2023年，有哪些新音乐作品值得关注？

文摘 2024-07-24 13:48 四川

「走向现代」讲座导师专栏系列：栾复祥

新音乐手册 年鉴作品

2023

转载自公众号「新音乐手册」

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on vieillit notre esprit, sans vieillir notre musique.

重力比任何语言、艺术、思想、战争都更残酷的改造了我们的观念，在我们知晓了失重的存在后，我们便再不能以弗雷德里希的方式站在山顶；我们以腾云驾雾的方式想象神性，我们以克服重力作为对人世的反论……这种长久的力量使我们在集体无意识的海洋里企图站立，像想象一面立牌一样想象我们，一端连接着根茎，一端指向着天空；却在实际上，如同一具尸体一般沉入它的深海。如果可以，我愿成为一块土豆，一块漂浮于太空中的块茎，它的基因里写着对重力的传说，但它如今所朝向的只有光——各向而来的光的礼赞。

有人将聆听当代音乐的过程，比作是一场向着象征世界的出走——这将是我们2023年鉴作品的主题。今年参与汇编的作者包括了乐评人、爱好者、作曲家、独奏家以及音乐学人等，所选出的作品皆以块茎式的开放性，成为复合的思想、风格、技术的通道。这俨然形成了一个新的块茎种族，而命名则是对它的灭绝。今年我们选取了9部新作品进行介绍，它们之间没有同一的标准，仅仅是值得被关注而已，这也意味着我们的年鉴作品不是一场对作品的选美，而是一次面向听众的、以多元为目的的游记。

以下作品皆于2023年首演或修订后再演

由新音乐手册作者及读者共同产生，作品顺序无排名

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约格·弗雷德里希·哈斯 Georg Friedrich HAAS

11000弦，为50架微分音钢琴和室内管弦乐团

11.000 Saiten, für 50 mickrotonal zueinander gestimmte Klaviere und Kammerorchester

多微分音钢琴的作品在 Ives 和 Wyschnegradsky 的时代便已有之，作曲家们痴迷于这一组合带来的独特和声与间离效果，Haas 也曾在他的《有限近似》（Limited Approximation）中采用了六架微分音钢琴的编制，11.000 Saiten 则将这一编制推向极致。这一作品在创作技术、观念，排演调度、乐器的预制和性能层面皆有着极高的难度，在三年的期待后，我们终于领略到了 Haas 的这部“小宇宙“。作曲家共使用了50架微分音钢琴将观众包围在其中，并令室内乐团穿插在钢琴之间。相邻两架钢琴之间采用仅2音分的极小音程差，从而将50架钢琴所组成的星云坍缩进平均律中最小的音程单位：一个半音之内，使钢琴获得了时值和频率的连续性。在钢琴群的散射中，半音跑动形成了粉色噪音，泛音列和弦有了浓厚的笔触，无尽层流的 glissando 组成了致密的网络，随机化的大小三和弦则形成回响式的嗡鸣……由此，Haas 通过纯器乐的方式制造出了粒子合成的音响效果。微分化的钢琴群令经典的音乐结构散射开来。最后一段引入钢琴音响的空间运动，真实的声场空间与虚拟的音响空间皆具有空前的张力，不时出现的五度和声以 reminiscences 的方式贯穿全作，并在一次次掠过时不断间离化，给予了该作品寓言式的表达。所谓“黄钟毁弃，瓦釜雷鸣“，声场中的听众在谐和与噪声、器乐与音响、记忆与超验之间游牧，重新审视我们对音乐的态度。

by 栾复祥

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©️ Klangforum Wien

Premiere August 1st, 2023

Fiera Bolzano (Exhibition Center)

