retro2024 | 又是一年,新音乐手册年鉴作品

文摘   2025-01-20 17:02   北京  
新音乐手册 年鉴作品
2024

什么是镜子?

第二张脸,

第三只眼睛。

——阿多尼斯

镜子作为智性的象征之一长久地存在于我们的文明之中,甚至于当今的生物行为学,也将镜子测试作为检验生物具有自我认知与否的手段,这其中镜子的作用并非与主体隔离开的工具,相悖的,镜子是侵入性的,它对自体这一从意识层面无法突破的羊水作悬置,通过对自我视角的反视而破坏其自然状态下的观察向度,从这一角度而言,镜子检测是不适的;也可类比地,被凝视是不适的,它们都通过反转/超出主客单向性的方式向世界服务。

每年的作品汇总中,我们都强调“这不是一场选美或赛马”,今年同样如此。在某一圈层中,默默地将评论认为是“创作性工作的附庸”,并将“评论工作不产生更丰富的可能性”作为偏见的中心,以至于将负面的批评限制在“事优主义”——为了将批评对象修正为更符合审美场结构——的范畴内。在这种气氛中,似乎只有发掘出了“合乎场景”的作品才算是在年份上刻下了尺度,殊不知,无论单向度的礼赞还是批评,都不过是对着镜子的刻舟求剑。因此,本年度的作品评价更多地收集了一批强批评性的评论。评论如往年一样来自于乐评人、音乐学人、作曲家、演奏家等不同的群体。希望能给予读者些许差异性的理解。

以下作品皆于2024年首演或修订后再演,
文章由新音乐手册作者及读者共同产生,不使用生成式 AI 写作,作品顺序无排名。



尤格·马尔科维奇 Jug MARKOVIC
圣母悼歌,为合唱团、维奥尔琴和电子音乐
Stabat Mater, pour chœur, viole de gambe et électronique

是一部为合唱团、古提琴与电子音乐而作的作品。在我聆听过的为数不多的音乐会中,这首作品给我留下了深刻的印象Ircam发起、与凡尔赛巴洛克音乐中心(Centre de musique baroque de Versailles)合作首演,其文本来源于一首中世纪的宗教赞美诗和序曲,历来已有无数作曲家为其创作过不同编制的作品。然而据维基百科所记,Markovic 这一作品或是首部将《圣母悼歌》与电子音乐结合的作品。作曲家根据文本段落将作品分为20小段,通过对人声的不同组合、电子音乐的多样呈现方式,以及舞台灯光的巧妙运用,听众可以清晰地感受到每个段落之间的起伏与变化面对这样一个已经拥有大量作品目录的经典宗教文本,新一代作曲家如何进行创作,的确是一个充满挑战的课题。而作曲家在意识到这一点后,反而卸下了原创性的重担,将创作重点放在声音本身。他并非通过作品致敬圣母与基督,而是致敬这些象征在音乐上所激发的爱与激情。作曲家试图编织一种与过去的联系,这种联系并非忠实地再现过去,而是将自己融入一种充满活力和敬意的连续之中。

by 丁岚清
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©️ Ircam
Premiere 27 April, 2024

Fiera Bolzano (Exhibition Center)

Christine Plubeau-Mazeaud, viole de gambe 

Fabien Armengaud, direction musicale 

Johann Philippe, électronique Ircam

João Svidzinski, électronique Ircam

Jérémie Bourgogne, diffusion sonore Ircam 

Les Chantres du Centre de musique baroque de Versailles


https://brahms.ircam.fr/fr/jug-markovic
◤ 作曲家主页
https://www.jugmarkovic.com/

克拉拉·伊安诺塔 Clara IANNOTTA
紫红花洒落大地,为钢琴和管弦乐团
The purple fuchsia bled upon the ground, pour piano et orchestre

