2024年8月23日上午，深圳市大芬美术馆诚邀四川美术学院院长、二级教授、博士生导师，现任中国美术家协会副主席、重庆美术家协会主席，中国美术家协会油画艺委会主任，中国美术家协会国家重大题材美术创作艺委会副主任、中国油画学会副会长庞茂琨老师为观众们带来了一场精彩的学术讲座——以油画基础语言为题，分别从油画材质、油画技法、油画写生形色及意味等方面深入剖析，引领观众穿梭于色彩与光影的殿堂，感受油画艺术的魅力与深度。
本次讲座由大芬美术馆副馆长张可主持。大芬油画村文化发展中心主任、大芬美术馆馆长杨艳玲，原大芬油画村园区党委书记蒋庆北，大芬美术家协会主席尚波，大芬美术产业协会会员以及艺术爱好者参加了本次讲座。讲座现场全程座无虚席，观众积极互动提问，学术氛围浓郁。
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主讲人：四川美术学院院长、二级教授、博士生导师庞茂琨
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主持人：大芬油画村文化发展中心副主任、大芬美术馆副馆长张可
在探讨油画的发展历程及其技法多样性时，我们深入了解了油画的根基和演变。从早期的蛋彩画到油画的诞生，这一过程见证了材料上的革新。从凡·艾克兄弟是最早使用油画颜料进行创作开始，他们的工作开启了绘画艺术的新篇章。
随着时间的推移，从文艺复兴到巴洛克时期，油画技术经历了显著的发展。这一时期，艺术家们在油画的材质感和表现力上做了许多探索，如使用厚涂和罩染的层次感来增强作品的立体感和深度。油画的颜料特性——如可多次重叠、塑造和光影效果——得到了广泛应用，使得油画艺术达到了新的高度。
在中国，油画的发展虽仅百年，但通过不断的学习和实践，中国艺术家们已经创作出许多优秀的作品。他们不仅吸收了西方油画的技法，更发展出具有中国特色的油画语言和风格。无论是写实、表现还是抽象，中国油画家都展现了对材料和技艺的深刻理解。
油画的技法分类繁多，包括但不限于直接画法、间接画法、薄画法、厚画法等。每种技法都有其独特的表现力和美感。例如，直接画法快速而生动，而多次画法则更为厚重和丰富。艺术家们通过不同的绘画工具和材料，如画笔、刮刀等，创造出各自独特的艺术风格。
在欣赏油画时，我们能够感受到作品中的笔触、肌理、色彩和光影等元素。这些元素结合艺术家个人的审美和情感表达，使得每一幅油画作品都是独一无二的。从伦勃朗到安格尔，每位艺术家都有自己独特的创作方法和技术特点，这些技术的差异性是艺术多样性的重要体现。在探讨艺术史的过程中，我们经常将焦点放在某个时期的代表人物上。欧洲文艺复兴时期是一个重要的节点，但我们在此不深入探讨该时期。我们关注的是17世纪，尤其是鲁本斯和范戴克，他们的作品将文艺复兴的视觉艺术推向了新的高度，使之更加贴近我们直接观察到的现实世界。这些艺术家的笔触和色彩运用，达到了一个令人瞩目的顶点。
*左图 伦勃朗《穿奇幻服装的年轻女子》（局部） 1633
*右图 安格尔《王座上的拿破仑一世》（局部） 1806
笔触和色彩的运用，实际上与我国古代绘画中的笔墨有着异曲同工之妙。如何运用笔触，停顿与快慢，都是有着深刻讲究的。油画颜料的特性，使得艺术家可以不断地重叠和修正，这一点与宣纸绘画有着显著的不同。
鲁本斯和范戴克等艺术家，通过他们的作品，将生命和自然的鲜活提炼出来，让我们感受到一种美。这种美，不仅仅是形式的模仿，而是艺术家手、眼、心高度协调后的产物。他们的作品，因其独特的美感，成为了经典，并在博物馆中永久地吸引着人们的目光。
三、关于油画写生中的形与色
在基础语言的建构中，学生需要理解和掌握造型意识。这包括人物的结构、比例、透视、形状的特征，以及黑白灰的关系等。这些基础元素在绘画中起着至关重要的作用。素描关系的准确，是作品成功的一大半。在写生时，艺术家会迅速捕捉到对象的轮廓、动态和神态，并在不断的绘画过程中逐步确定下来。即使是印象派画家，他们的素描能力也是极强的。他们并非忽视素描，而是在造型风格和语言上有着自己的独特追求。
*左图 庞茂琨 人物速写 2022
*右图 庞茂琨 人物速写 2024
