅反映了雕像本身带给艺术家的冲击，也带有对亚洲文化跨语境的深刻思考。由于国画表现方式的有限性，艺术家在材质和灵感的尝试之外，更注重笔墨语言的诠释与传递。笔墨语言作为亚洲语境的一个重要体现，在这组作品中得到了充分的展现和创新。
L'opera esposta "寤寐"(Waking and sleeping) è un gruppo di statue buddiste uniche, ispirate dalla visita dell'artista a una fabbrica di sculture in legno di statue buddiste. Queste opere utilizzano tecniche di pittura tradizionale cinese che combinano dettagli precisi e tratti liberi. Il volto delle statue è delineato con la tecnica tradizionale del disegno a linee, evidenziando le principali caratteristiche facciali. Il corpo, invece, è rappresentato con pennellate ampie e libere, creando un contrasto netto con il volto e aggiungendo ricchezza e profondità all'opera. Alcune venature del legno sono rese attraverso la tecnica del "cun" e l'uso di ocra con tocchi di pennello.Queste opere riflettono anche una profonda riflessione sulla lunga storia culturale delle statue religiose in Asia. Durante la visita alla fabbrica, sia le imponenti statue buddiste che i piccoli pezzi di legno delle statue di gruppo hanno offerto all'artista nuove sensazioni. Gli operai della fabbrica spesso appendono chiavi di ferro e tubi di plastica sulle statue (come mostrato nell'immagine), e l'inclusione di questi elementi moderni non appare irrispettosa, ma piuttosto conferisce all'opera un'estetica moderna e assurda, uno stile unico di "punk religioso". L'artista ha creato queste opere su carta dorata, utilizzando la tecnica del foglio d'oro per aumentare l'effetto metallico, sperimentando un nuovo metodo espressivo. Lo spirito di questa estetica punk mira a combinare uno spirito di ribellione unico con un'estetica del conflitto. Le opere non solo riflettono l'impatto delle statue sull'artista, ma contengono anche una profonda riflessione transculturale sulla cultura asiatica.A causa delle limitazioni delle tecniche tradizionali di pittura cinese, l'artista, oltre a sperimentare con materiali e ispirazioni, si concentra maggiormente sull'interpretazione e la trasmissione del linguaggio del pennello e dell'inchiostro. Come importante espressione del contesto asiatico, il linguaggio del pennello e dell'inchiostro è pienamente esposto e innovato in questa serie di opere.
- 汪森琳 -
- Sally Wang -
汪森琳（Sally Wang），中国杭州人，现高中在读，对运动和艺术都充满热情。作为一名年轻的艺术创作者，艺术家在过去两年中创作了许多富有个人情感的画作，她喜欢深入思考艺术的各种表现形式，并热衷于探索绘画中的深层意义。艺术家的作品展示了她对绘画技巧的精湛掌握和对美的独到理解，她能够在画布上自由地表达自我，展现出青春的活力与细腻的感受力。她的画作是情感与思想的交融，呈现出一种绝美的力量。
< 赤煌之壁 > - 纸面油画 - 53 x 75 cm - 2022
本次参展作品《赤煌之壁》，灵感来源于敦煌壁画的宏伟与神秘，艺术家在这里大胆运用了黄土赤棕之色，以此营造出一种古老而神秘的氛围。画面中，深邃的暗色调与中心鲜明的红色图案形成了强烈的视觉对比，这不仅增强了光影的渲染力，还巧妙地引导观者的视线深入画面的核心。
作品的色彩和构图让人联想到敦煌壁画中超脱时间与空间的感觉，仿佛能够穿越千年，直接对话历史。艺术家通过现代的绘画技巧，重新解读了传统的文化遗产，使之与当代审美相结合，创造出一种新的视觉语言。激发了人们对古老文明的好奇和尊重，同时也引发了对现代生活和传统价值之间联系的深刻思考。画中那些流动的光影和色彩的层次，仿佛在讲述着一个关于时间、文化与人类精神的永恒故事，让观众在欣赏中产生无尽的联想和共鸣。
L'opera "Divine Beings Region" in questa mostra è ispirata alla magnificenza e al mistero dei murali di Dunhuang. L'artista utilizza qui audacemente loess e colori rosso-marrone per creare un'atmosfera antica e misteriosa. Nell'immagine, i toni scuri e profondi e il motivo rosso brillante al centro formano un forte contrasto visivo, che non solo migliora la resa di luci e ombre, ma guida anche abilmente gli occhi dello spettatore a penetrare nel nucleo dell'immagine.
Il colore e la composizione dell'opera ricordano il senso di trascendenza del tempo e dello spazio presente nei murales di Dunhuang, come se potessero viaggiare attraverso migliaia di anni e comunicare direttamente con la storia. Attraverso moderne tecniche pittoriche, l'artista reinterpreta il patrimonio culturale tradizionale e lo combina con l'estetica contemporanea per creare un nuovo linguaggio visivo. Ispira la curiosità e il rispetto delle persone per le civiltà antiche e innesca anche una riflessione profonda sulla connessione tra la vita moderna e i valori tradizionali. Gli strati fluenti di luce, ombra e colore nel dipinto sembrano raccontare una storia eterna sul tempo, sulla cultura e sullo spirito umano, consentendo al pubblico di creare infinite associazioni e risonanze mentre lo ammira.
ISOLART为新兴艺术家提供在海外展示作品的优质平台，为艺术家申请英美人才签证参展材料。
个人展览/快闪展投稿请联系微信号
ISOLART002
或邮箱
展览预告
展览预告║"Existentialism/存在主义"TaylorChyn当代珠宝艺术展
其他项目
ISOLART快闪展Pop-up Exhibition ║第一期艺术家：Bea Hatcher
作品征集
作品征集║2024 意大利"MEDUSA,la Gorgone" 艺术奖
作品征集 ║"Fragments/片段微痕” Photography Exhibition 摄影展
往期展览
展览开幕║“MAPPE/地圖萬象”2024米兰国际艺术周大型展览隆重开幕
展览开幕║"SOGLIE DELL'INVISIBILE"/“ 影壁 ”2024 意大利当代艺术家邀请展隆重展出
意大利电视台报道║“ 归墟 ”2023/2024 佛罗伦萨国际年度艺术展
展览开幕式 | 圣母百花艺术周 Art Week Italia di Santa Maria del Fiore
展览开幕，敬请关注!
欢迎关注画廊官网isolartgallery.com ，或通过微信扫码联系我们。
（官方微信：ISOLART001）