Mahler Academy Orchestra
50 Pianists play on Hailun Pianos

https://brahms.ircam.fr/en/composers/composer/1520/

◤ FULL SCORE

https://issuu.com/casaricordi/docs/haas_11000saiten_00_full_score_20230302

奥斯卡·比昂齐 Oscar BIANCHI

湿 | 半干，为女高音、八件乐器和电子音乐

Pozzanghere | mezzo seccated, pour soprano, huit instruments et électroniques

这一作品首演于路线室内乐团（Ensemble L'Itinéraire）五十周年庆的第一场音乐会。作品长约22分钟，灵感来源于意大利诗人尤金尼奥-蒙塔莱（Eugenio Montale，1896-1981 年）的著名诗集《墨鱼骨》（Ossi di seppia）的开篇。根据作曲家的描述，在这首诗中，诗人的笔触极为细腻精致，对细节的关注无微不至，常常描写日常生活中具体而朴实的事物。这种具有穿透力的诗歌手段、这种语义深度、这种对语言的无限探索，都是为了一个纯粹而看似平庸的形象服务，构成了一个与我的音乐理想极为相近的宇宙。作曲家通过乐器之间的不同组合，比如手风琴与低音提琴的空间与戏剧化的建构，钢琴与打击乐对应于具体而朴实事物，小号与女声在诗性、抽象、与抒情层面的交缠，给听众们构建了一个带有反思的声音体验之旅：通过声乐，我们能走多远，我们能讲述什么，我们能给生活带来什么？声音如何让聆听变得超越语义或抒情？

by 丁岚清

©️ DR

Premiere November 17th, 2023

Ensemble l'itinéraire
Ircam-Centre Pompidou

https://brahms.ircam.fr/fr/oscar-bianchi

◤ 作品详情页

https://www.oscarbianchi.com/compositions/pozzanghere-%7c-mezzo-seccate/

克拉拉·伊安诺塔 Clara IANNOTTA

黑暗土地之折，为 RAGE 长号组合、管弦乐团和电子音乐

Where the Dark Earth Bends, for RAGE trombones, orchestra and electronics

2020年，作曲家 Clara Iannotta 确诊乳腺癌，在一年内的治疗中围绕在她身边的是种种仪器噪声以及反复无常的检查报告。这使得她的创作思路一度中断，并使其被迫重新思考她与她的音乐语言的关系。《黑暗土地之折》（Where the Dark Earth Bends）是她在此之后第一部大编制交响作品，并且包含特定的两位长号独奏家——Weston Olencki 与 Mattie Barbier，即 RAGE Trombones 组合。需要强调的是，这部作品并不是传统意义上的“长号协奏曲”。在听觉体验上，人们在这部作品中再也听不到单一乐器的音色，所有关于协奏曲的期待都转化为一种电子音乐式的体验：不再是独奏家与乐团的对话或对抗，而是将独奏乐器的声音“打开”窥探并分析其内部的复杂噪音纹理，再由乐团进行“放大”，这一点颇有70年代 Grisey 作品的气度。声音在 Iannotta 的笔下塑造得如同被黑洞扭曲的光晕一般精致而易碎。与其说是在听交响织体，不如说是近乎于使用模块化模拟合成器对音色进行调制的过程。作曲家在总谱中对于两个独奏声部的标记并非依照传统使用乐器名称进行标识，而是直接使用演奏家的姓名取而代之，使人深感到作品不是为了“乐器”而作，而是为真实具体的“人”而作的意味。

值得一提的是，据作曲家自己介绍，长号演奏家 Mattie 在这部长达17分钟的音乐中几乎不间断的使用循环换气进行吹奏，令亲临多瑙艾辛根音乐节现场的观众们叹为观止……

by 陈煜珩

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©️ Helsinki Philharmonic

rev.2023 October 24th, 2023

Helsinki Philharmonic Orchestra

https://brahms.ircam.fr/fr/clara-iannotta

◤ 作品详情页

http://claraiannotta.com/2023/10/where-the-dark-earth-bends-2022-23/

索菲亚·阿弗拉米杜 Sofia AVRAMIDOU

一抱到死，为八位乐手

A Hug to Die, pour huit musiciens

2023年的 Manifeste，Lin Liao 以其丝牵力曳的指挥张力，让我对 Avramidou 的作品有了全新的认识。其作品有如一具有力的躯体，通过张紧的肌肉传递出多变的姿态。这让我们不禁地想起中后期的 Xenakis，以及其作品所共有的神话、仪式性的节奏，粗粝的tutti，情绪的增长和决堤……或许因此，Ensemble Intercontemporain 选择将 Avramidou 的新作《一抱到死》（A Hug to Die）同 Xenakis 的 Jalons 一同演出。

