首先，笔者认为“技术性”始终是摄影艺术创作难度无法绕过的话题，众所周知照相机本身就是科学技术发展进步的产物，尽管现在照相机越来越“傻瓜”化，但要拍好一幅作品，熟练掌握照相器材的性能是必不可少的。我们知道孩子很小的时候就可以学习绘画，并且少年天才的画家为数不少，但是摄影则不行，学习摄影必须要有很多知识准备。镜头的焦距、光圈的大小、快门的速度、拍摄的视角、感光度、白平衡、构图、景深……每一个术语的都可以写出独立成章的教程。摄影师面对照相机、镜头、软件时，只有去熟悉它、了解它、掌握它，才有可能通过设备表达你的想法，临场的时候不必为焦段、光圈和速度发愁。可以说摄影的科技含量不是使摄影作为艺术变得更容易，而是使摄影作为艺术变得更难，一个优秀的摄影师只有当你完全熟练掌握设备性能后才可以忘记技术这个名词。
其次，“在场性”是摄影有别于其它视觉艺术最重要的特征。画家可以面对纸和笔凭空想象画出作品来，而摄影师的每一幅作品都必须是亲临现场获取的，“在场性”让摄影艺术的创作条件变得更加局限。也许这也是摄影与生俱来就有的所谓“真实性”的魅力，尽管我始终认为这种真实并非简单的现场复制，而是一种经过摄影师取舍后的真实，它只能证实摄影师眼睛中看到的现实对象中的某一瞬间或某一侧面，甚至只能表现摄影师想象力和现实对象融合后的某种感觉。但正因为有着摄影师的“亲历”和“取舍”，才使摄影真正成为一种“审美主体的创造性活动”，艺术创作主体的重要性才得以充分的彰显。
无论你是一个业余或是专业摄影师，在你的摄影生涯里，总有那么一个碰壁的时间点。当你的摄影技术达到一定的水平，这个危机总是出现而你不得不去面对。
基本上，你遭遇瓶颈时你已经知道组成摄影作品的所有元素：摄影技巧和后期技巧，技术对你来说可能已经是炉火纯青。但是作品是不是总觉得还是少了点什么？是主旨？是意义？是情感联系？还是没有找到自己的风格而迷失了方向？
所以这时，你需要短暂忘记你所知道摄影知识。看看在不同的光线条件下，摄影该如何存在。构图和技术实力肯定是创造好照片必不可少的因素，但你如何创造有意义而伟大的照片呢?
首先你需在思想上有所改变，你应意识到摄影背后蕴含的不仅仅是对某段时间、某个地点或某个主题的可视化操作，更是你挑战自己而在作品找到你的想法，你的观点，与观众之间创造某种情感联系。深层次来看，后者远比前者更有价值。
你的照片很大程度上表现了你的思想观点以及你看待世界的角度。举个简单例子，如果你把六个摄影师关在一个房间里，让他们创造各自独特的作品，即便创作来源的素材相同，每张照片都会有较大的不同。其实这个时候，你虽然还没有察觉到你的潜意识是如何把你的观点补充到你的图片上来，但你的照片已经具有意义。
一，行动的意义
现在你已经意识到摄影不仅仅是可视化的操作过程。在你买了最新最好的相机、镜头、后期软件和其他器材时，目的只有一个，就是成长为一个更好的摄影师。著名的美国作家、哲学家亨利·戴维·梭罗曾说过：“重点不是你看什么，而是你看出了什么。”而这句话应用于摄影可以理解为：摄影跟你看到什么事物没有太大的关系，而是你怎么去观看。
那么如何让自己不依靠纯粹的摄影技术呢？技能通过教程、文章、研讨会、在线视频等形式固化在你的脑海中再内化为自己的知识。你终于能在不同的灯光下舒服拍摄在，你十分了解该如何操控你的相机。当你在拍摄你熟悉的某一领域时，技术对你来说就是小菜一碟。
抛开这些熟悉的不谈，你需要以一种新的方式来拍摄，更大程度地奉献和努力工作。最终，当你能自如地通过摄影来表达自己观点时，这将是最有价值的努力。尤其是如果是你想以摄影为生。
二，模仿是最其中一种学习方式