擅长改造乐器并附加额外发声物件的42岁意大利作曲家 Clara Iannotta,这次却一反常态,在作品中没有使用任何钢琴内部演奏法。钢琴作为主要的躯干,面对的真实即是这件乐器在击弦后声音必然消逝的特性。从这一点出发,作曲家将电吉他、打击乐以及一架微分音合成器被设计成延续钢琴音色的共振箱,用以晕染钢琴原本的声音。每一次钢琴的冲击,都打开了一个被晕染的音色世界,与作品的标题形成了呼应。Dorothy Molloy 的诗作几乎启发了作曲家近十年来的所有音乐。据她本人透露,钢琴部分的节奏完全源自Molloy的诗Burial的音节:诗在朗读时的重音变化,元音与辅音的交替,都被作曲家一一记录并融入作品之中,洒落在乐曲的每个角落。

by 陈煜珩

脉冲音响的消逝得到延伸,其激发点在材料第一次重复中变得更为密集,音色类型亦更为多样,由此,一种颗粒状的听觉错觉诞生。《紫红花洒落大地》正发轫于此。前者及其延伸在简单呈示之后被无数次分离、并置。脉冲素材因钢琴音响的较弱延伸性,最初趋于点状,随着力度增加逐渐倾向于线性,而与背景中的音响态势趋同。这一材料的发展贯穿全曲音响的延伸性依靠力度的变化乃至踏板的加入、击弦等逐步增强,最终结束于敲击琴体的点状声音,各类颗粒性较强的音响则于数度蔓延开来的线性音响群中成为脉冲音响的激发点。这一最为基础的音响形态的一体两面,点与线得以辨明,而乐器法细致的设计中呈现出的音色明度的错落将之标记,又在某种程度上与钢琴音响态势发展的手段相应被分离的余响在错觉与时间性结构中不约而同地重新合一,或许是其协奏性所在。

by 乐正明懿

音响化的今天并不是对上世纪波兰或德国音乐的重现。和对历史的重复相反,以高度融合的音响著称的 Iannotta 正在尝试一种全新的个人语言,她将主题和变形潜入声音的暗面,在多音响间构建微妙的细节联系,牵连起整部作品的结构力,而使她的作品愈发的精炼和超验。《紫红花洒落大地》即是如此,它延续了近年来的音响化乐队风格,使用管弦乐团模仿与扩张独奏乐器的频谱。其中一组不断变形的音响由钢琴和乐队合成得到,音势显著,如同抛洒的姿态或是砸下琴盖般的轰鸣,手法上神似于前期频谱派和 Sciarrino,在形态的重现中不断改变其细部的纹理,使重现的形态和不可预期的变形相平衡。

同时,该作品的乐思又是清晰的,作曲家以概括的方式提炼出钢琴音响的特性,一是突出的起音音色:其为模糊、低沉、非稳态的渐弱音响,作品中的器乐合成音和钢琴低音区的节奏都在强化这一点——或戏仿或原始;二是在单音消退阶段中,残存在共振腔中的高频泛音,其尖锐而持续,在开篇的三个合成音响中分别以木管 non vibrato 和颤音琴等色彩打击乐的面貌出现,随后也如起音一样,通过钢琴的极高音区表现。这种对钢琴音响包络的概括也延续到了曲式的层面,作品整体在三次宏观的力度交替中逐渐向高音区移动,直至结束于高音区的密集音型。因而可以说,《紫红花洒落大地》是一部为钢琴音色而作的“管弦乐团素描”,或许正是因此,Iannotta 并未对钢琴做复杂的预制,仅用了极有限的 string piano 技术:足以点亮它就好。

by 栾复祥
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©️ Jörn Neumann
Premiere 12 May, 2024

Pierre-Laurent Aimard, piano 

WDR Sinfonieorchester 

Elena Schwarz, direction


https://brahms.ircam.fr/fr/clara-iannotta
◤ 作曲家主页
https://www.claraiannotta.com

丁岚清 Lanqing DING
触,为六位乐手 
Touch, pour six musicians

丁岚清是我心中最有诗意与人味儿的作曲家之一,首演于2024年 ilSUONO 当代音乐周的《触》更是这些特质的缩影。我很喜欢这部作品对素材克制而有效地开发:贯穿全曲的经蓝丁胶处理后的钢琴呈现出扬琴与古琴和鸣的音色,却在其他乐器极小音程的滑音语境下以泪滴的形态含苞待放。没有任何无用元素干涉这微妙的声景,直到结尾功能和声的出现,犹如忽然从美梦中抽离——“醒是从梦中向外跳伞”。