Avramidou 习惯于从神话、传说与各类文学作品中捕捉无意识的布景，《一抱到死》的灵感来自 Martin McDonagh 的剧作《枕头人》（The Pillowman）。作曲家脱离了文学的叙述结构，将其中的谋杀、酷刑、抑郁、人性的幸存等情景进行了或音乐性的，或无意识的重组。手法上，《一抱到死》则是她以往作品的延续，包括复合发声方式、使用非确定奏法、以及对音响造型的临摹等。Waldteufel（摩擦鼓）这件小乐器是本作中的重要角色，作曲家在第一部分使用了它与琴弓的组合发声，使弓背的摩擦声同 Waldteufel 的音响相重叠；此后，这件小乐器持续、机械的音响更是在全曲中回旋——这既是对剧中角色精神状态或梦魇的暗示，其独特的结构化音响也是作曲家临摹的对象。该作品中主题性的 tutti 中使用了多种 sforzando 奏法以构成结构音响，作曲家在精确性与机遇性之间达成了声音主义的平衡，允许演奏者在 dynamics 层面做更多的演绎——其本身即是一种催人入幻的方式——尾声中，全体成员拉奏 Waldteufel，在网络式的卡农中纠缠而终，这也是 Avramidou 多年以来的常见作风，在乐队集体的无意识中回溯合奏的起源。

by 栾复祥

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©️ Ensemble Intercontemporain

rev.2023 April 6th, 2023

Ensemble Intercontemporain

https://brahms.ircam.fr/fr/sofia-avramidou

◤ 作品详情页

https://brahms.ircam.fr/fr/works/work/60463/

邹天羽 Tianyu ZOU

练习曲，为扩音的长笛独奏家

Étude, solo for an amplified flautist

On n'habite pas un pays, on habite une langue。

作曲家邹天羽，既是活跃着的，因此也是不允许被界定的。就像 Sequenza 之于 Berio，其练习曲系列的作品自然地成为作曲家思想的痕迹，人与作品互相定义，而很难从外部以一个单一的概念去框定它们。2021、22年分别为斯堡打击乐团（Les Percussions de Strasbourg），和钢琴+电声而作的两部练习曲更加着眼于声音的发生和重构，今年的这部练习曲则私密的多。如果单从声音的外缘来看，其似乎是一部“新人声”同乐器法结合的作品，邹天羽分别使用两行谱表记录乐器与人的声音，音素式的人声与低音长笛的各式 pianissimo 音响并峙、组合、干涉，令人想起 Globokar 或器乐具体音乐。不过，作曲家想要的绝非是老调重弹。如其标题所暗示的那样，这部作品中人是长笛的器官，长笛是人的零件，作曲家是它们的介质。邹天羽的目的是在两者之间诱导出习惯的张力，他刻意地令线谱保持缄默，作品开始的大段用持续线一笔带过，演奏指示反常地交由文字来完成，并引入观念与行为的尺度，在作品中加入10秒的沉默、反问式的提示等。邹天羽对习惯的破坏，给演奏带来紧张度，这一张力同作品中声音的紧张度相悖，在作品两端高高悬置，精确的现代记谱反而形成一处舒适的低洼。因此，这是一部实在地、为“独奏家”而作的作品。而演奏者在被给予演绎自由的同时，也更需要对作曲家的态度有所把握——对历史上的此类作品而言，这都是一大困难。

