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在多数人的认知中，摄影最主要的便是其「记录」的属性，基于真实存在的场景。然而也有很多作品呈现出「非写实」的状态，我们常常将其描绘为「抽象」「含混」「不知道在拍什么」。如果以「如实记录」来期待摄影，那必然会对这种作品感到困惑。
在原画册社群中，我们专门将#抽象与观念 设置为长期课题，引导大家进行尝试。或是作品的外观呈现出非写实的状态，或是用图像实验进行观念摄影的表达，当然也包括突破摄影「如实记录」进行形式可能性的探索。以下介绍一些案例，帮助大家理解「抽象」照片的表达的目的与方式。-
Francesco Gioia
“我喜欢拍摄那些日常的、反复出现的元素，包括街边的行人、建筑、形状、颜色、纹理、镜面反射、奇怪的抽象图案、阴影、手和眼睛。”提到街拍，许多人脑中应该会蹦出纪实性强，或是有着「决定性瞬间」气质的作品。而摄影师Francesco Gioia的街拍则别具一格，带有着模糊、抽象甚至有点神秘的气质。Francesco Gioia 1991年出生于佛罗伦萨，2015年搬到伦敦居住后开始记录自己对这座城市的观察。他特别关注色彩、形状与人物，并用自己敏锐的洞察力，捕捉到了日常生活中的城市里的各种转瞬既逝的细节，集结成了他的第一本个人画册《57》。
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Francesco Gioia的街头摄影作品有着个人独特的美学处理，而非仅仅只是对现实的直接记录。在拍摄时，Francesco Gioia会利用不同寻常的裁剪或是角度为作品添加一些迷失感与神秘感，偶尔会过窗户，或是利用窗户反射、遮挡来使普通场景变得特别，还会采用特写或是长时间曝光的手法让画面变得更为抽象。在他的镜头下，写实的日常场景被转化成了图形、纹理以及色彩。这些元素相互组合，营造出了一种富含趣味的陌生感，并带着些许流淌的诗意，使得伦敦这座城市如同一个巨大的奇观被展现在观众眼前。这种抽象中带有写实，陌生中暗含熟悉的结合会激发起人们探索的欲望，想要从中寻找更多信息。-
杉本博司
日本摄影师杉本博司因为拍摄的一系列长曝光照片而被许多人熟知，在他的作品中有两个反复出现的主题：历史和时间。而这个《Architecture》（建筑）系列也是打破了建筑摄影的所有规则，拍摄了一系列世界各地著名的现代主义建筑地标的模糊影像。![]()
世界贸易中心,1997 ©️杉本博司十九世纪许多建筑都带着宗教元素，而到了二十世纪，许多简洁没有宗教色彩的现代主义建筑开始诞生。杉本博司希望通过重访一些具有纪念意义的建筑，来探索现代主义为人们生活带来的变革。虽然他使用的是大画幅相机，不过却没有使用传统建筑的拍摄方式，而是将焦点对准海平面这样的无限远。用加倍无限远的记录观察相机镜头，拍出来的东西都十分模糊，只能隐约看出建筑的轮廓。黑白照片加上虚焦处理，会给观看者们带来迷幻和不真实的陌生观感，这种模糊的画面会让人觉得即使走进也无法仔细阅读。模糊性与色彩缺失，将建筑物剥离至其本质，用杉本博司本人的话来说，他想拍摄的本非现实中的建筑，而是想拍下「阴魂不散的建筑魂魄」。这种故意失焦的方式，消除了这些现代主义建筑中时间、记忆以及历史之间的界限。就好像随着时间流逝，这些著名的现代建筑在人们的记忆中慢慢淡化了细节，变得虚幻模糊。-
安瑠藤美
东京，作为日本三大都市圈之一首都圈的中心城市，在许多人的心里都是一个生机勃勃的城市，热闹繁华又拥挤。然而，日本摄影师安瑠藤美Rumi Ando的作品《Tokyo Nude》（赤裸东京），却让读者们看到了另一个完全不同的东京形象。翻阅画册能直观地感受到，里面的作品大多都是由色彩、线条以及几何图形所构成。由于对浮世绘有很大的兴趣，安瑠藤美在创作时主要集中在色彩表现和平面透视上。她会采用平光定时拍摄，再利用合成等后期处理技术，让作品呈现出平面化的观感，从而呈现出了一个完全虚构的东京景观。这些干净整齐，色彩缤纷的建筑，看久了会产生一种诡异感，给观看者们带来一种既舒适又不适的观感。如果仔细阅读就能发现，摄影师从作品中消除了例如广告牌、窗户以及一些户外的现代设施，甚至连人与动物都不曾出现。这样的表现方式，正是契合了画册名字中「Nude」的含义。Nude有赤裸、裸体的意思，安瑠藤美希望通过抹去城市中让人烦躁的「视觉噪音」，让东京褪去了文明的外衣，以一种赤裸裸的状态被展示出来。城市以一种无法区分真实与虚拟的面貌出现，就好像平行世界中出现的另一个东京。-
