技与道，是中国传统文化艺术中蕴含的一对核心的相对相生的概念，这也是艺术创作中不断被探讨的话题，也是千百年来中国艺术家不断在艺术实践中不断要思考的问题。下面就此谈谈画家徐卫国。

徐卫国，经济学出身、IT行业、世界500强任职，翻开徐卫国的简历，这些关键词似乎与艺术牵扯不上任何关系。但他目前却是北京画院巨幅山水画创作年轻的主力先锋之一。

早在徐卫国的学生时代，就已展露出他在中国画方面的天赋，那时他就开始临摹古画，并对历朝各代的山水画风和特点有所了解。大学和工作期间，他虽然学的是经济学，并忙于企业事务，却一直不忘初心，昼耕夜诵地对中国山水画艺术不遗余力地深研精修，十年如一日，从不间断。

2008年以后，在商海浮沉十多年的徐卫国，相继拜入著名山水画家程振国和张复兴门下，成为二位先生的入室弟子，并自成一家。

徐卫国擅长处理大场面的山水画，他以宋人丘壑为根基，借鉴传统，通过写生从生活中发现山河之壮美。他以“实境”来建构画面，在无形之中造就了一种“山河新貌”的时代气象。

2015年，进入北京画院之后，徐卫国随同画院活动到大江南北采风，搜集了丰富的创作素材，特别是无数次跟随二位恩师到深入名山大川中去师法自然，进行大量的实景写生，更训练了他的笔墨，开阔了他的眼界，使得徐卫国胸中有丘壑，笔下舞烟云。

关于技与道这个话题，在徐卫国看来，它们是一个辩证的关系。作为一个山水画家，他知道技法的重要性，也清楚仅有技法是不够的，要想体现更高层面的艺术价值，还要有“道”来指导。

(请横屏欣赏)

徐卫国《太行秋韵》200×500cm

徐卫国《秋色染苍岩》240×120cm

对话徐卫国：

采访者：徐老师，您好!能否简单回顾下您的艺术创作历程以及之间的几个重要结点?

徐卫国：其实我画画蛮早的，因为从小就喜欢，上中学的时候就开始学习中国画，那个时候学画完全是凭借兴趣，记得当时临摹了很多故宫藏画的印刷品，也是那段经历，让我打下了一些临摹古画的基础。读大学后，我也在课余参加一些社团活动，学习绘画。

这基本上都是属于业余的阶段。后来工作之后，十多年基本上没有以画画为主，一直到2008年辞去工作后，才开始专门画画，那个时候算是一个结点。

2008年后，我相继拜程振国先生、张复兴先生为师，在老师的指导下，才走上了一条正式的学画道路。2015年，对我也是一个重要的节点，这一年我进入北京画院，等于是到了一个更大更高的平台来提高自己。

(请横屏欣赏)

徐卫国《黄山松韵》145×360cm

徐卫国《翠岭烟云一江清》145×360cm

徐卫国《黄山揽翠图》161×610cm

采访者：从2008年学画至今已有十多年了，这个过程中您的创作发生了哪几个阶段的变化?

徐卫国：2008年以后我开始全身心地投入绘画，当时对自己的绘画风格和学习路子并不是特别明确，完全凭借自己的兴趣，喜欢什么就画什么，当然基本上还是专注在山水画这个领域。对于古今名家，也是喜欢谁就临摹谁，对我来说，这是一个“转益多师”的过程，在这个过程中，我也不断投稿参加一些大的展览，包括国展，一步一步地形成今天的风格。

梳理我学画的整体过程，基本上我这几年没有走太多的弯路，我也非常感谢我的老师，正所谓“师傅领进门,修行在个人”,后来我开始树立自己的笔墨方向，试着寻找自己的风格，但这个东西又不能着急，我一直主张画画要先求好再求新，个人风格是在不知不觉中逐渐形成的。

采访者：如果让您总结一下自己的风格，您觉得是怎样的呢?

徐卫国：我觉得我的山水基本上是偏重于写实的。我喜欢把我在自然山水中看到的，或者心理感受到的东西，尽量地表现在我的作品中去感染别人。作品画出来之后第一个观众是自己，应该首先打动自己。

对我来说，感觉最满足的时刻就是一件作品快完成时，当然作品有满意的，也有不满意的，满意的作品画完之后，面对着它静地坐半个小时，那个时候的满足感简直无以言表。当然，作品最后还是要让别人去看。我希望别人也能从我的作品中感受到我所感受到的美。我觉得我的作品风格就是偏向写实，以表现“实境”为主。

徐卫国《水阁会友图》180×90cm

采访者：您近期在关注山水画的哪些问题?

徐卫国：近几年，我一直在思考自己未来的艺术发展方向。我认为艺术创作首先要尊崇于自己的内心，自己的喜好，画画不是为别人画的，首先要对自己诚实。我就是按照我喜欢的方向去表达自己的内心感受，并尽量避免落入一种套路之中，毕竟中国画的很多传统实际上是一些程式化的套路。

我们要不断地跳出旧有套路，尝试一些新的语言，新的风格，当然这也是我给自己出的一个难题。我觉得给自己设置挑战，可以让我调整到最佳的状态去解决问题。目前我一直在寻找一种新的艺术语言。

采访者：您为何一直坚持“大山大水”这个方向的创作?

