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与2023年的“低迷”相比，今年的拍卖会上顶级拍品的价格继续呈下降趋势。2024年，拍卖会上售出的100件最昂贵拍品的总价格略低于18亿美元，而2023年为24亿美元，2022年为41亿美元。只有一件作品——雷内·马格利特（René Magritte）的《光之帝国》（L'empire des lumières）售价超过1亿美元，而去年有两件，2022年有六件。据《纽约时报》报道，苏富比、佳士得和富艺斯拍卖行共售出价值13亿美元的艺术品，较去年11月下降40%。今年的另一个主题是香港市场的复苏，今年十大最昂贵拍卖中有两件成交来自香港，这里我们列出了2024年拍卖会上成交的10件最贵艺术品。
在神秘而充满矛盾的场景中，蔚蓝明亮的天空下是被黑夜阴影笼罩的寂静街景。这种昼夜并存的奇特场景使平凡的事物变成超凡，也正是雷内·马格利特的作品《光之帝国》的力量所在。在庆祝超现实主义诞生100周年之际，这幅1954年创作的杰作成为了11月19日佳士得 “MICA：米卡‧艾特根珍藏” 拍卖的领衔之作，并最终以逾1.2亿美元落槌。在昼夜巧妙对立的画作中，马格利特通过他不断探索的意像展现自己的艺术理念。艺术家把自己“对黑夜和白昼的浓厚个人兴趣”形容为“一种欣赏和惊奇的感觉”，他在读过超现实主义运动先驱安德烈‧布勒东（André Breton）的诗作后深受启发，于是深入探索这个想法，而布勒东发表的《超现实主义宣言》今年正好迎来一百周年纪念。
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1984年，TASCHEN创始人Benedikt Taschen以低价购入了四万本超现实主义艺术家雷内·马格利特的英文版画册，并全数售予德国人！马格利特画册转售的成功经验让Benedikt体会到艺术不受语言限制，此后便不断将更多艺术作品以出版的形式呈现给普罗大众。就像其他超现实主义作品一样，马格利特的绘画将精确的模仿技巧与反常的、异化的结构结合起来，这些结构违背了规模、逻辑和科学的规律：一个尺寸如衣柜的梳子，漂浮在天空中的岩石，穿过敞开的门漂浮的云。结果是一个直接但令人迷失的领域，常常机智，且令人不安，总是促使我们超越可见之物。TASCHEN“基础艺术系列”《Magritte》探讨了马格利特丰富的视觉幽默、悖论和惊喜，时至今日，这些作品让我们不断审视，不仅审视这些画作，还审视我们的自我和世界意识。
艾德‧拉斯查（Ed Ruscha）的代表作《标准车站，十美分西部撕成两半》（Standard Station, Ten-Cent Western Being Torn in Half）是市场上艺术家最重要的作品之一。这幅重要早期杰作由私人藏家珍藏近50年，展示艾德‧拉斯查著名《标准车站》（Standard Station） 系列长逾3米的大型作品，也是拉斯查 1960年代创作的最后一幅私人收藏的大型画作。这幅画作描绘了德克萨斯州阿马里洛66号公路旁的一家标准石油加油站。在右上角，有一本破烂的廉价小说，象征着拉斯查对美国消费主义和怀旧情绪的评论。这位艺术家在从洛杉矶到俄克拉荷马城探望家人的路上发现了这个加油站，它在其他几幅画作中都有出现。此作品以6,826万美元的价格成交，打破了艺术家的拍卖纪录。
