展览作品｜且听风吟 Hear the Wind Sing

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且听风吟

Hear the Wind Sing

2024年6月6日-2024年7月13日

画廊地址

110 Lafayette St, Suite 201

New York, NY 10013

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奥黛丽·比尔克 Audrey Bialke

神秘、一触即发、潜伏在意识之下——奥黛丽·比尔克的画作是唤醒自然中沉睡力量的魔法配方。动物、家具和植物闪烁出非典型颜色的荧光，让人们质疑对真实与人造的认知差异。这些主体仿佛悬浮在渐变色背景之上，象征着日中时辰的变化，但从明亮的地平线上浮现的，却是模糊不清的未来：那近在咫尺的光亮，究竟是希望的曙光，还是迫在眉睫的世界灾难？

且听风吟，展览现场

且听风吟，展览现场

奥黛丽·比尔克（Audrey Bialke）出生于1991年，目前居住在纽约州北部的乡村。2013年，她从纽约州立大学弗雷多尼亚分校获得学士学位。

作为画家，比尔克主要用绘画创作奇幻场景，这些场景结合了她对灵性传统、异教图像志的兴趣以及她对即将到来的气候灾害的担忧。她的小幅木板油画以龙、带翅膀的狮子和独角兽等神话生物为主题，与家居用品和田园风光一起展现，暗示着幻想与人类日常生活之间的一线联系。这些偶尔错位的时空和超现实主义的并置突显了人类与想象中的自然界之间的关系，也体现了艺术家对人类与自然世界历史关系的浓厚兴趣。比尔克从中世纪彩绘手稿中汲取灵感，为每个绘画场景配上精致的装饰边框。在一些设计中，她试图将《伏尼契手稿》（Voynich Manuscript）中的植物图像重新语境化，该手稿创作于15 世纪初期，迄今为止仍无法翻译和破译。这些边框也是对早期居家设计图案的致敬，进一步突出了视觉叙事的构成感，并暗示了一个用符号讲述的故事。这些画作成了寓言，讲述真实和想象、过去同现在的生死，以及介于两者中间存在的神秘之地。

奥黛丽·比尔克，我们的咕哝也有他们的音乐，2024，木板油画，15.2 x 15.2 cm

奥黛丽·比尔克，女巫们的扫帚与温柔的灵魂，2024，木板油画，50.8 x 40.6 cm

安迪·卡弗 Andie Carver

安迪·卡弗（Andie Carver）继承了现代主义的户外写生（en plein air）传统，同时超越被动观察自然的视角。通过她的绘画，我们被领进了一个亲密的动植物界，仿佛偶然与深藏在森林深处的隐秘画面相遇。然而，在聚焦的画面上，景观又延伸至远方，融入地平线和天际。空间深度与平面连贯性在这里共存。她的画作既唤起了一个微观的、自给自足的生态系统，又像是某个生动场景的特写快照，在此，人类和自然生物消解了等级区分，一道融入了多彩、动态的笔尖和谐之中。

安迪·卡弗，瞥见与裂开，2024，木板油画，25.4 x 25.4 cm

安迪·卡弗，渗入的绿意，2024，布面油画，152.4 x 157.5 cm

安迪·卡弗（Andie Carver）于1998 年出生，目前在纽约生活和工作。她的创作以自然环境为题材，反映了她在这些景观中的沉浸参与。在她看来，地球是一个生机勃勃、不断延展的的画幅，自然界的各类物种在其中发生着互动。这一相互作用力持续恒久，但也突显了感知世界的巨大差异，在我们之间分裂出鸿沟。我们的感官限制塑造了互动，将我们限制在自己独特的视角中，却又永远无法超越。对于卡弗来说，绘画是一种探索感知虚空的方式，努力与动物的感官建立联系。她的艺术姿态与她的个人感知力和好奇心深深交织在一起，却又无法明确地表现出来。绘画不仅仅是一种艺术创作，更是一个储备库，包含着各种无解的疑问，体现她与生俱来的动物性特征，捕捉并时刻保持着她与世界的互动。绘画也是一种追求，它不断地带她进入永远不可解的未知领域。

卡弗在查尔斯顿学院获得纯艺术学士学位后，又在哥伦比亚大学获得了视觉艺术硕士学位。她曾获得伊丽莎白·格林希尔德基金会奖学金。

且听风吟，展览现场

克里斯托弗·赫夫 Christopher Huff

克里斯托弗·赫夫（Christopher Huff）的风景画探寻他本人生活在慢性遗传性血液病下的细致心理和身体状态。他将暖宝宝中的铁粉与颜料和粘合剂混合，赋予作品一种颗粒质感，象征着认知上的“我”和肉体上的“我”之间的直观联系。这样的融合反映了人与自身之间通过身体介质连接的密切关系，其中暗含了关于生命维持和流动性的主题，体现了疾病在心理和身体层面的渗透。

