那群搞艺术摄影的，为什么都喜欢拍乐色？

乐活 2024-10-12 17:19 四川

原画册：以影像为媒介，拉近大众与艺术的距离

那天，我们无意翻到了一本艺术摄影社群的习作合集。挺厚一本，从头翻到尾。合上册子，摄影师杜扬得出这样一个精辟的结论：

“人一旦开始想要做艺术摄影，就会开始拍乐色。”

（注：「乐色」为「垃圾」一词的方言谐音，是秽物、尘土及被弃物的统称。）

看其他摄影社群的作品，但凡有涉及艺术摄影、画册、摄影大师等内容的，无不显示出对脏乱差和边边角角的偏爱。你跟一个这样的朋友出门拍照，大抵也会发现Ta对「出片机位」并不感兴趣，而会对着路边莫名其妙的东西拍半天。

©️森山大道

©️韩松

但，我们也时不时看到很多质疑，认为这是在盲目追随「莫名其妙又毫无美感的当代艺术」。

那么，我们到底要如何看待这种现象？拍乐色没点赞还要被质疑，所以真的有意义吗？拍乐色是「对大师的拙劣模仿」还是真有「艺术价值」？这篇文章试着讨论一二。

01.

大师的观看？

视觉的民主

拍乐色的偏好，部分源于艺术摄影学习者对「沙龙摄影」审美的反弹，是学习阶段的一种「反着来」的潜在心理。

在大众视野中，「学摄影」其实对标的是「实用摄影」，多指的沙龙摄影、商业摄影、新闻摄影等。因为实用摄影以传达实用信息或制造视觉愉悦为主要目标，当然也会形成同质化的构图套路，以及「好照片」的刻板印象。

图片来源pexles，是传统意义上大众视野中的好照片

「沙龙摄影」喜欢的风光大片，视觉猎奇，以及对正面、漂亮、形式完整的偏好，这些正好就是「艺术摄影」学习者下意识首先要反对的，也就是之于「传统大片」要反其道而行之。最方便能上手实践的，就是上街拍乐色。一改平时对「瞬间之美」的追求，一改对极致漂亮的抓捕，并有意避免拍摄被期待的美。

©️William Egglestion

更多的是拍摄大街上破败杂乱的场景或事物

威廉·埃格尔斯顿（William Egglestion）用一套《民主森林》向我们展示了无所不拍的勇气，并以色彩为摄影语言，将彩色摄影拉入到艺术范畴。而埃里克·索斯（Alec Soth）则拍下美国衰败与诗意，成为当代纪实摄影的代表人物；更不用说荒木经惟、森山大道等日本写真巨匠，日常街头快照更是不拘一格。

©️Alec Soth 《眠于密西西比》

批判地来说，盲目拍乐色的确有一种「对大师的拙劣模仿」的意思，可能是「为反而反」，是走向艺术摄影初级阶段的一些生硬的模仿。但积极来说，拍乐色也算是在慢慢学会「平等观看」。从只会追求刻板的机位，到慢慢体会——

万物皆可拍

当然，因为「大师都这样拍」「艺术摄影都这样拍」所以就拍乐色，显然不能服众，我们值得思考得更多。

02.

审美的基底？

抵抗唯美

你要说艺术摄影爱好者都是硬着头皮跟风大师拍乐色，他们肯定也不会认同。我们见到的更多创作者是真心喜欢拍乐色。之所以喜欢，说到底还是自己的审美偏好与大众有了差别。

《给摄影师的审美必修课》截图

美的范畴包括了优美、壮美、崇高。一朵娇艳欲滴的花，一座险峻的山峰，一种威严的姿态和叫绝的自然形态，都属于这一类。在摄影画面上，也常常体现为轻松愉悦、心旷神怡、柔媚、和谐、力量感、尺度感、开阔、振奋。也就是大多数人描述一张照片「真漂亮」时候发出的感叹。

美的范畴还包括悲剧、喜剧、荒诞/丑。悲剧是因为强烈的痛苦、震撼等，由痛感转化而来的特殊审美体验，喜剧则是由笑感引起的特殊审美体验，而荒诞与丑则是将不协调、不匀称、不规则甚至引起厌恶的的东西，通过揭露、映照、转化，而形成的特殊审美。纪实摄影触及审美范畴中的「悲剧」或「喜剧」，很多朋友还是能get其中的美，荒诞与审丑则成了一种难以被人理解的「美」，因此也会招来非议。

©️Martin Parr 作品常会给人一种荒诞戏虐的观感

©️冯立作品直观带有「审丑」倾向

如果你只能欣赏「漂亮的照片」，就只是在优美、壮美、崇高这一范畴打转。但如果你拍乐色并且真心感兴趣，那么一种可能是在有意无意走向了悲剧、喜剧与审丑这些审丑范畴。「唯美」带来的视觉享受，不应该等同于审美的全部。过度维护唯美、滥用唯美客客观上已经形成了甜腻糖水、拙劣画意和油腻大片的现状。艺术摄影被科普和推广的意义，也在与多元创作的建立与视觉的「去油」，从美学角度来说，就是一种——

抵抗唯唯美论

马丁·帕尔（Martin Parr）用摄影记录了全球中产阶级的生活方式，反映了消费、社会和环境问题；冯立则用直闪剖开城市与人的魔幻与丑陋。它们都用一种批判的眼光产生艺术价值，也形成了属于自己的视觉风格。

「拍乐色」对多元审美扩展的意义应该被我们看到，它改变的是一种对审美基底的认知。

03.