by 邵易凡

Touch, feel it”,该作品唯一的一句说明。

《触》使人笃信在“大他者”之外,当代音乐仍能保守住作曲家们的秘密。这是一部在意识与疏离中游走的作品,它采用了一个简单的三段体结构。第一部分逐渐展开,使用 muted 的预制钢琴,与钢琴高音和其他乐器形成点描,在低音提琴往复音型的衬托与对比中,“阳关”音程影子般地闪烁其间:丁岚清保持了她对音色的敏感性,以简单的奏法、节奏和形态呼唤出远在东方的听觉记忆,但是耳语式的,只是作曲家与听众间的一种默契。第二部分卸下紧张度,整体处于无拍的状态,偶尔以不经意的密集音型和乐器间模仿维系起张力,增四度上的音钵、指板演奏和气声塑造出萦绕的焦虑感。第三部分:“拨弦“、琶音和余音,丁岚清主观地反转了古琴、扬琴琶音和余音之间的力度与明暗关系,使用钢琴预制弦的重音表现挑弦,而用强而复合的呼吸力度,象征其余响,以建立一种超现实的聆听,直到其被突兀的终止——留不住的想入非非。

by 栾复祥

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©️ IlSuono
Premiere 18 July, 2024

Ensemble Suono Giallo


https://brahms.ircam.fr/fr/lanqing-ding
◤ 作曲家主页
https://lanqingding.com/


亚历山大·舒伯特 Alexander SCHUBERT
渗血模拟,基于VR的表演作品 
BLEED.SIM, VR-based Performance Piece

圈地自萌和兜售情怀并不是当代音乐的归宿。过去几年间,智能物(l’objet intelligent)造就了许多实时-电声音乐的“奇迹现场”,但有个问题始终悬而未决:这些“电子萨满”究竟如何参与并更新我们对人类世音乐的定义?在 Alexander Schubert 年初发布的《渗血模拟》首演影像中,这一问题似乎找到了某种可能的回应——通过消解自我的赛博仪式,真人表演者以“生成-幻象”装配的非表演角色(Non Performable Character)化身新造的酒神。尽管该作品延续了作曲家一贯的“后人类叙事”腔调,且 VR 的生成式交互在形式上略显粗粝生硬,但它依然以一种独特的剧场实验形态启动了被 Schubert 称为“超人类技术浪漫主义”的欲望机器——通过对无机化身体的再编码,“渗透/流血”的潜在分身进化为开放的行动主体,重新参与和现实世界同频的创造性生成。创作者们无需过分介怀部分听众对“技术刻奇”的焦虑:比起评论家之于音乐实践的不谙其道,他们担心的只是一些自诩先锋的艺术家在资本权力前的婉转承恩。然而,真正追问“未来音乐何为”的音乐哲学家们应当牢记——人类的忧郁、脆弱和真诚,才是永恒的“前沿科技”。

by 肖文迪

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©️ Alexander Schubert
Premiere 15 November, 2023

Philippe Spiesser, intèpret


https://brahms.ircam.fr/fr/alexander-schubert
◤ 作曲家主页
https://www.alexanderschubert.net


马丁·马塔龙 Martin MATALON
“卓别林工厂”,三部为卓别林的电影音乐会 
“Chaplin Factory”, Trois ciné-concerts pour les films de Charlie Chaplin

电影音乐会(Ciné-Concert)是指在银幕上播放影片原片的同时,乐团为其进行现场演出。作为该体裁最主要的创作者,Martin Matalon 的作品将我们拉回到沉默的20年代,他曾为 Fritz Lang 的《大都会》(Metropolis)作曲,演出后的六次谢幕标志着它的空前成功。这种演出形式在视觉和听觉之间达到一种天然的平衡。抽帧、快放和音乐的时均(metric),默片与音响织体相仿的间离感,契合中营造出独特的想象空间。具体实现上,Matalon 对节奏和声音事件的精准控制,极大丰富了音乐的叙事与电影的叙事之间的相互关系。电子声音的使用,逐渐淘汰或掩盖了大量不太有效的特殊乐器技术,展现出声音本身的高技性(Virtuosité),这都离不开音响工程师 Etienne Démoulin 的完美实现。而所用的乐器法使则相对常规,局部的音响实验早已不是他的创作核心,但这并不意味着难度的降低,特别是作品中为对齐画面而精确到小数的演奏速度,极具挑战性。影片 《移民》(Immigrant)的结尾,有持续三页的大提琴独奏,在速度110BPM下完成每拍4-6个近乎随机的音高、连续大跳、高音区形态化跑动、持续不规则重音和弓法以及固定电影速度下对精准度的极限要求。手风琴与电子声音结合的迷幻场景,以及前作《大都会》开头的极速电子五连音动机也都令人印象深刻。

by 刘家麟、周易

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©️ Quentin Chevrier
Premiere 30 May, 2024