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波普艺术在20世纪60年代达到顶峰，起初是对主流艺术和文化方式的反抗，后来演变为对现代社会、消费文化、艺术家角色以及艺术品构成的全面质问。波普艺术关注物质主义、名人和媒体问题，汲取大众市场资源，从广告图像到漫画书，从好莱坞最著名的面孔到消费品包装，后者以安迪·沃霍尔（Andy Warhol）的金宝汤罐头为代表。波普艺术不仅通过提升这些流行、平庸和媚俗的图像来挑战权威，还采用了大规模生产的方法，通过丝网印刷等机械化技术削弱了个人艺术家的作用。TASCHEN“基础艺术系列”《Pop Art》除了收录安迪·沃霍尔、罗伊·利希滕斯坦（Roy Lichtenstein）等人的作品，艾德‧拉斯查的画作亦赫然在列。
克劳德·莫奈（Claude Monet）的《睡莲》（Nymphéas）在纽约苏富比11月晚间拍卖会上，经过17分钟的激烈竞价战，以6,550万美元的价格成交。这幅约175 x 135.4厘米的巨幅画作是这位法国印象派画家著名的“睡莲”系列的一部分，也是一幅罕见的户外作品，出自莫奈的吉维尼花园，他在睡莲池中找到了无尽的灵感。此画作展现了莫奈以繁茂、光影斑驳而闻名的美学风格，是他标志性的“睡莲”系列中最早的作品之一，该系列约有250幅油画。与早期作品中对睡莲池塘的更现实的描绘不同，莫奈在这幅画中将焦点完全转移到水面，捕捉水面的倒影以及光与色的相互作用。
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莫奈印象派画作创作手法至今依然启发着不少画家，他的《睡莲》系列以及《日出·印象》早已是艺术界公认的珍宝。《Monet. The Triumph of Impressionism》这本专著全面地介绍了这位19世纪法国绘画大师的艺术人生。TASCHEN透过重制、精密摄影等方式，将莫奈的大量画作收录书中，同时配有细致且充满启发性的评论讲解文字，帮助读者更好地欣赏莫奈的画作。
尚·米榭·巴斯奇亚（Jean-Michel Basquiat）1982年作品《无题（埃尔玛战士）》（Untitled (ELMAR)）于5月14日在富艺斯纽约晚间拍卖亮相，这幅近240厘米宽的作品是艺术家黄金岁月的基石，在这个时期他从街头涂鸦艺术转往商业画廊，成功地奠定其在艺坛的地位。本作充满了艺术家的经典图像符号及自我指涉的意境，被视为巴斯奇亚最具代表性的顶级佳作之一。画作左方描绘了一个像鸟一般的“坠落天使”，佩戴布满荆棘的王冠兼光环，盘旋于一片闪闪发光的蓝色海洋，并点缀着潦草的波浪与文字“ELMAR”，暗指现代版的希腊神话人物伊卡洛斯（Icarus）即将坠落。画面右方描绘一名光芒四射的弓箭手，一样佩戴布满荆棘的王冠，朝着伊卡洛斯的方向射出两支箭。这个武士的形象也可以被解读为艺术家的自画像，而光环则是反映了他在浩瀚宇宙中的个人憧憬与理想告白。
《无题（埃尔玛战士）》道出了巴斯奇亚对自我身份及二元论的探索，并概括了艺术家在巅峰时期的主要创作元素。《无题（埃尔玛战士）》有着辉煌的展览历史，曾在1998年洛杉矶高古轩画廊举行的艺术家逝世十周年纪念展《Jean-Michel Basquiat: Paintings and Drawings 1980-1988》中展出，并作为该展览画册的封面。此作最近一次公开展出是在2018至2019年于巴黎路易威登基金会所举办的重要巴斯奇亚历史回顾展。
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XXL巨大开本专著《Jean-Michel Basquiat》，生动地展现了巴斯奇亚作品中复杂的标记、潦草的文字以及充满想象力的画面，编辑Hans Werner Holzwarth对艺术家的介绍，以及策展人和艺术史学家Eleanor Nairne对他的主题和艺术发展的论述，带领读者更好地进入巴斯奇亚的艺术世界。书中图文并茂，章节编排紧扣艺术家的生平，并引用他自己的声明和当代评论，提供个人背景和历史背景，让人们前所未有地了解他的艺术。