乐色的意义：

快照美学、

新地形、新彩色

及其他

摊开摄影史，快照美学、新地形、新彩色等关键词背后的作品，也无不充斥着让普通观众不解的「脏乱差」。

上世纪50-70年代流行的快照美学，因为135小型相机快速、即兴的拍照方式，留下了不少（看起来）不假思索的生活图像和私人观看，自然其中少不了琐碎、肮脏和无趣的事物。而更推崇慢拍和客观冷静风格的新地形摄影，也因为关注乡野边郊、工业文化产物和景观，多为残破、陈旧的景象。新彩色摄影中，斯蒂芬·肖尔（Stephen Shore）和威廉·埃格尔斯顿（William Egglestion）等人，除了将彩色摄影带入艺术的讨论范畴，更是将「日常美学」「漠然美学」展露无疑。

©️Stephen Shore 用快照抓取了用餐后的景象

©️Stephen Shore 镜头下的美国「锈带区」

©️William Egglestion 彩色摄影之父镜头下的乐色

对于看惯了国家地理式的商业和消费风光大片，以及当下流行的中产式精致审美的普通人来说，这些「大师作品」无疑是让人困惑的甚至是冲击的。而对于有一定视觉经验的资深爱好者来说，「大师作品」是一种更多元的观看和更自然且得体的，反而沙龙摄影在反复地践行「生硬的视觉洁癖」。这是摄影圈一种显著的审美分歧。体现在创作中，就是对艺术摄影更偏爱的创作者，注意力和取景偏好会受到摄影史各流派的影响。

有一句话，「县城才是中国的底色」。其实反映在摄影上就是，那几个高频出现的机位，那些典型的被拍摄和打卡的场景，从来都是塑造出来的，真实的场景却因为大多数认为不美、平淡、肮脏，除了一句「这有什么好拍的」而被忽略。谈论「拍乐色」，多少有种嘲讽或自嘲的意味。我们更应该看到这背后的快照美学、新地形和新彩色等美学思潮和摄影流派。在「民主的观看」和「多元审美」的基础上，应该生长出更厚实的内容。

更多摄影史的作品和大师解读，还可以学习我们《给每个人的摄影史》课程。

04.

技巧：

松弛显乐色

我们还可以讨论具体的拍摄动作。

大多沙龙摄影，或许会习惯性地突出主体，去除多余视觉杂项——这几乎会成为沙龙摄影的常规下意识操作。这其中有很多手法，比如通过取景角度、用长焦、用浅景深、通过后期处理等方式。但用力过猛，就像是在一种「生硬的视觉洁癖」。

图片来源pexles，许多人会喜欢采用虚化背景来突出主体

在《沙龙vs艺术：一些不成文的图像潜规则》一文中，我们讨论过艺术摄影中对照片信息量通常喜欢分散处理，也不喜欢使用夸张的焦段、景深。这反应在照片上就会呈现出一种画面不太干净，主体不太突出，或者说看起来「好像没有什么用艺术手法」的感觉。但这恰恰又是现在大家都在追求的一个东西——

松弛感

除了有意拍摄「乐色」，未经特别突出主题和「净化画面」的手法，「乐色感」便会被呈现出来。你可以比较，唯美的影楼晒娃照和基于真实场景的家庭纪实，全城最美的打卡点和深入社区的纪实，精致摆拍的露营美食和快照下的日常三餐，定是后者更有「乐色感」。某种意义上来说，「乐色感」和「松弛感」相辅相成。

©️韩松

但好像它们也更「艺术摄影」一点？更情切一点？

总结：

乐色不是目的，

更不是终点

聊了很多，似乎在肯定「拍乐色」的价值。不过也要提醒，在大多数情况下「拍乐色」不是最初的原因，也不会是最终的目的。我们见到太多为了「显得」艺术而标新立异又不知所云的作品，也看到太多盲目地「反着沙龙摄影来」而拍得七零八落的尝试。

在「拍乐色」的表象下，是否真正理解了「民主的观看」？是否真正在体验更多元的「美的范畴」？是否真正在践行「日常美学」？是否「乐色感」只是松弛取景的一个自然的结果？除了「万物皆可拍」又是否在其中融入了自己的色彩与结构处理？除了平等的观看被摄物，又是否融入了自己的表达？

我想这些是拍「乐色」背后真正的价值。

-end-

©️韩松

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