Matthew Tischler
纱窗是人们生活中常见的一个物品，而来自纽约的摄影师Matthew Tischler则将纱窗当做一个「介质」，透过它拍下人与景物，让原本日常常见的画面产生了陌生感。这些带有些油画感的作品，组成了《Screen Series 屏风系列》这个项目。
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©️Matthew Tischler
在Matthew Tischler的镜头中，纱窗成为了作品的「主角」，他将焦点落在了纱窗上，这使得画面仿佛蒙上了一层屏障。因为纱窗的网格，所有的一切都被切割开来，特别像大家小时候玩儿的像素游戏的观感，营造出一个扁平的空间。
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©️Matthew Tischler
这样的观看方式让一切元素被分解又重建，变成了颜色、纹理与线条的组合。明明照片中的景观以及人物所穿着的衣服都是非常鲜艳的，但却没有可以被辨别的面部特征或环境特征。纱窗的网格掩藏了人们的身份，让作品带有匿名感，他们明明存在于画面中，却又有一种微妙的抽离感。
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©️Matthew Tischler
Matthew Tischler在参访中这样说道：技术极大地影响了我们对世界的认知。除了我们这个时代的计算机的实用功能外，数字革命还创造了某种现代「美学」，这种美学在我们的文化中极为普遍。我希望参考数字技术的美学，而不使用这些工具（数字技术后期处理）。
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©️Matthew Tischler
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陈萧伊
来自中国的摄影师陈萧伊很擅长使用多材料、装置以及视频相结合的方式来进行创作。她常用抽象的方式，来探索物质表面之下本质的一面。这本《山的手相》与大家所熟悉的《Koan》一样，带有种东方禅意的审美，以及一种质朴却厚重的生命感。简单的线条、纹理与褶皱，所有的作品乍看下会有点水墨画的观感，又像是显微镜下某种生物的细胞。但从画册的名字里就能了解，这些图像拍摄的都是——山。陈萧伊通过卫星图像、摄影和无人机，捕捉下了西南横断山脉中因采矿而遗留下的痕迹。从古至今，采矿是人类生存、发展不可或缺的一环。而矿床的孕育，则需要经历漫长的岁月。将矿脉作为创作的主体，摄影师想展现的，是「时间和空间尺度上更为广阔的生命图景」（陈萧伊采访原文）。画册名字中的「手相」以预言吉凶、推测命运走向被大部分人熟知，而在作品中，手相则成为了山体被开凿后痕迹的隐喻。从这些痕迹里，观看者们或许会想象这些山之后的命运，还有造成这些痕迹的人们，是否因此改变了自己命运的走向。-
增田伸也
这些具有强烈色彩，看起来如同海报版的作品，来自日本摄影师增田伸也Shinya Masuda的《Hanafuda Shouzoku》（花札装束）。作品的创作灵感，来源于摄影师母亲从老家寄来的食物：有一天，我发现母亲从家乡寄来的一盒水果和蔬菜因为放置太久而坏掉了，而我甚至没有把它们从盒子里拿出来。我低头看着躺在盒子里的蔬菜，现在盒子成了它们的棺材。这一幕让我很痛苦，但同时，它也让我想起了我已故祖母的口头禅：“万物皆有消逝。”对于母亲的愧疚，以及想要记录下母亲对自己的爱，增田伸也开始拍摄这些腐烂的事物。曾经作为厨师的他，对于画面元素搭配与背景颜色选择有着自己的独特的视角。那些垂死凋零的食物，通过组合装扮变得美好起来。
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©️增田伸也
除了常规的拍摄外，摄影师偶尔还会采用线、绳子来悬挂食物，并将其抛向空中进行高速拍摄。这些食物的照片最终与计算机图形软件生成的元素背景进行合成，成为了极具视觉冲击力的作品。