by 栾复祥

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©️ Meloman

Premiere September 15th, 2023

Konstantin Efimov

Tchaikovsky Concert Hall

https://soundcloud.com/tianyu-zou-413975786

陈晓勇 Xiaoyong CHEN

冈仁波齐，为西藏独唱、朗诵、独奏和混声合唱团

Kailash, for Tibetan singer, reciter, soloists and mixed choir

Kailash（གངས་རིན་པོ་ཆེ），即藏传佛教圣山冈仁波齐。本作品的第一乐章第一部分中三角铁点状音响及随后引出的大提琴脉冲音响都使笔者想起一些指向藏传佛教教仪的声音——法铃与铜钦。但笔者无意如此解读，暂述其结构为要。该作品共有四个乐章，每乐章的发展大体基于第一乐章第一部分呈现的点状→脉冲→持续→点状的音响组合模式进行变奏，其变奏手法中较为显著的一点是将特定音响从前期与其固定组合的音色中拆出而渐渐游走于不同声部之中。

近日听陈晓勇教授讲座，得知乐章标题分别为“存在”“死亡”“明光”“升华”，据讲座所述，此中存在也好，死亡也罢，一应非片时而就，而是连续过程。窃以为被渐变式的变奏模糊的时间是这一作品的核心要素，明晰的文字与音响似有似无地指向的文化在此已不重要——正如作曲家谈及的他的期待，一种打破了文化的对立，被用于构建一种“未来传统”的音乐语言。

by 乐正明懿

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©️ Xiaoyong Chen

Premiere August 26th, 2023

Ensemble CelloWercken Zutphen

International Cello Festival Zutphen

◤ 作曲家个人页

https://www.xiaoyongchen.com/

艾斯·怀特利 Ess WHITELEY

其内，大提琴、灯光和现场电子音乐

Intrå, for cello, light and live-electronics

Ess Whiteley 是加州大学圣地亚哥分校（UCSD）的作曲博士生，同时也是一位多媒体艺术家和表演者。他的作品《其内》（Intrå）是一场前卫的舞台表演，探索了表演者的无意识，也是一部典型化的 UCSD 实验。作品试图想象大提琴的无意识内在世界，将其视为一个有生命的、活生生的“生物”主体。人体和乐器共同构成了一个复杂的无意识的整体，通过表演者身后投射的形态多变的影子。这些影子类似于荣格所描述的阴影，是一种潜意识的隐喻。此表演要求表演者站在一个大屏幕或其他白色或浅色表面前，以便投射影子，并需要附带一个能够完全伸展尾钉的大提琴架。场电子设备和灯光将由另一个人通过灯光控制台和 Ableton 等数字音频工作站进行实时控制。灯光将随着大提琴演奏而变化，投射出各种不同的影子，形态不断变幻。

by 冯鼎

©️ Ess Whiteley

Premiere February 17th, 2023

Conrad Prebys Music Center Experimental Theatre, UCSD

◤ 作曲家个人页

https://esswhiteley.com/bio

◤ 作品详情页

https://esswhiteley.com/#/intra/

朴泳姬·琶案 Younghi PAGH-Paan

”妇人，你为何哭，你在找谁“，为管弦乐团

"Frau, warum weinst Du? Wen suchst Du?" für Orchester

“一个由概念支撑的世界观，并不比另一个从眼泪中冒出来的更具合法性。”

——萧沆《解体概要》

与《我渴》（I Thirst）等先前的作品一样，这部管弦乐的标题引用自约翰福音，因而也显然地是一部社会性的朴泳姬作品，其记录当下世界的无力、泥泞，以及对希望的期冀，还有朴泳姬对自身的回望，她以诚实的态度将哭泣视为当代人与自己的出口。整部作品格外的静，non vibrato 的弦乐屡屡叹息，插入的 guiro 刮奏极其单薄而突兀，如同不自觉流下的泪滴，羸弱的 coda 也反音乐会序曲之道而行。这是一部令人熟悉的朴泳姬作品，但也更显颓态。复活后对抹大拉玛丽亚的这句话，既是年迈的作曲家对自己的慰藉，也可以说给2023年的这场 Donaueschinger 音乐会，在如今，多瑙的委约模式如何从纯器乐、纯谱面的过去时代里走出？