且听风吟，展览现场

克里斯托弗·赫夫（Christopher Huff）出生于1989 年，目前在罗德岛普罗维登斯生活和工作。他在罗德岛设计学院（RISD）获得纯艺术硕士专业，在马里兰艺术学院（MICA）获得绘画学士学位。他的作品侧重于抽象和具象的意象，探讨了他自身的慢性病——镰状细胞贫血症的影响。在他的作品中，赫夫旨在展现慢性病患者生活的复杂性，同时揭示离散的镰状细胞性贫血和其他慢性健康问题对人们造成的多层面的健康影响。他的作品涉及并探讨了他个人与遗传性镰状细胞贫血症共存的经历。在他的作品中，他通过绘画和素描的过程，探索了不确定性、欲望、渴求、信仰、坚韧、结构/缺乏结构、脆弱性、冲突、恐惧和愤怒等情感的抽象维度。每幅图像的创作都是为了自我发现，回顾过去的经历，试图更好地理解内在实体及它在自己和世界中的意义。不仅作为一个患有慢性病的非裔美国男性，也作为一个艺术家，赫夫质疑了创伤、痛苦、孤独和对美好生活的向往塑造他本人的过程。

他曾是2018-2020年伊莲·谢弗奖学金获得者，和2022-2024吉尔曼和尼可列特奥斯施尼特纯艺术硕士奖学金获得者。他的作品已在多家机构展出，包括纽约的Asya Geisberg画廊、迈阿密Andrew Reed画廊、伦敦Unit画廊，和巴尔的摩雷基那德·路易斯美术馆（Reginald F. Lewis Museum），他的作品被刊登在《新美国绘画》南方特刊第160期杂志中。

克里斯托弗·赫夫，重生：需要一段时间才能回到真正的自我，2024，木板上闪粉、丙烯、铁、活性炭、蛭石、纤维素、盐和沙子，50.8 x 50.8 cm

克里斯托弗·赫夫，紧绷：压力对我来说最沉重，2024，木板上闪粉、丙烯、铁、活性炭、蛭石、纤维素、盐和沙子，91.4 x 91.4 cm

詹姆森·马格罗根 Jameson Magrogan

自现代主义以来，抽象绘画脱离了具象表现，成为动感、运动、张力、潜意识，甚至是灵性的代名词。然而，詹姆森·马格罗根（Jameson Magrogan）将图式制图法融入形式的抽象中，从而挑战了这种观念。他使用定制的模板在画布上印制预设的图案，将系统性的秩序与自发的结构搭建同时呈现。他的画作既体现了收敛的混沌，也承载自相矛盾的和谐。

且听风吟，展览现场

詹姆森·马格罗根（James Magrogan）1992 年出生在马里兰州巴尔的摩市。他是一位居住在布鲁克林的艺术家，其作品包含了一种破碎的时间交错感和漂泊感。马格罗根考虑到现代主义中的泛泛之谈或时间错位，通过统一的图示程序，处理、筛选来自现代主义不同传统的反复回音。作品挑战本真和新颖，主张个体并不与社会化的活动对立，反而，个体的形成脱胎于社会集体。在历史上，绘画语言一直与即刻、不受拘束的主观表达联系在一起，现在因为数字与模拟媒介的干预，绘画语言已不再受用，并与其他一些更不稳定的时间频率嫁接在一起。绘画痕迹很少直接留在画布上，而是通过打磨、擦拭、遮盖或其他不太被材料转译的过程，沿着众多同步的频率产生。这些转译产生的印记并没有堆叠，而是似乎同时存在于彼此之间闪烁。随着时间的推移，物体所透露出的模棱两可的空间和时间张力破坏了人们对图像及其时间顺序的最初感知：快的揭示了其中的缓慢，偶然的其中也证明计算性——从来都不是非此即彼，而是“既如此又非如此”。马格罗根的作品从形式上将绘画视为对二元还原法则的一种反叛，这种反叛是社会主体的一种能力，质疑我们对世界的预判理解。通过呈现时空层面上的模糊空间，马格罗根的作品避开了明显的还原性，从而中断了将所有生命和现象系统地还原为可量化数据的做法。

马格罗根于亨特学院获得纯艺术硕士学位，于马里兰艺术学院（MICA）获得了绘画学士学位。

詹姆森·马格罗根，无题 (YG-P2-3)，2023，布面丙烯，177.8 x 147.3 cm

詹姆森·马格罗根，无题 (Gw-T1)，2022，布面丙烯，109.2 x 91.4 cm

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