第一步是要模仿你喜欢的摄影师的风格来拍摄。在模仿的过程中，你将会了解并进入他们的视角；这将激发专属自己创造性的见解。你不需要创作与他们作品一模一样的作品，只是试着去理解他们在做什么，然后尝试重新创作。
三，是设置拍摄任务，若你处于瓶颈期，这对于自身来说是不小的挑战。拍摄任务能够测试你的技术和审美，运用你所学到的走心创作，然后交给别人评判。
作品由其他摄影师评议不仅会给你带来有用的建议，还可以为未来当你的作品遭受批评时提供大心脏。
每个玩摄影的人都会钟情于一定的拍摄风格，如风景或街头摄影。但是如果有人来挑战你，让你拍摄一些微距照片、建筑或是肖像，或者任何你不擅长的领域时，你会如何应对？拍摄你所疏于涉猎的领域带你走出你的舒适区，因为他挑战你所掌握的摄影的知识和技巧。同时它为你提供不同的思想，这些都能融入自己所擅长的领域。
你现在把所有的摄影技术付诸实践，最后你明白了你需要知道这些技术来创作有意义的作品。这就像一个医生刚从他们的实习中学习如何真正成为一名外科医生。你会相信这个人吗？还是相信其他更有经验的外科医生？这与摄影是一样的，它需要大量的实操。
你需要学习，实践和尝试不同的风格。然后，你可以开始看到你的风格慢慢呈现，因为通过那些工作你有一你与观众有了情感的联系，你慢慢学会了如何找到自己的视野。
四，冥想状态构图
其中一种方法是找一个主题，构图，把主体带入拍摄氛围，耐心等待，等待。在等待的过程中，摄影师没有任何先入为主的观念，吸收周围的一切素材，单纯地只是让周围的世界改变，让事情发生，而没有试图控制它。把自己带入一个冥想的状态；把相机安装在三脚架上，等待决定性的时刻就按下快门。
这种构图方法十分适用于涉及宗教题材的拍摄，宗教是人文的高度集中。而宗教圣地作品最近越来越多地出现，可是真正能深入地表达一些内涵，触碰我们的心灵的能有多少？在拍摄之前对所拍摄的宗教尽量来一次了解，最好可以与教徒来一次交谈。
然后在拍摄中进入一种冥想状态。冥想时的天马行空或辩证思考等思想境界中会在作品当中有所反映，更理想的状态则是使作品一定程度上深入他们的精神世界，发掘他们的精神寄托。
以上面的作品为例，模特摆好的姿势，也许镜头里呈现过草被大风吹动，云层增厚。但只待远方那几只鸿雁飞到画面中合适的位置，意境就只这么出来的。
山姆阿贝有一段话说得特别好：“照片就是信息。我们也在寻求能激起观众的好奇的画面，或者，最好的是引发观众思考，问一个问题或简单地引起观众带着深思熟虑惊奇地凝视。我们知道照片能向人们传播信息；我们也知道，照片能打动人心。包含以上两种功能的照片都是我们希望看到的。这种图片，让你再次想捡起自己的相机去创作。”
五，对等
对等是画意派摄影高手、被尊称为“现代摄影之父”的阿尔弗雷德施蒂格利茨的摄影中运用的一种概念。他的摄影作品开始不仅仅是对现实的捕捉，而是他捕获与他具有情感连接的事情，无论是几何图案、人、还是其他东西。对等这一概念来自于现代抽象艺术在理论和实践上的奠基人瓦西里•康定斯基。他的使命是要通过他的绘画创造更多的情感，所以观赏他作品的观众可以发现和感受到他们与作品存在某种情感联系。
“色彩和形式的和谐，从严格意义上说必须以触及人类灵魂的原则为唯一基础。”是他的经典名言。在一个摄影只是影像文档的时间，施蒂格利茨将对等的概念结合到他的摄影过程。使摄影走向一个新的阶段
把一切归结为最简单的形式。对等是相信颜色、形状和几何线条能反映自己内心的情感。如果你对此有兴趣，可以通过研究康定斯基，他的作品中寻找抽象绘画是“无物象的”表达形式的意义。
这对你，一个试图创造意义的照的摄影师有片意味着什么？摄影的意义不在于形象的直译。相反，它是一个方法，你用你的态度和三观来创作的方法，它不需要解释也能唤起观众的全部或部分的情绪。