Trio K/D/M

Anthony Millet, accordéon
Aurélien Gignoux, percussion
Emil Kuyumcuyan percussion
Clara Barbier Serrano, soprano
Nicolas Fargeix, clarinette
Ingrid Schoenlaub, violoncelle
Louise Ognois, trombone
Martin Matalon, direction 
Etienne Démoulin, IRCAM electroniques
Sylvain Cadars, IRCAM son diffusion


https://brahms.ircam.fr/fr/composer/martin-matalon/biography
◤ 作曲家主页
https://martinmatalon.com/biographie/biography/


巴斯蒂昂·达维 Bastien DAVID
我是风暴,为三位钢琴家、两位打击乐手和室内乐组合
Je suis Orage, pour trois pianistes, deux percussionnistes et ensemble

《我是风暴》受主攻现当代的奥尔良国际钢琴比赛(Concours international de piano d’Orléans)委约而作,其延续自作曲家2021年的《为六十指而作的作品》(Pièce pour piano et soixante doigts。新作品并不多么前卫,更多地令人回想起 Anthei或 Wyschnegradsky 等中早先锋派,使用模式化的声音材料演奏方式上,《我是风暴》继承了前作的基因,两部作品皆在消解钢琴中经典的旋律与炫技性面貌,从对发声的改造中,扩大其打击乐的一面。两部作品采用了三种钢琴的演奏方式:键盘上的六手联弹、琴箱内的弦钢琴和预制技术,以及在钢琴内部的打击乐——如敲击琴弦面板等非音高件。三者间的结合产生可被发展的音响,特别是第一部分中固定音型与弦钢琴的结合,在键盘低音区演奏的同时,使用手指按弦并不断改变泛音点位置和压力,以形成音高的连续下降与色彩的钝化,并通过此类音响的并置产生钢琴中少见而多见于打击乐重奏的渐入渐出织体。第三部分以六手联弹为主,在三个音区中演奏模式化的音组,配合打击乐在弦上敲击的密集音型,以突出钢琴多音区中不同的色彩特点。

该作品对比赛音乐炫技性(virtuosité)和个人性的惯习作了反论,由三名奥尔良赛冠军同时演奏——这无疑是赛方最大的初衷,舞台上拥挤的钢琴也构成了一个剧场性的焦点。但同时,本作中波兰声音主义的风格在当今略显直叙,新音响缺乏记忆点,演奏方式的探索和作品的展开也过于可预见。而在第三部分中,管乐器过于喧嚣的配器与沿刮奏的声音间几乎割裂,重复的 tutti 音响欠缺发展且让演出变成了钢琴与乐团间声嘶力竭的音量竞赛,以至于无法与 David 近期的其他作品相比。

by 栾复祥
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©️ l'Ensemble Intercontemporain
Premiere 4 November, 2024

Svetlana Andreeva, piano

Winston Choi, piano

 Imri Talgam, piano

Gilles Durot, percussion

Samuel Favre, percussion

Ensemble Intercontemporain 

Léo Margue, direction


https://brahms.ircam.fr/en/composer/bastien-david/biography
◤ 作曲家主页
https://www.bastien david.com/

瓦迪姆·D·杰宁 Vadim D. GENIN
ABBXABXY,为长笛和电子音乐
ABBXABXY, pour flute et electroniques
这首长笛独奏与电子音乐结合的作品通过音型、节奏、音色和电子技术,细致展现了玩家在电子游戏中从迷茫摸索到掌控节奏、渐入佳境的过程。开篇,长笛部分采用无规则音型、不对称节奏和非传统技法(如气流音、打击键音),描绘玩家初期的尝试无果与混乱,而电子部分通过失真效果、断续脉冲声和机械音色,营造出紧张的虚拟游戏氛围,模拟游戏中的“输入-反馈”机制。实时音效处理(如延迟、混响和滤波器扫频)使长笛与电子部分融为一体,展现玩家的成长过程,并与长笛的不同音区的颤音的互动强化了挫败感。颤音与音区的大跳展现了操作的动态感与戏剧性,颗粒合成和频率调制进一步增强了突破难关时的兴奋氛围。整部作品通过长笛与电子音效的结合,构建了富有表现力和叙事性的音乐旅程,展现玩家从探索到掌控的完整过程。
by 冯鼎