徐卫国：我比较喜欢画大画，这可能跟性格有关系吧，我喜欢到大山大水的大自然中去体会。在我看来，大山大水在当今社会有一定的功用，大山水很多人称其为“厅堂山水”，主要用于布置大型公共场所，如机关、会议室，甚至是一些国家层面的重要场所，其社会功用就是体现公共美术的教育价值，瑞吉大众心灵，装点我们的社会。这也是它存在的重要意义，未来我还会在这个方向上继续探索。

(请横屏欣赏)

徐卫国《九曲峡川白顷波》75×300cm

徐卫国《烟云供养 野水可餐》45×180cm

徐卫国《野水有诗意荒村隐书声》45×180cm

采访者：对于“笔墨当随时代”，您怎么理解?

徐卫国：“笔墨”涉及中国画的内容、形式、题材、技法、语言等各个方面，它不可能脱离时代的烙印。在我看来，“笔墨当随时代”是很正常的事情，虽然我们在学画时要深入传统，但是创作时又不能把古人的东西照搬过来，要体现当今的时代需求，符合大众的审美追求。

创作过程中，我也会关注当今的一些风格、流派，它们有哪些值得吸取的地方。同时，在这个繁杂的社会我们也要保持清醒的头脑，我不去追逐时髦的东西。

此外，“笔墨当随时代”也强调文脉的传承，就是中国画本源的东西，这些优良基因需要我们一代一代继承并发扬光大。

采访者：创作过程中，您经常到大山深处去写生，写生在您的创作中扮演着怎样的角色?您如何看待写生与创作的关系?

徐卫国：我创作状态不好时就特别想出去看一看，哪怕不是写生，也想从自然山川中获得不同的感受，这样再回到画室时，感觉就会不一样。中国画创作之所以强调深入生活，就是因为你要去观察自然山水，从自然中吸收精华和你的心灵进行交流，把自然打动你的内容体现在作品中，然后通过你的作品再去打动别人。所以写生和采风对我来说很重要，今后有时间我要经常出去看一看。

徐卫国《故塬瑞雪》215×185cm

徐卫国《陕北记忆》200×200cm

采访者：关于技与道的这个话题，就是绘画的技法与艺术规律之间的关系，您是如何看待的?

徐卫国：技和道我觉得它们是一个辩证的关系。“技”可能是指“技法”，就是你的笔墨功夫、实践能力、动手能力，这些无疑是很重要的，尤其对于我这种画写实山水的，更强调技法重要性。

但是光有这一点又不够，如果你只有技艺，可能最后就变成画匠了，艺术价值如果要体现在更高的层面上，一定要有道的东西来作为指导，就是你的思想、你的意识、你的情怀、你的学问、你的知识，这些实际上会反过来指导你的绘画。

中国画是一个主观的艺术，它不是表面上的照搬照抄。打个比方，就像语言与思想的关系，你有再丰富的思想，如果没有语言你就不会说、不会写，所以需要有技。但是你光会说，光会写，但是你的脑袋是空的，你也表达不出什么东西来。所以技与道它是相辅相成的。尤其是作为艺术家，你的艺术要想达到更高一个台阶，必须要在更高的层次上去提升，这个就是道的层面。

过去我们常说“大音希声、大象无形”，就是指脱略形迹，画家已经不受所表达对象形体、结构的束缚，而是进入到一个更自由的状态。古人常说“随心所欲不逾矩”，“矩”就是技，只有完全掌握在心中，你才能随意挥发，信手拈来，达到艺术创作的自由状态。

徐卫国《梦起高原》185cm×210cm

徐卫国《古塬厚土》 190cm×200cm

采访者：艺术创作过程中，又是如何处理技与道的关系?

徐卫国：我的创作，有一些相对比较写实，如《高原》系列，我会在技法上做一些减法，去表现比较虚的物象，体现高原山水苍茫的精髓。

还有一类题材是《溪山》系列，画的是小桥流水，为了让观者感受到风的流动、水的流动或者是山川中的气息，我更依赖于从道的层面上去表现。

采访者：能否谈一谈您对北京画院的看法，您为何选择进入这样的一个机构?

徐卫国：其实不是我选择北京画院，而是非常幸运的北京画院选择了我。很荣幸能够进入北京画院这个国家最顶级的艺术平台，这里不仅汇集了大量优秀的艺术家，还有院里的前辈画家，通过向他们请教、学习，与画家同事交流，我的创作水平得到了大幅度提升。

同时，画院的理论研究水平、培训水平也非常高，我觉得在这个平台上自己还有很大的学习提升空间。

采访者：对于画院的教学模式您怎么看?在教学过程中，您的课程是如何设置的?

徐卫国：带学生这块我觉得北京画院的教学模式非常好，它讲究师傅带徒弟和一种公益性的教学。它不要求学生在短期内有特别明确、功利性的目标，而是注重提高学生们的审美标准和艺术修养，这样学员毕业到社会后，就相当于播种机，北京画院通过培训提高整个社会的审美水平和美育高度，这也是它最大的作用之一。

中国画讲究传统，课程设置上，我会通过经典作品的鉴赏、讲解提高他们对传统的认识，也会安排临摹课，会选一些精彩的局部让学员重点临摹。只有系统掌握了这方面的知识，才能对他们以后的创作有所帮助。

(视频：蔡春伟 张凯 侯宇博 / 图文：刘倩 佟欣鑫)

以上图文来自国家画院