对成长于20世纪初的马格利特而言，圆顶礼帽已然成为不同阶层欧洲男士的标准服饰。而头戴圆顶礼帽的男子后来成为他最知名和经常采用的主题之一，从1920年代中直到他于1967年离世前也反复出现。此次亮相佳士得伦敦拍场的《亲密友人》（L'ami intime）是极少数描述此题材的私人收藏佳作之一，画中的男子戴着圆顶礼帽，背对着观赏者站在阳台上，凝视着阳光明媚的风景。他背后有一根法棍和一杯水，看似飘浮半空。人们说《亲密友人》揉合了人物、风景和静物三种艺术类型，而静物似乎违背了重力原因，让画面充满了超现实意味。
安迪·沃霍尔的《花》（Flowers），原始影像来自1964年《现代摄影》杂志6月刊里的一张木槿花照片。从七朵鲜花里分离出紧密相依的四朵，然后用醋酸盐转移照片上的图案，使原有色调的对比变得强烈，令整体效果更加犀利明晰。1964年，安迪·沃霍尔采用尺幅逾2 x 2米的正方形画布，创作了九幅《花》，每幅皆以绿色叶子为背景，衬托四朵花瓣，每幅作品的花瓣用色各有不同。为免跟原本的照片太过相似，安迪·沃霍尔在构图上最大限度保留了花朵的基本轮廓。此次拍卖的一幅，四朵花瓣三朵橙色一朵红色，更是九幅作品当中唯一一幅花瓣和叶子皆采用荧光颜料绘画的特例。在紫外光灯下观看本作，更可看出与别不同的效果。
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与安迪·沃霍尔相关的书籍多不胜数，但TASCHEN最新出版的专著《Steve Schapiro. Andy Warhol and Friends》是极为独特的一本，因为这本专著堪称沃霍尔的成名史影像档案。书中辑录了由传奇摄影记者史蒂夫·夏皮罗（Steve Schapiro）拍摄的120多张照片，记录了安迪·沃霍尔从一个受欢迎的纽约流行艺术家崛起为20世纪偶像的全历程。1965年，史蒂夫·夏皮罗开始为《生活》杂志拍摄安迪·沃霍尔的照片。当时，沃霍尔正在奠定自己作为重要的流行艺术家的声誉，他从流行文化和商业物品中汲取灵感。沃霍尔戴着墨镜、金色假发，充满神秘感和魅力，极有野心。明星需要有人记录自己。同样野心勃勃且勤奋的夏皮罗，是沃霍尔从在纽约初有名气的艺术家到20世纪偶像的历程的理想见证者，而且夏皮罗所记录的这些内容，从未在《生活》杂志发表过，因此这些图片中很多都是第一次被公开展示，是从夏皮罗的归档深处发现的底片扫描得来。
《吉维尼的干草堆》（Meules à Giverny）是莫奈“干草堆”系列的最后几幅作品之一，该系列约有25幅画作，每幅画都捕捉了季节变化中不同光照和大气条件下的干草堆。这幅作品于1895年由美国风景画家德怀特·布莱尼（Dwight Blaney）首次带到美国，并借给了波士顿美术博物馆。1893年，在干草收割季节的高峰期，莫奈在他未来的“睡莲”池塘南边的草地上支起了画架，创作了《吉维尼的干草堆》。这幅令人惊叹的画作充满了光影、色彩和动感，完美体现了莫奈田园诗般的印象主义，描绘了他最珍爱的主题之一——干草堆。这幅画作也是他在1893年完成的大教堂画作期间所创作的珍品。
1887年是文森特·梵高（Vincent van Gogh）人生转折的一年，他离开巴黎十年后重返巴黎。《有蝴蝶的花园一角》（Coin de jardin avec papillons）创作于1887年5月至6月间，标志着艺术家职业生涯的关键转折点。这幅画创作于摄影实验突破绘画传统的时代，是大自然的特写——与传统风景画大相径庭。画中央是六只蝴蝶在树叶间飞舞，翅膀上点缀着白色和红色的彩虹色斑点。这幅画的高视角表明梵高只是坐在巴黎西北郊塞纳河畔阿涅尔公共公园的长椅上，画下他脚下所见的景象——但结果却并非短视。此画作预示着他在1888年精神崩溃后在圣雷米精神病院创作的花园画作，蝴蝶或许是他悲惨人生脆弱性的隐喻。