在讨论印象派时期时，我们关注的是色彩。艺术家们将一切事物看作是色彩的块和域，他们解构并重新组合色彩，与固有色和光影交织，形成了一种时代感。这种对色彩的新理解，激发了我们的色彩思维，让我们在观察对象时，首先注意到色彩。色彩的运用也是绘画中不可或缺的一环。艺术家需要了解固有色的位置，同时考虑色彩的冷暖、补色、纯度等关系，使得画面色彩既有和谐统一，又不失生动变化。
在绘画实践中，艺术家们通过长期的训练和体验，掌握了色彩搭配和调整的技巧，使得画面色彩充满美感。这种能力，对于艺术家来说，是至关重要的。然而，不同的艺术流派有着各自的特色。苏联的巡回画派，虽然在色彩和形态上都有所追求，但与法国印象派有所不同。谢洛夫等艺术家的直接画法形色兼顾，能够在短期内捕捉到丰富的视觉元素。在绘画中，色彩的运用和光影的变化是很重要的。在一般的光线条件下，色彩最为含蓄和真实。艺术家需要通过观察和积累，理解色彩如何在光的影响下发生变化。例如，弗洛伊德的作品中，色彩的运用就非常关键。在土黄色的沙发上，我们可以看到色彩的细微变化，包括暖色和灰色。在人物的西装中，中灰色也有冷暖变化，但整体上色彩区域保持一致。![]()
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在处理肤色时，艺术家需要了解哪些区域应该更加饱和和鲜艳，哪些区域则应该更加粉灰。例如，耳朵和关节点通常需要更饱和的颜色。在整体上，肤色应该是一个亮的暖灰色，但在特定的部位，如头部和锁骨，需要更加饱和。
艺术家在创作过程中，必须巧妙地将形态与色彩结合，如在塑造时突出块状结构，并考虑固有色彩及光线的变化。此外，整体色调的选择对绘画至关重要，例如在亮背景前，色彩的应用会有所调整。艺术家在绘画时应从简单到复杂逐步进行，同时考虑形态与色彩的平衡。在油画创作中，因干燥时间较长，艺术家可能选择从局部开始，逐步整合成完整的画面。
为了增加画面的层次感，艺术家需寻找色彩的对比关系，如在一致的色调中寻找变化，如黑色或粉红色等。虚实对比的运用也是关键，通过光与形的强弱变化来营造。构图方面，艺术家需考虑元素如人物和背景的形状与位置。绘画不仅是技艺，更是艺术家个性和审美观念的体现，因此在细节处理上，艺术家会挑选性地强调某些部分，以创造富有节奏和变化的作品。
四、关于作品的整体感及总体的气息、格调
在今天的讨论中，我们聚焦于绘画作品的整体感和氛围。虽然我们讨论的是写实作品，但写实也有多种风格。重要的是，无论你的作品是写实主义还是表现主义，都面临着一个问题：你的作品传达了什么样的精神？体现了什么样的气息和格调？即使是抽象艺术，也有品格的高低之分。抽象艺术并不是没有区别，也不是完全相同。写实艺术，如照相写实主义，虽然在20世纪90年代和21世纪初期在中国较为流行，但它并不能完全代表艺术家的个性。艺术应该有千差万别的表现。因此，我认为绘画应该强调手工性、书写性和过程性。这是最有价值的部分：你的绘画怪在哪里？细节不应该追求绝对的呆板和死板，而应该与整体氛围相融合。![]()
美是主观的，每个人对美的理解都不一样。但如果你不能通过你的作品引起共鸣或产生某种感觉，那么你的作品就是失败的。回顾大师们的作品，尽管他们生活在相近的时代，但每个人都有自己独特的个性，这体现在他们的语言方式、侧重点和技法上。最后，以伦勃朗的作品为例，他的细节和肌理处理永远让人百看不厌。这些经典作品将永远感染人类，只要人类存在，这些经典就会被崇拜。包括弗洛伊德，他的作品在当代仍然令人敬畏。
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尽管现代艺术形式如计算机绘画和新媒体艺术的出现为艺术创作带来了新的可能性，但传统油画的价值和意义依然不可替代。手工性、思维和情感的协调以及个人体验的差异性，这些都是构成人类文明历史的重要因素。油画艺术不仅是一种材料和技术的体现，更是一种文化和历史的传承。无论是传统油画还是现代艺术形式，它们都有其独特的价值和意义，值得我们深入研究和探索。
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