Kin Coedel（陈健），中国摄影师，生于香港，加拿大长大，他的生活轨迹遍布美国、巴黎、伦敦以及中国川藏地区，是一位具有多国背景的艺术家，跨文化视角为他的艺术创作带来了独特的语言和审美体验。2025年1月18日，他在ICICLE之禾卡纷文化艺术空间举办了一场名为“HODO”的摄影展。“HODO”源自古希腊语“ὁδός”，意为“路途”或“旅程”，也象征着他的艺术探索之旅。Kin Coedel表示：“摄影赋予我特殊权限，去探索那些塑造人类经验的路途——历史、文化以及那些转瞬即逝的共鸣时刻。” 

Kin热爱旅行和摄影，但最初却没有想过能成为一名摄影师；他曾是一名设计师，一个偶然的机缘，他对摄影产生了兴趣，转而选择在旅途探索摄影之路。如同一位文化行者，在不同的地域文化间吸取养分。而后，每一趟旅程，都是他“捕光捉影”的“探索”之旅，这种探索不仅限于视觉，还有他和不同地区不同民族的人亲密接触后的反思。带着对艺术与文化的探索和思考，Kin Coedel在瞬息万变的世界中，跨越时间，寻求永恒之美，是印象，也是映像。

Q & A

Q：是什么让身为设计师的您对摄影产生了兴趣？是如同一项介绍中写道的那样吗？很偶然买了一部相机，进而成就了您摄影事业。

A：那是我人生的中第一台底片相机，是在加拿大求学时，前往西雅图购物，途径跳蚤市场中看到的，以12美元的价格购得。对它，我存在着情感上的依恋。当然，相机只是一个机缘。我的背景不是摄影，一直从事的是设计工作，专注于女装。真正开始尝试摄影，是在某个时刻，我感到我需要探索新的领域，于是，我决定离开了设计工作，去往不同地方。正好是疫情爆发的时间。我去印度拍了一系列作品。包括此次展览中的五张照片。

Q：展览一共展出了七幅作品，有五张是在印度拍的KAMMAN & DHADDA系列，另外两张是在冰岛和那曲，在作品的选择上您是怎么考虑的？

A：我被邀请参加这次展览，没有特别限定作品主题。最初的想法是，借此机会展示一些较为罕见的作品。因为在国内，观众更熟悉我拍摄的西藏系列，而此次展览绝大部分作品是我回国内工作之前拍摄的，这些作品在某种程度上，是我作为摄影师初期的尝试和探索。我很高兴这次有机会与大家分享这些较为早期的作品。

Q：为什么去印度拍摄？在拍摄这些照片的时候，是否有特定的想法或主题？

A：去印度有一个非常有趣的契机。我在YouTube上看到一部由印度导演拍摄的纪录片，记录了印度西部每年举办的风筝节。印度有许多节日和庆典，这个风筝节不算特别重要，但是在当地，无论是印度教徒还是穆斯林，都会共同庆祝，这种包容性让它显得格外特别。于是，我决定亲自去西印度探访。因为是第一次开展个人摄影项目，我当时还年轻，并没有太多深沉的想法，关注点也比较传统，甚至有些老套。像许多摄影师一样，我也轻易地被印度的色彩、织物和布料所吸引，这其实是一种对印度文化的简单异国化。当我真正去探索这个节日与当地文化和地域的联系，并与当地人交流时，面对遇到的困难，我开始思考：为什么这个时间会发生这样的事？其中的含义是什么？我逐渐意识到，我获得的其实是当地人给我的想法，而非我独自感受的体验……于是，我的视角开始慢慢转变，有了一些新的感受。

Q：正如您说说，这次展出的作品是您最开始专注于摄影时的探索，经过多年拍摄，您觉得和自己最初的拍摄理念有何变化？

A：变化还是挺明显的。最初，我更关注表面元素，如颜色、线条、形式、构成……随着成长，我开始更有意识地去思考一些问题。很幸运，我能有机会去很多地方旅行，无论是工作安排还是个人选择，每到一处，我遇到与我有着完全不同生活状态和价值观的人，我常问自己：为什么要记录这个东西？它对我来说是特别的吗？对当地人来说是否同样特别？我希望自己的创作不仅是猎奇。也希望我的朋友们，无论是摄影师还是其他艺术从业者，在面对异国文化时，都能主动提出这样的问题。我们曾经历过殖民时期，长期受到外来文化的影响，甚至被异国化。因此，当我置身于其他文化中时，我总是努力以一种新的方式去理解和体验，而不是简单地重复别人做过的事情。