by 栾复祥

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©️ SWR

Premiere October 22nd, 2023

Donaueschinger Musiktage 2023

◤ 作曲家个人页

https://www.pagh-paan.com

◤ 作品详情页

https://www.pagh-paan.com/dsp.php?en,3,0,182

弗洛伦·卡隆·达拉 Florent Caron DARRAS

转移，为十位独奏家和空间化电声

Transfert, pour 10 musiciens et dispositif électroacoustiques spatialisé

Ensemble TM+ 在 ircam 的这场音乐会具有明确的主题：人本视角下的自然声音，也就是音乐会标题所说的“第二自然”。曲目包括了怀旧的梅西安《鸟鸣集》和采用当代技术的两部作品：Natasha Barrett 十年前的《隐藏的价值》（Hidden Values）与这部新作品《转移》（Transfert），后两部作品在技术上具有相似性，皆以 Ambisonic 技术作为起点。这一技术允许声音艺术家以全立体的方式采集空间中的声音，而不只是局限于有限的几个声道。在《转移》中，作曲家使用 Ambisonic 麦克风采集各种自然环境中的音响，在 Ircam 工程师 Augustin Muller 的帮助下对采样进行分析，并将部分频段、部分声音的细节转写到室内乐部分中。Darras 以一种仿生的方式创作器乐部分，他希望乐器在作品中保持特定的形象，如同野生动物一般精确地分布于作品的时间与空间中。该作品有着活跃的空间化效果，音色丰富。作曲家以过程的方式处理作品的时间性，旨在通过空间化电声和无进行感的音乐重现森林中的冥想环境，静态的点描织体给予听众充分的欣赏音色与感受声音动态的机会，而在打击乐和电声中交叉出现的 crescendo 则维持了作品后半程的紧张度，是一部比较成熟的音乐会作品。

by 栾复祥

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©️ ircam

Premiere January 17th, 2023

Ensemble TM+

◤ 作曲家个人页

http://www.florentcdarras.com/

◤ 作品详情页

https://brahms.ircam.fr/fr/works/work/59004/

//Fin

「实验室」HZ LAB

探索音乐的可能性，拓展艺术的边界

文：栾复祥

「走向现代：多维视角下的现当代音乐」，我们邀请到当代音乐乐评人栾复祥，7月27日晚20:00为我们带来《声音主义：钢琴声音的当代重造》讲座。从音色、时间连续性、频率连续性等角度解析现当代关于钢琴声音的实验——

本期主讲

栾复祥

当代音乐乐评人

《新音乐手册》主编

栾复祥，独立乐评人，长期从事现当代音乐的介绍、分析与推广工作，特别关注法国当代音乐、罗马尼亚当代音乐与伊阿尼斯·泽纳基斯等。曾供稿于《三联爱乐》《音乐爱好者》《国家大剧院》《音乐周报》以及北京国际音乐节等。2020年，创办当代音乐自媒体“新音乐手册”等，文章得到读者的一定认可。近年来从事音乐家采访、当代音乐活动的策划以及展出声音设计等工作，曾策划上海当代艺术博物馆泽纳基斯百年系列活动。曾合作艺术家包括梁雷、杜韵、程慧惠、秦文琛、依克山·阿卜都沙拉木、李凝、藤仓大（Dai Fujikura）、川岛素晴（Motoharu Kawashima）、博齐基纳（Olga Bochikhina）等。

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主讲

音乐学教授-橙客 / 单簧管演奏家-Vasko Dukovski / 知乎古典音乐大V-ff谈钢琴 / 预制钢琴演奏家-李心羽 / 当代音乐乐评人-栾老师 / 沼泽乐队古琴手-海亮 / 作曲家-金卓晟 / Podcast大叔聊古典创办人-吴毓庭

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赫有声

作曲家粼赫：有观点的音乐科普与赏析。雅各布斯音乐学院作曲系毕业。

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