红色是喧闹而活泼，白色是端庄而纯洁，但如今与纯真联系在一起的粉色则是一把双刃剑。
早在“粉色”一词与娇嫩的康乃馨这种柔和色调联系在一起之前，伦敦的黑社会就用它来表示用锋利的刀刺人的行为。
比如，“He pink’d his Dubblet”，这是17世纪街头俚语词典中对这个词的解释。
这些俚语被乞丐、商店扒手、拦路强盗、窃贼和其他所有骗子和恶棍使用，简单来说，就是“他刺穿了他”。
没有人能确定，粉色究竟是在何时从尖锐的色彩转变为柔和的色彩的。无论18世纪时将“粉红色”纳入色卡之前，它叫什么名字，这种诱人的色彩本身就是多元的，粉红色时而诱人，时而纯真，时而风骚而腼腆，时而性感而狡黠。
如果从艺术史的调色板中去除粉色，那么就会失去一个有趣的维度。法国画家的埃德加·德加（Edgar Degas）的《粉红舞者》将毫无作为👇
毕加索的关键粉红时期也无法爆发出力量。
如果要讨论粉色是如何成为绘画发展史中不可或缺的元素的，那么关键点大概是意大利文艺复兴早期画家弗拉·安杰利科（Fra Angelico）于15世纪中叶在意大利佛罗伦萨圣马可修道院创作的著名壁画《天使报喜》👇
这幅壁画描绘了《新约》中的大天使加百列告知圣母玛利亚她将成为基督之母的那一刻。
弗拉·安杰利科的这幅开创性的画作被安置于虔诚的僧侣们每天庄严攀登的楼梯顶端，每一位观者的灵魂都仿佛被召唤出来，飘浮其中。
壁画中，激发这种灵魂神秘升空的关键是空灵的大天使——他神秘地跨越了存在层面，俯冲到玛利亚的物质世界。别介意那多色的翅膀，因为最令人惊讶的是弗拉·安吉利科决定给他穿上华丽的粉红色毛绒褶皱衣衫。
一本关于如何调制颜料的当代艺术家手册《Il libro dell'arte》中曾解释说，“粉红色传统上主要用于渲染肉体。如果用它来绘制墙壁上的脸、手和裸体，这种颜料会带来很大的光彩。”
可弗拉·安杰利科却让加百列披上了最鲜艳的粉红色外衣，将大天使描绘成一个有血有肉的存在，打破了圣灵与短暂肉体之间的区别。从此以后，人们再也不会以曾经的方式看待这种颜色。
在随后的几个世纪里，艺术家们会用粉红色来表示界限的模糊。
文艺复兴大师拉斐尔有一幅名叫《粉红色的圣母》的画👇
创作于1506年，画面上婴儿交给圣母玛利亚一枝粉红的康乃馨，乍一看似乎并不起眼。
事实上，根据宗教传统，这朵花最初是玛利亚在耶稣被钉十字架时掉落的泪水，眼泪掉下的地方就长出康乃馨，因此，康乃馨成为了不朽母爱的象征。
可在拉斐尔的画作中，这朵花呈现出不合时宜的外观，带着怀中婴儿未来的血液的色彩，神秘地形成了粉红色的新象征。
随着时间的推移，粉红色最终超越了其复杂的神学，影响了更广泛的世俗世界，同时保留了其难以捉摸的魅力和挑逗力。
到了18世纪，粉红色成为描绘情妇的首选颜色。
比如，英国画家乔治·罗姆尼（George Romney）所画的他的缪斯女神艾玛·汉密尔顿夫人（Dame Emma Hamilton，后来成为纳尔逊勋爵的情妇），就穿得粉红色的裙子👇
再比如，法国洛可可肖像画家莫里斯·昆汀·德·拉·图尔（Maurice Quentin de La Tour）所画的《蓬巴杜夫人肖像》👇
这幅全身粉彩铅笔肖像画创作于1748 年左右，描绘的是法国国王路易十五的首席情妇。画中充斥着非常多的粉红色，仿佛一座喧闹的丛林，每一寸都布满粉红色，让人觉得快要窒息。
这些都表明了，这种颜色已经明显地不再神圣。
当然，没有哪幅画能比法国画家让·奥诺雷·弗拉戈纳尔 (Jean-Honoré Fragonard) 的《秋千》更生动地体现粉色从精神到世俗的逐渐摆动了👇
这幅画作创作于1767年左右，介于拉图尔和罗姆尼的作品之间。
在这幅画中，一朵美丽的玫瑰花在旋转中定格，而摇摆的女孩则穿着粉红色的裙子，甩动着一只丝绸鞋，吸引了众多躲在她周围灌木丛中的男性的目光。
看吧，曾经的粉红色代表着无数的隐喻，暴力，勾引，情欲，哪一点又与纯真相关呢。
https://www.bbc.com/culture/article/20180419-the-shady-past-of-the-colour-pink