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©️ Quentin Chevrier
Ensemble Suono Giallo
Andrea Biagini, flûte


◤ 作曲家主页
https://ulysses-network.eu/profiles/individual/31061/


宋杨 Yang SONG
精灵,为佩戴动作传感器的三位打击乐、影像和现场电子音乐
Les Djinns, pour trois percussionnistes avec capteurs gestuels, vidéo et électronique-live
宋杨的《精灵》以雨果的《东方集》为灵感,塑造了声音、图像、舞台表演合一的声音剧场。宋杨的创作有一种果断的美感,从不拖沓也丝毫不慢热,起笔便掷地有声,赋予作曲家一种独特的创作品格。整部作品有清晰的铺陈,严丝合缝的气口,在声音转换中呈现出上升的次第。分离、变形或合一,图样纹理细致入微,在多媒体中生长延展,三位打击乐手环绕着,将声音悉数缠入。图像和声音的互动及变化在不断发展,一位乐手缓缓步入,通过动作传感器触发形象的音响,现场空间与预制的影像空间重叠,至此主客合体,听众随之入画。最后,在呼啸与攀爬中,图像与声音一同奔涌向前,信仰与摄受,清晰而准确,在当代音乐现场非常难得的、直观的体验。或许是音乐学、作曲的跨学科及其跨文化学习经历,让她游刃有余地现身其中。既有大开大合的张力,也有精灵般的闪光。
by 张婕怡

《精灵》在声音形态、旋律形态、新演奏法等层面,对海洋这一主题作了音乐化的模仿与演绎;也将影像、行为等不同的媒介整合在该主题的统摄之下,并保持音乐的媒介中心性。作品乐思清晰,对当代打击乐技术进行了的整合,特别是在奏法和音势方面,具有很高的精细度。音画方面,作曲家通过乐手背后的三联屏投影来呈现一系列海洋影像。影像与音乐部分高度同一化,使用经典的影像采样正反放作为单元进行循环,保持对音乐的节奏模仿性;作品最后,三位独奏家以尽可能快的速度与轻力度依次进入,形成渐强-渐弱的线形旋律;独奏家所佩戴的动作传感器控制影像由全黑淡入再淡出——如同浪涌一般传递,是作曲家本人心目中最具诗意的一段。但本作中音画手法也有尚待商榷的地方,一是上述投影淡入上不合时宜地引入了全黑淡入,造成了投影灰度和观看张力的不连续——这也是许多 ircam 作品中都存在的共性,创作者对于声音的敏感度远远超过影像,因而会对后者中的细节有所忽视;二是作品中行为表演的部分,走到台前的动作欠缺设计使观众不易读取乐手的手部动作与传感器音响之间的联系;三是整部作品音画同一性过于绝对,几乎无间离的音画手法虽然保证了理念呈现的安全,但也削弱了影像艺术的力量感,特别是作品中过多的剪辑单元与整体“景观摄影”的影像风格,使之在音乐之前略显仆从化。

by 栾复祥

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©️ RAW Shanghai
Premiere 20 October, 2024
Les Percussions Strasbourg:

Théo Guimbard, percussion

Yi-Ping Yang, percussion

Minh-Tâm Nguyen, percussion

Étienne Démoulin, électroniques

Léo Margue, direction


https://brahms.ircam.fr/en/composer/yang-song/biography
◤ 作曲家主页
https://www.yang-song-composer.com/

尤斯蒂娜·雷普茨凯特 Justina REPEČAITĖ
变声,为蛇号、童声合唱和电子音乐
La Muë, pour serpent, chœur d'enfants et électronique-live