Q：您是否会刻意和其他摄影师或艺术家区别开来，形成与众不同的独特风格？

A：我时常思考这个问题，想法也会来回反复。我是在国外长大的，西方的价值观强调个人主义，总是灌输你要特别、要独特。当我回中国工作后，我意识到东方的价值观和我之前接受的不同，不是你的独特性不被重视，而是被重视的程度与西方不同。这其中没有好坏，只是不同。我们东方在艺术、生活、哲学上……很多时候是在讲collective goodness共同性，大家共同努力去完成。我认为这是一个自我探索的过程。我现在更希望说服自己的是，不要害怕按下快门，不管是拍摄一张好照片还是坏照片，都要勇于尝试，多加尝试。

Q：在一般人看来，按下快门是非常简单的事，为什么作为摄影师的您会感到害怕？

A： 跳出自己的舒适圈去接受镜头中陌生的观感，其实很难。这时候，按下快门就需要很大的勇气。我一直在说服自己，不要害怕拍摄那些与自己平常风格不同的东西。这是一个不断尝试的过程。很多时候，我们无法预估一张照片的真正价值。如果不敢按下快门，那些可能被他人喜爱的瞬间就会永远的错过。比如我在西藏拍摄的《德庆和她的母亲》，虽然我知道这张照片很美，但完全没想到它会如此受欢迎。而在拍摄时，我们也往往会过于专注于追求某个特定的效果，花大量时间去捕捉一张“理想的照片A”，却忽略了在这个过程中拍下的其他照片B和C。而那些被忽视的照片，或许才是我们真正想要的。

Q：在您看来一幅“好”的摄影作品应该是什么样子的？面对自己的作品时，如何在众多的摄影中选出最为满意的作品？

A：定义什么是好的摄影作品，对我来说是一个过于宏大的问题。当我审视自己的作品时，总感觉不够完美。如果从个人喜好出发，我会在图像中寻找一种“永恒性”timelessness。我喜欢的作品，无论拍摄于何时，经过多久，都能让人感受到它在被创作时所蕴含的“美”，这种“美”不会随着时间流逝而褪色。我们生活在一个信息快速消费的时代，许多作品被迅速创作和消费，当然它们的存在自有其意义。但与此同时，我更希望看到那些能够长久流传的照片。比如在这次展览中，我选择的作品既有多年前的旧作，也有近期的新作。当它们放在一起时，我却感觉它们仿佛都是去年拍摄的——这种跨越时间的统一感，是我一直追求和寻找的“永恒性”。

Q：本次展览的照片尺寸很有趣，有大有小，有些边缘是弧形，这种布置和排列是您作为设计师的直觉吗？

A：我对照片的物理性存在，即被挂出来、印刷出来，仍有怀旧之情。现在照片的制作方式已经发生了巨大变化。大多数图像被存储在手机等电子媒介中。当有机会通过物理形式来呈现时，我希望它与我们在屏幕上看到的样子是不同的，尺寸大小形态都很重要，有机会变大，我总是希望它能更大一些。我也经常观察不同媒介的艺术家，如绘画和雕塑艺术家，看他们如何呈现自己的作品。我认为，摄影作品在一个空间被呈现的时候应该特别一点。很巧的是Icicle的空间有拱形的窗户设计，拱形是我非常喜欢的元素。于是，我以拱形元素作为回应，其实也是Icicle空间的设计让我有足够的空间去发挥，实现一种经典而独特的设计感。

Q：在您拍摄的一些作品中，有很多动态瞬间，是抓拍，还是精心的布景？

A：那些看似自然、抓拍的照片，其实都是经过精心安排的。当然，每张照片安排的程度不同，有些比较自然，我通常会让当地人重现某个瞬间。绝大部分场景都是经过沟通的，我会向他们解释拍摄的目的和方式，然后由他们重新演绎。如《红色气球》，为了捕捉两位女士行走时气球在地上的投影，我跟随她们走了两个多小时。这些细节至关重要，这种精心设计的场景也同样重要。我将这种方式视为一种“对话”。正如我之前所说，当我们进入一个与我们完全不同的文化区域时，如何避免猎奇与异国化，是一个重要问题。19世纪，很多欧洲探险者曾来到东方，拍摄了大量描绘东方的照片。这些照片虽美丽，但都是通过西方视角来诠释的，拍摄者并没有与当地人形成真正的“对话”。而对我来说，这种“对话”是至关重要的。

Q：接下来您的创作有什么计划吗？

A： 坦白说，今年我希望能找到作品与商业结合的恰当节奏。对于艺术家而言，这无疑是一个现实的考量。艺术与商业，有时并非完全由个人意愿决定。在商业摄影领域，大家通常会尊重我的想法，这让我非常感激。我希望作品能保持个人风格，但有些内容并非我主动追求，而是被赋予的。这种情况下，我有时会感到沮丧，但也会提醒自己适时退一步，享受创作本身。毕竟，我们呈现给大众的作品是为大众服务的，如果个人喜好无法被大众理解或接受，一味坚持也没有太多意义。虽然在理性上，我明白这一点，但作为艺术家，情绪的驱动仍然会影响我。或许这就是一个不断探索、寻找自身舒适节奏的过程吧。