对等是经过许多伟大的摄影师发现和时间的，当我们看到一些著名的战地摄影作品，如多萝西娅兰格的《移民母亲》或罗伯特·卡帕的《阵亡》时，我们立即能受到它们的影响，我们并没有经历过图片所发生的事情，但是我们看到了战争的恐怖。
以下图为例，照片拍摄于尼泊尔的洒红节，在这个节日里人们互相抛洒颜料和粉末表达最诚挚的祝福，捐弃前嫌，重归于好。相信每个看到这幅作品的观众都被狂欢的节日气氛深深感染，你是不是也在不知觉中嘴角上扬了呢？
六，与观众建立情感联系
摄影之魅力在于一幅图像即可以告诉观众整个故事，以下面的作品的为例：中国传统的节的舞龙，这分明就是告诉我们拍摄的时间可能是最隆重的春节，很容易就能让人联想到周围围观欢呼较好的观众，完整的活动画面的就活灵活现地展现了。
作品的内容可以拼凑出重要的信息。一个值得讲述的故事与有意义的拍摄是一样。照片是向观众展示你的观点或主题的一种方式。
我们捕捉人类的经验，不管是种族灭绝还是从战场回家的士兵。照片表现的可以使疼痛、美丽、优雅、厌恶。照片是视觉上的说书人，摄影师应知道如何使一个故事图片最有故事。就摄影师而言，拍照是一种离不开视觉表达的对万事万物的理解方式。
它是一种呐喊、释放，而不是仅仅证明或维护自己的创意。对人们来说，它更是一种生活方式。
每个伟大摄影师的作品多多少少会受到那些前任大师的影响。而我们中的一些人天生对构图和把握最佳时机就极具天赋，但这难道就意味着努力工作不能帮助那些缺乏天赋的人去获得技能吗？进行有意义的拍摄，在字面上看起来它似乎很抽象。但如果想尽快走出瓶颈期则需要努力工作、奉献和谦虚。
你试想烧掉你的记忆卡，看一看你拍摄的每一个帧，哪些是好的作品，哪些是不尽人意的。你还可以翻阅著名的摄影作品集来进入大师他们看世界的视野去帮助培养自己，重建自己的作品。
你需要有耐心、深思熟虑和忍受愿意自己处于不舒服的境界，有时甚至是危险的情况下，首先你必须自愿为自己想要的场景做出一些牺牲，毫无疑问这将激发自己成为一个更好的摄影师。
同作品与观众创建一个情感联系对你的工作来说是意义深远的，对你的听众来说这可能意味着找到长久的的等价关系。这将为你带来一批的忠实的粉丝，在于观众的情感交流中你能不断地获得下一次作品的方向。思想上相通了，你甚至无需解释自己。
要弄清楚的是，在这个发现意义过程中，你必须愿意学习与尝试，每个人的口味都不同，坦然接受失败是你迈出下一步的前提，你能做的就是不断探索其他类型的摄影来找到你的位置，你的视角；深入自己的内心深处，倾听你内心的声音，问问你到底希望表达些什么。莽撞地按下快门能出美景，但就很难具有深度。
通过学习大神的摄影的可以创造新的东西，你会发现你的作品会带点他们的影子，受到大师强大的、有意义的照片的影响。这不是剽窃或结合别人技术。这其实就像教那些从未读过一本书和不理解故事情节的人写一部伟大的美国小说。
寻找情感的联系还必须善于发现身边的题材，好的题材有时就已成功了一半。例如上图所示，春运是国人共同的感情纽带，所以春运题材的作品时很能抓住的观众情感点从而很好的引发观众的共鸣，配上具有个人风格的色调渲染。这可能就从一张普通的纪实照片脱颖为一张具有时代的照片。
婴儿在学跑步之前必须学会走路。在摄影入门的时候，你可能会为注每一次技巧上的进步而欢呼雀跃，这也是人之常情。时间久了，当你技巧进步得到满足，发现总是少了些什么的时候，你必须要开始深入发掘每个场景背后的深刻的意义。
人注重内秀，作品也一样。当你遇到瓶颈期时，不如停下匆匆脚步，想想如何能让自己看到自己的作品时也能有所感悟，甚至有所感动。愿你能在探索中发现摄影的乐趣和真谛，享受摄影。
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