形式与其象征的矛盾贯穿于我们的过去之中,这一长久的纠结也意味着潜入历史来谋求当下是可行的。曾在 Cursus 与唱诗班学习过的 Repečkaitė自然清楚这一点。她的《变声》同样来自今年的 Janus 项目,由 Ircam 与凡尔赛巴洛克音乐中心的童声合唱团,以及蛇号演奏家 Patrick Wibart 共同合作完成。作品文本则来自18世纪医学家 Samuel Auguste Tissot 的《关于变声的论文》(Essai sur la muë de la voix),整体采用了后频谱的和声织体,使用相似形态的旋律片段轮唱并尽可能保持复调关系的简单原始,通过新人声的语素化方法,在电子音乐的和声、调制作用下消解轮唱的观感,而变成流动的和声雕塑。需要提及的是,音乐中心的童声合唱团会反常规地吸纳变声中的少儿,不同亮度,乃至略微破碎的嗓音为作品带来更丰富的可能性与对比——这也是作曲家所欣赏的。相仿的美学也延伸到“蛇号”的使用中,这一乐器的浑浊音色与分裂音曾为柏辽兹所诟病,如今却被作曲家刻意地夸大,通过演奏者的喉腔振动、微分音奏法而产生更为粗粝的笔触;现场电子音乐的使用亦在强化这一点,通过人为地放大、调制、突出共鸣泛音或进行局部扫频的方式,增强其古拙的美感,特别是在合唱与电子音乐和声构成的频谱织体中,起到支撑和对比的功能,这也曾是蛇号在宗教音乐历史上的职能,如今再现,并非陈列,而是复活。

by 栾复祥
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©️ Ircam
Premiere 27 April, 2024
Fiera Bolzano (Exhibition Center)
Patrick Wibart, serpent 
Clément Buonomo, direction musicale 
Johann Philippe, électronique Ircam
João Svidzinski, électronique Ircam
Jérémie Bourgogne, diffusion sonore Ircam 
Les Pages du Centre de musique baroque de Versailles 


https://brahms.ircam.fr/en/justina-repeckaite
◤ 作曲家主页
https://www.justinarepeckaite.eu/

西蒙·斯汀-安德森 Simon STEEN-ANDERSEN
无协奏曲,为演员、钢琴独奏、管弦乐团、影像、电子音乐和灯光
No Concerto, pour acteur, pianiste, orchestre, vidéo, électronique et lumière
“日久变质而软趴趴的文明身上,那秋意阑珊的智慧怎么叫人不喜欢。”
——萧沆《历史与话语》
民粹的时代,站在文化保守化的洪流之中,焦虑成为一种新的时尚。《无协奏曲》即讲述了一个文化灭世后的故事:在没有音乐的未来,考古学家发现了一盘录有贝多芬《第四钢琴协奏曲》的录音带,并回到当年录制时的全息影像中,最终在狄俄尼索斯式的陶醉中毙命。从纯技术的角度,这部作品调度难度很大,且要求乐队在非常规的状态下演奏——甚至可以说仅能由他和少数几个作曲家才能做到。贝多芬主题中的和弦被逐渐人格化——就像其在原作中一样,从直接的引用渗透进角色的弧光中,最终成为其心跳的象征,加之 Sebastian Rudolph 动人的表演,令人印象深刻。然而作品折射出的刻奇一面同样令人不安,该作品过于依赖于剧场性的作用,依赖“音乐既成物”的引用和重制,而 Steen-Andersen 自己却没能赋予作品多少塑造。作品将管弦乐团作为表演的载体之一的方式限制了其演奏,特别是作品中间大段的主角与电台主持人独白,几乎下降到了音效的位面,因而显得空洞如一件焦虑制成的摆件。
by 栾复祥
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©️ Alessandro Bosio
Premiere 27 April, 2024
Rei Nakamura, piano 
Sebastian Rudolph, acteur 
WDR Symphony Orchestra 
Michael Wendeberg, direction


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  走向现代 

多维视角下的现当代音乐8讲



主讲
音乐学教授-橙客 / 单簧管演奏家-Vasko Dukovski / 知乎古典音乐大V-ff谈钢琴 / 预制钢琴演奏家-李心羽 / 当代音乐乐评人-栾老师 / 沼泽乐队古琴手-海亮 / 作曲家-金卓晟 / Podcast大叔聊古典创办人-吴毓庭 


走向现代
-多维视角下的现当代音乐8讲-

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注:原课程为直播形式,现在购买的课程为直播形式的回放



策划/KKM 粼赫     执行策划/张果果       主持/粼赫       视觉/KKM        文案/ 张果果     教务/张果果


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赫有声
作曲家粼赫:有观点的音乐科普与赏析。雅各布斯音乐学院作曲系毕业。
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