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《Van Gogh. The Complete Paintings》这本专著，读者能看到备受磨难的梵高的才华与痛苦。在像《向日葵》、《星夜》和《裹着绷带的自画像》这样的画作中，我们看到了一个独具匠心的艺术家，在描绘质感、情绪、光线和场所方面表现得非常娴熟。然而，在他的一生中，梵高不仅与当时的观众对他的作品缺乏兴趣而产生的自我内耗作斗争，还经历了毁灭性的精神疾病。他的抑郁和焦虑最终夺去了他的生命，在他37岁生日不久后的1890年，他自杀身亡。此专著是关于梵高的全面研究，提供了他871幅画作的完整目录，以及他的写作和论文，记录了一位艺术大师的生平和作品，他至今仍然在艺术界占据着重要地位，其作品早已成为20世纪艺术的基石。
马克·罗斯科（Mark Rothko）创造的《无题（黄与蓝）》（Untitled (Yellow and Blue) ）是艺术家第一幅在亚洲拍卖会上亮相的油画。它创作于罗斯科的艺术生涯巅峰时期，是深刻展现其哲学实践的辉煌巨作：宏大的尺幅，散发迷人光芒的画面，带给观众无比震撼的体验，让人以视觉和身体感受从画幅汹涌而来的澎湃力量。本作呈现宛若朝霞的色彩和光辉，闪烁耀眼，观众深陷于眼前画面，不禁赞叹生命的奇迹，触发沉浸在静心中的平和安详。此作逾2米高，气势恢宏，大片鲜艳夺目的青金蓝被令人目眩神迷的金黄色包围，只有如此亮眼的色彩方可承载与之匹配的情感张力。
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马克·罗斯科反对解释或分类，他是艺术家表达自由的杰出倡导者。虽然罗斯科被认为是抽象表现主义运动的关键人物，但他拒绝了这个标签，坚持“在图片和旁观者之间的美好体验”。在一系列形象化的作品之后，罗斯科用红、黄、赭、褐、黑、绿等大胆的色块，创作了他现在的标志性油画。有了这些闪闪发光、跳动的色块，罗斯科强调说，他并没有移除人类的形象，而是把符号或形状放在它该有的位置上。这些强烈的色彩形式包含了人类状况的所有悲剧。同时，罗斯科尊重观众对作品的话语权。他认为，“一幅图画是靠友谊存在的，在敏感的观察者的眼中，它是不断扩大和加快的。”从他早期的发展到他非常出名的色彩领域，《Rothko》介绍了罗斯科戏剧性的、亲密的、革命性的作品及其影响。
1887年，梵高从蒙马特家中短途旅行到巴黎西北部塞纳河畔的新兴市郊地区阿涅尔：这个风景如画的小镇吸引不少帆船爱好者，亦是人们在夏日逃离巴黎喧嚣暑气的首选之地。梵高在此度过的两年正是他艺术生涯最关键的转型时期，此次亮相拍场的《停泊的船只》（Les canots amarrés），也是他于1887年夏天在此创作的一系列重要风景画之一——在这里梵高将他在巴黎汲取的艺术养分融会贯通，最终形成了自己独特的风格。《停泊的船只》画面充满明亮的夏日光线，梵高超越了形式上的考量，将印象派和点彩派色彩与构图融为一体，直接回应大自然本身，捕捉转瞬即逝的绚烂光彩，独出心裁，别具一格。在梵高人生最后这段时光里，其天才创想终于登峰造极，这一独特的风景绘画方式成为其最后时期艺术风格的基调。
《停泊的船只》来自一组以“阿涅尔塞纳河畔”之名广为流传的三联画，被誉为艺术家阿涅尔时期的“巅峰之作”，其中另外两幅——《塞纳河畔阿涅尔桥》（Ponts sur la Seine à Asnières）和《塞纳河畔阿涅尔餐厅》（Restaurant de la Sirène, Asnières），如今分别收藏于苏黎世布尔勒珍藏（Emil Bührle Collection）和牛津阿什莫林博物馆（Ashmolean Museum）。
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