11月，上海的展览已经卷成这个level了（画廊篇）

展览汇集11位来自多元背景的艺术家，呈现他们的创作在不同环境语境下所生长出的迥异面貌。以多层次的联结线索交织为一个由视觉、听觉和表演元素为一体的感官场域，揭示这些共享现实之间不可见的联系。

展览承载了ZERO的革命性精神与艺术理想，继承其前沿性的实验探索，并引发“去人类中心主义”的思辨。展览通过作品重新审视人类与自然、科技及其他生命形式之间的关系，开启了跨媒介与物质的对话，探讨生命、生态与技术共存的复杂性。

展览标题源自保罗·科埃略的同名著作，聚焦九位当代女性艺术家的作品，她们通过多样的媒介与风格，挑战传统的叙事方式，呈现出超越字面表达的全新叙事视角。

展览标题来自于约瑟夫·耶格尔为本次个展所写的同名小诗。他思索逝去之物之于存在的关联，试图捕捉永恒流动的时间中微渺的一瞬。此次展览为艺术家与天线空间合作的第二次个展，呈现一系列最新创作的作品。

展览旨在探讨中国当代艺术在经历全球化碰撞与后现代语境中的身份交织与演化，呈现艺术家与时代之间的多重关系。

形制，是物体的形状和样式，也是王强用以概括和表达存在的方式。此次展出的12件新作中，作品形状被归纳为建筑和齿轮，艺术家抽取两者共有的序列性和秩序感，回应着当今杂乱无序的现实。

程亮通过一种符码化的速度图像揭示了我们当下生活的世界，激发人们通过画布上的视觉体验重新审视观看自己和所在的时代。展览延续了艺术家高识别度的绘画风格，呈现他对速度背景下人的身体与处境的思考。

作为艺术家在画廊的首次个展，展出自2023年初创作至今的17件绘画作品。展览与电子音乐人GUAN合作呈现，形成音乐与绘画之间互相解析、互相衬托的独特观看方式。

陈轴，挽歌中的缺席

110 × 240 cm，铅笔，碳笔，彩铅，丙烯在300g水彩纸

2022

展览现场安排了两种不同的体验场景，并加入了亚洲古代的部分元素，第一部分更多展现外部空间的意境，第二空间，在中国古代家具的暗示中，为大家带来另一种室内的亲切氛围。

许以，时间只剩下一棵树

3'00''（尺寸可变），2024，4K数字视频；

表演者：谷璐莹（左），蔡舒婕（右）

展览的主题来自许以一次始料未及的创作实验，同时展出的还有始于2016年的影像作品《静物肖像》系列，经历2024年的重新构图和设色重新回到大家的视野里。这个系列中每一件作品都以一个角色命名，意图在于形容特殊人物的命运转折点。

杨淞，是不断求变的艺术家，也是为数不多的，将速度作为形式视觉元素来探索的艺术家，他致力于演变、实验、不断探究新艺术领域以构建新视觉世界。

冉凯的全新个展以“回归线”为题犹如一种隐喻，他在个人成长与游历的路途中开始反折，借助“线”回归到对绘画的精神性追求，也在创作中复归于自我，踏上内在精神的追寻旅程。

有备而来的人总能get到命运的惊喜，找到希望的灯塔与前行的方向。这也是“GRIN BEAR”形象创立的初衷，艺术家希望小熊们五颜六色的外表和贱兮兮的笑容可以给大家带来治愈与鼓舞，有bear（备）而来，烦恼拜拜。

展览展出孔毅近两年创作的作品，通过重复性的符号表达，孔毅的作品展现出了她对生命韧性与时间交错的深刻解读。

作为法国当代艺术舞台上最重要的艺术家之一，弗朗索瓦兹·佩特罗维奇自20世纪90年代以来创作的作品迷人而独具震撼力。除一些最新创作的大幅及超大幅作品外，展览还特别呈现两部影像作品，展现艺术家的另一种创作手法。

胡昤作品中不同材质所带来的丰富触感与温度，在空间中交织成了全新的艺术形式，突破了平面的限制，作品与外部空间融为一体，仿佛在空间中蔓延开来。观众置身其中，被邀请体验前所未有的视觉与感官之旅，感受到艺术与现实之间的脉动共鸣。

在当代艺术实践中，“西来大写意”以其独特的存在，打破了传统的“我执”观念与意义逻辑，为艺术创作开辟了新的路径与可能。它促使艺术家们超越既定的思维模式与表现形式，以更加开放的心态去探索艺术的多元性与无限性。

在挪威，许多艺术家将手工工艺元素融入作品创作中，利用传统材料和技术进行创新。这种融合使得挪威的当代艺术作品既具备了视觉艺术的表达力，又保留了手工与传统的精致。

此次展出的作品均以简单的原色——红、黄、蓝、绿作为创作的起点。通过这些象征屏幕基础色的素材，臧坤坤构建出了错综复杂的绘画图像，将简约与复杂完美融合，呈现出作品视觉上的层次与丰富性。