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©️增田伸也
作品背景的元素都非常有特色，带着传统日式风格，其来源正是画册标题中的「花札」。这是一种日本的传统纸牌游戏。每张牌面上会印有花朵、动物的图案，表达了日本人享受特定月份或季节短暂美丽的传统。而这个游戏，正式教会增田伸也无常概念的祖母常和他一起玩的。
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母亲送来的应季食物，加上与已故祖母玩过的花札图案背景，通过后期ps融合在了一起。在视觉上有一种立体与平面交融的观感，如同死亡（腐烂的食材）与新生（装扮重组）融合一般。随着时间的流逝，食物与人，所有的生命都会失去原本的形态，但在这一切都消散前，摄影师捕捉下的是「残存的爱」。-
横田大辅
来自日本的摄影艺术家横田大辅是一位非常有个人特色的艺术家，他的许多作品乍看下很像油画，有着强烈的梦境感，好似幻觉一般，又仿佛一段扭曲的记忆。而这些具有刺激性视觉效果的作品，大多是通过一些人为加工达成。
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©️横田大辅
他个人出版的《Scum 浮渣》是一本非常「叛逆」画册，作品甚至没用利用照相机进行取景，而是直接将60张彩色负片用化学药品熬煮、弄碎，导致胶片上的部分乳剂剥落。这些碎片经过扫描后，展现出的其中的层次仿佛不同物质交织而成一般，让人感觉这不是一张平面的照片。除了《Scum 浮渣》外，同系列的照片还有《Sediment 沉积物》和《Dregs 渣滓》。前者用热水冲洗胶片，然后将其中剥落的乳剂碎片分层到胶片上进行扫描，而后者则是乳剂去除后的胶片。对于讲究「记录真实」的人们来说，横田大辅过分抽象与出格。可能会认为他这种甚至没有通过取景器构图并拍摄的方式，甚至算不上「真正的摄影」。![]()
但如果能不将自己局限在「按下快门」这一种创作方式中，也许我们能获得更多的可能性。横田大辅只不过是直接利用胶片等材料生成图像，他通过这样的方式探讨材料的特性。事物通过化学反应走向至极，从而传递出了人们本看不见的图像信息，就如同他本人说的那样：“实际上，从完全平坦无厚度的图像状态中塑造出形状，逐渐添加高度，我感到非常有趣。这不是追求再现性，其中并没有正确的答案。”-
李俊
艺术家李俊拍摄的作品，都带着些观念的意味，总能让人觉得回味无穷。被人熟知的《无常时》，利用灰尘勾勒出物品的痕迹，讨论了「存在与消逝」这一沉重主题。而《物影》这个系列，也延续了这一主题。
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©️李俊
《物影》采用了静物的拍摄方式，物品被置放在有黑色的背景的台面上，相机记录下它的本体与它的影子。之后，摄影师通过后期处理，抹除了被拍摄的物体，只留下它们的影子。从表象上看，这些画面非常简单，只有黑白灰以及一点线条和阴影，会让观看者在第一眼看到的时候产生疑惑，觉得不知所云。但进一步了解作品之后，便会开始好奇，被抹除的物体到底是什么？
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©️李俊
由此便引出了场摄影师创作的概念，关于物体的存在的形式——我们到底是要看到它们？还是它们留下的痕迹？一个物品如果我们看不见了，那么它是否还真的存在？在有和无之间，我们体会到了哲学之意味——存在。影子成为了作品里探讨「存在与消逝」的关系的线索，在虚实之间引导观看者们去探索、去思考。
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©️李俊
从写实到抽象，可以视为照片形式的一条光谱，虽然它需要一点进入的「门槛」，可能需要阅读许多作品和解读，认识媒介或材料，才能逐步了解。但其作为「记录真实」的对面，是摄影创作者可以尝试也应该尝试的表达方式。文中只是举来一些例子，如果想要做到更系统了解，可以进入原画册社群常设课题学习并实践。审美清单是原画册的长期栏目，整理、翻译、推荐摄影师作品及文献，罗列影像学习清单，作为课程学习的补充材料。| 场所标本 | 摄影课堂 | 照片书 | 审美清单 |
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