此次展览是艺术家在画廊的第二次个展，展出一系列全新画作及雕塑。似乎是因一种不可忘却的疏离和不满而起，郑芝琳的画面往往在时缓时急、坚实与流溢、异质的遥远与虚妄的现实之间徘徊。展览中的作品通过探索在艺术家近期对舞蹈和舞台的研究中所引发的一系列有关身体与观看的问题，重新思考身体、个体与空间、话语之间的关系。

展览重点展现拉米雷斯独特的媒介融合、普世主题及超现实叙事风格，探索身份、历史和难以捉摸的对完美的追求。

本次展览汇集妮可·蓬格拉萨姆·费恩创作生涯中具代表性的多个系列作品与陈开由2020年起持续至今的数件新作。

保拉·库伯上海特别项目“回响：一次群展”（Resonance: A Group Exhibition）展览现场，上海裕华新村 30 号

2024年11月6日-12月26日。摄影：LING

展览标题“回响”源自一句意蕴深长的中国成语“念念不忘，必有回响”，意为“只要信念一直在，就会有被回应的那一天”。这一理念与保拉·库伯画廊对当代艺术及艺术家的长期支持不谋而合，同时反映了艺术在过去五十年中的延续与演变。保拉·库伯画廊长期致力于推广极简主义与观念艺术等历史中重要的艺术运动，同时也积极扶持当代艺术创作。随着多年来画廊在亚洲地区的深耕，此次展览将赋予这些实践新的意义，令画廊与亚洲的互动更为深入。 

香格纳画廊全新空间香格纳苏河于2024年11月8日呈现开幕首展“流动的身景”，汇集六位青年艺术家——高英普、葛辉、蒋小余、邵宇轩、汪琦琦和谢堃以绘画为媒介的创作，呈现他们对当代人及其身体景观的独特诠释。展览旨在考察不断流动、变化的当下，身体何以成为一种表达生存与情感的行动主体（agent），以及灵与肉和合、聚散的交点。

展览将身体放置在看似恒定、实则动态的地理框架中，进而强调身体的脆弱性与限制：被标记和描绘的地形，通过人为地印压与交叠再次成为了海洋与山脉，但身体依然重塑着立体与水平的秩序；水翼板滑行水翼的功能性与它们所排列成的战舰队形，是地缘政治与消费主义一体两面；路灯、独角鲸骨鲠化石和棕榈树，通过工业技术对自然的仿造来去凸显个体对地理力量的感知和身体在其中的体验。时间的连续和物质的持久由此断裂，它们所展现的是当代社会中身体与技术、资本的交织。

本次展览呈现柯桥德十六幅全新创作的画作，它们的灵感来自艺术家近期于希腊帕克西岛的驻留经历及感悟，作品以讨海人为主题：从他们与大海紧密交织的生活方式，到他们的祖先信仰和海洋神话。这些创作不仅展示了大海的莫测多变，还深刻揭示了我们与大海的动态关系；而守护着这层关系的族群却往往长期处于被忽视的地位。

展览包含艺术家最新创作的架上作品，展现出艺术家在探索创作方法和语言时的多维形塑，以及视觉语言构造中的丰富内涵。

这是黎巴嫩艺术家奥马尔·拉赫布（Omar El Lahib）在中国的首次个展，也是1690艺术收藏空间第一个中东裔艺术家的艺术项目于上海艺术周期间欣然呈现。

此次展览囊括历时四年的创作，深入探讨了拉赫布绘画上的演变，聚焦在他笔下所描绘的红发人物——该人物随着艺术家的作品在画布上不断地穿梭与游移。透过梦境般的戏剧性场景和内心自省的探索，本展览旨在揭示标志性红发人物的蜕变与成长，如同神话里一般的向导角色，引领着观者观者进入拉赫布那光与影交织的夜间世界。

本次展览涵盖艺术家近十年来的作品，从这些作品中可以窥见玛塔·库索拉在创作中的发展。

莱斯特深入探索人类对命运的长久迷恋，通过象征性图像和沉浸式环境，质疑并反思我们与偶然性和控制力之间的关系。此次为莱斯特在Vanguard画廊的首次大型个展。

高瑀以辛辣的笔法展开其对于时下诸多乱象的点评。承继自时事漫画的讽刺传统，诙谐的形象、冲突的剧情、精巧的隐喻在新作里悉数登场。他从地方戏曲内汲取灵感，同时借用经典的文学形象诱发深思。画中的人、动物及其它事物都化身为演员，表演着一出荒诞至极的剧目。托寓修辞的纯熟使用，增强了作品的可读性。对绘画技法和语言的持续打磨，更令独特的戏谑美学就此诞生。牢骚，赞美，放个屁，三个动作的组合富有僭越的意味。但当观者领悟其内的深意之后，必将会心一笑。

展览“舍”收录了不可分割的一系列绘画。一个明显的整体特征是，他要切断与已知的绘画脉络的关系，却又不炫耀这种割席，甚至诚实地将自己在其中的浸淫痕迹保留下来。这导致他常被错误归类为凭借情绪和灵感开展工作的“抽象表现”画家——即便在实际的上手操作中，他能沉浸到全情投入的、忘我的状态中。

“暗箱”是一种将图像投射到屏幕上的光学仪器。从15世纪开始，西方艺术家将暗箱作为绘画的辅助工具并多用于在透视绘画中。而在图像学中提到的所提及的“暗箱”是指其投射的非实质性幻影喻指精神活动，而作为精神活动的意识形态又将自身投射到物质世界中。通过本次展览，艺术家的绘画似乎完美地诠释了不同学科中对“暗箱”的定义，结合自身不同的生活经验与现实事物相结合在艺术作品中隐喻地表达了自己的精神世界。

绘画被付亮用作一种介质，通过激发其物质属性本原触动人们无意识深处沉淀的原型或是文化情结，使之焕发新的生命力，艺术家称其为“回响”（Echo）。这种回响以一种无形态激荡、流转，存在但不仅限于艺术家与作品、作品与观看、艺术家与当下之间，并在意识和潜意识深处的虚室中流淌弥散，在确定与不确定中等待被敏感的知觉神经狩猎。

这是艺术家与画廊合作的首次个人展览。此次展出了11幅绘画作品，他将邀请观众进入他那喧闹朦胧的独立世界中。

展览由星空间主办，惟典空间协办，展出艺术家十余件全新作品。

时隔一载，本次展览成为了“爱寂寞者，或野兽或神明”（2023）的续章，两个声部彼此交织而谱写出悠长的复调。刘海辰延续并深化着他的美学，在过去的一年里，他前往澳洲，驻留的经历令其亲身体验到一个与此前截然不同的自然。新的感受融入画面，荒野的景致被描绘得更加松弛且自如，同自然的共情涌动于其内。风暴、雨雪、江海与丛林等意象犹在，而意味则悄然迈向深处。由此，荒野不再单纯是外部的环境，它升华为主观里的实存。

Anish Kapoor, The Unmade, 2018, Gouache on paper, 103.5 x 121 x 3.5 cm, 40 3/4 x 47 5/8 x 1 3/8 in © Anish Kapoor. 

Courtesy Lisson Gallery

安尼施·卡普尔 (Anish Kapoor) 于里森画廊上海空间举办的首次个展呈现一系列近期纸本水粉绘画。卡普尔以其对材料的严谨实验，和唤起不可思议的感官体验的能力而闻名全球，他的作品将雕塑和绘画实践巧妙融合，打破了风格流派的界域。作为奠定英国和全球当代艺术史的重要人物，他的创作扭曲物理空间，探寻形成视觉感知的神秘过程。本次展出的这组新作色彩丰富——从深沉的紫色和蓝色，到如火焰般绚烂的黄橙红三色，未知的力量仿佛从莫名的黑暗之中浮现。

樫木知子, Ω, 

2024，丙烯、亚麻布、木板 , 162 × 227.3 cm 

此次展览从大田秀则画廊东京空间巡回至上海，标志着艺术家在中国的第二次个展，展出8件绘画及数幅小稿。

以赫尔曼·梅尔维尔（Herman Melville）的经典小说《白鲸》（Moby-Dick）为灵感命名，考夫曼Kaufmannn 以其一贯超现实敍事风格手法，将这部经典文学作品，以全新的视觉面貌呈现，重新思考人类在面对未知和大自然力量的探索与敬畏，探讨存在的意义和价值，孤独与疏离等面向。

奥巴德Aubade，借喻爱情的恋意不舍，表达张泓与⾃⼰多少个彻夜呕⼼沥⾎哺育的作品关系。

“氧化叙事曲”是纪尧姆·德内尔沃在亚洲的首次个展，此次展览探讨了氧化物、绘画和工业衰退之间的诸多关联。氧化物是众多天然与合成颜料的主要成分，它催生了现代主义先锋派，同时也在本世纪的许多尖锐环境问题中充当着狡猾主角。本次天线的线所展出的作品在这些问题之间展开了对话。

展览借雾之意象，将五位艺术家分别关注的主题——魔法与园艺技术、控制与免疫系统、聆听与生态循环、防御与夜间潜行、日常与文化烹饪——提炼为紧扣当代社会病理化（pathologised）特性的多个暧昧叙事，它们试图逃出某种崇高文字（sacred text）的语言逻辑（如，科学技术、辞典、规则、措施、食谱、药方），在雾中摸索已成病状的视觉符号。

在《对话》中，刘刚为被遗忘的组件注入了新的生命，将废弃的电子零件、日常物品，甚至瓷器裂纹转化为过去的有力见证和对当代社会的反思。

The Seed Contains the Tree是一个三人跨代际的作品展，展出了芝加哥艺术家Phyllis Bramson、Madeline Gallucci 和 Scott Wolniak 的作品。这些艺术家因共同致力于实验性的光学分层绘画而联系在一起。他们之间的联系还通过一个师徒网络得以延伸：Bramson在芝加哥伊利诺伊大学学习期间指导过Wolniak，近二十年后，Wolniak在芝加哥大学攻读艺术硕士学位期间为Gallucci提供了指导。

撰文、编辑：99艺术

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