绝绝子！不愧是登上春晚的川剧大女主

从小开始学习川剧，一直到现在与川剧相伴几十年，回过头来看，您觉得自己的川剧生涯经历了哪些不同的阶段？川剧给您带来的最大收获和感悟是什么？

我12岁开始学习川剧，到现在已经45年了。以十年为尺，我将这45年划分为人生的不同阶段。我出生在云贵川三省的交界地叙永县，因为父母都是当地的川剧演员，在我12岁那年，也就是1979年，我开始进入叙永县川剧团学习川剧。一直到1989年，这十年间，我不停地学戏、演戏、看戏，并跟随叙永县川剧团走遍了四川省很多地方进行演出，虽然演得不一定好，但却为我积累了大量的戏曲基本功和舞台实践经验。所以对我来说，这是学习、实践的十年，是我艺术道路中最关键的十年，也是我最珍惜、最怀念的十年。

随后到了1990年，再往后，是我带着川剧走遍全世界的十年。20世纪90年代，风靡川渝和云贵部分地区的川剧市场步入低迷。受当年市场环境影响，只有部分川剧演员继续坚守舞台，川剧发展步入困境。那个时候我也曾彷徨迷茫过，但我内心始终有一种声音，我热爱川剧艺术，我热爱这方舞台，我得坚持下去。于是，从1992年底开始，我就带着川剧《白蛇传》《四川好人》等前往欧洲进行巡演。在法国、瑞士、德国、西班牙等国家，我们所到之处，皆掀起一阵川剧热潮，每一场演出都座无虚席。演出结束后，他们常常报以长时间热烈的掌声，不少人还意犹未尽地围到后台，想要更深入了解川剧的魅力，这让我深刻感受到川剧在国际舞台上的独特吸引力，也坚定了我继续演川剧的决心。可以说，这是我人生中坚持和坚守的十年，如果没有大胆地走出去，我在川剧的道路上或许就无法走到今天。

再到2000年后，一直到现在，我所做的就是将传统川剧传承好、推广好、发扬好，让更多人，尤其是年轻人能被川剧吸引，主动走近这门艺术，成为传承与创新的新生力量，让川剧在新时代绽放光彩。

演了大大小小那么多川剧，您最喜欢的角色或人物是什么？两度获得中国戏剧“梅花奖”，对您而言，它除了是奖项，还有其他更特别的意义吗？

对应人生的不同阶段，我喜欢的川剧角色和人物也各有不同。最早喜欢的是《白蛇传》里的白素贞，不仅因为是它让全国观众认识了我，也是这出戏陪我走向了全世界。虽然在很多剧种里都有《白蛇传》这出戏，但川剧的《白蛇传》非常独特、有个性。其中，白素贞一角尤以唱做繁难著称，十分锻炼人的基本功。此外，剧里还加入了蛤蟆精王道陵等角色，更全面也更有可看性。1992年，我凭借《白蛇传》《四川好人》《打饼》等川剧获得第一朵中国戏剧“梅花奖”。可以说，我从叙永县带着《白蛇传》走到成都，又带着《白蛇传》走到首都拿到“梅花奖”，更把《白蛇传》带向了全世界。

后来，随着年龄的增长，人生阅历的提升，眼界也更加开阔，更能对一些复杂而深刻的角色共情。1996年到1997年间，著名剧作家徐棻老师专门为我量身打造了一出《目连之母》，这出戏非常现代，剧里刻画的自尊自爱自强的女性角色，放到现代都十分具有代表性与启发性。正是这出戏让我拿到了中国戏剧节最佳演员奖，我也带着这出戏参加了法国《龙之声中国文化季》的交流演出。

越往后，戏越来越多，也越来越多元，《红梅记》《马前泼水》《尘埃落定》《欲海狂潮》……每一个角色、每一出戏，都引领着我在自己的人生道路上不断思索与蜕变，让我能借助角色洞察人性幽微，于戏中领悟生活真谛，在戏曲与人生的道路上稳步前行。很感恩川剧给了我体验不同人生的机会，正所谓“戏如人生，人生如戏”。

回想起来，从1992年获得第九届中国戏剧“梅花奖”，到2011年再次获得第二十五届中国戏剧“梅花奖”，这一路走来，确实挺不容易。“梅花奖”对我们戏曲演员来说，是一种莫大的荣誉，是对我们几十年努力的一种肯定和回报，但它并不是我们戏曲从业者的终极目标，而是戏曲生涯又一个新的起点。“梅花奖”就像一个里程碑，它让我对自己有了更高的要求，也激励着我勇敢地向更高的艺术高峰攀登。

一说到川剧，便不得不提到锦江区，锦江剧场更是无数像您一样的川剧人梦想开始的地方，您当初是怎样来到这里学戏的？听说您和锦江区的缘分颇深，其中有不少曲折又动人的故事，能否给我们详细讲讲？

说起和锦江区的缘分，有太多故事可以讲。我13岁第一次到成都，就在锦江区当时的红旗剧场看了川剧大师阳友鹤的《贵妃醉酒》。我记得因为年纪太小，买不到票，就和大人们混进去，一个人坐在剧场二楼的过道上看完了整场演出，精彩绝伦的表演深深震撼着我，让我久久不能平静。

我从小就想来成都学戏，但由于老家偏远，通讯又不便，总是错过戏校报名时间，我16岁那年又一次来到成都，可惜又刚刚错过，再等下一次招生需要五六年，我非常心焦，所以到锦江剧场找到张光茹老师，恳请她收我为徒。幸好老师对我有些印象，我13岁作为叙永县川剧团学生队演员来成都汇报演出时，张光茹、阳友鹤等川剧大师都是评委。我现在对刚刚拜师那会儿还记忆犹新，老师认真地要求我：20岁之前不能谈恋爱、不能化妆、不能烫发，要专心致志学戏，然后我把名字从“陈巧缘”改成了现在的名字。

从那以后，我就开启了在成都锦江区的学戏生涯，而锦江剧场自然成为了我们的大本营。那时的锦江剧场还是一派楼台亭阁、小桥流水的景象，不仅有演出的剧场，我们办公、排练的场地也在那里。每天早上7点过，我们会先到锦江剧场外的华兴街上吃一碗热气腾腾的华兴煎蛋面，这时街上已经有了不少早起遛鸟的人。吃完早饭，大家换上练功服，开始排戏、学唱腔，往往一学就是一整天。直到下午5、6点下课，才和老师一起坐车回家。那时的生活虽然平淡且清苦，却满是纯粹的热爱与坚持，是我人生中难忘的一段回忆。

我和锦江剧场的缘分还不止于此。我的第一出大戏《武则天》就是在这里演出的，从排练时无数次的雕琢打磨，到登台前紧张又兴奋的忐忑，到演出时全身心投入的酣畅，再到获得观众热烈掌声的那一刻，至今我仍历历在目。

您觉得应该如何平衡好川剧保护性传承与创新性发展的关系？怎样做才能让川剧避免最终走向博物馆，持续在当代社会蓬勃发展？

我认为戏曲的保护性传承与创新性发展并不矛盾。早在上世纪80年代初期，国家就针对戏曲的保护和改革提出“抢救继承，改革发展”的八字方针。几十年来，我们成功抢救了一批老艺术家的艺术瑰宝，作为新一代，我们也肩负着将前辈技艺传承到位的重任。

在改革发展方面，我们这一代演员在传统戏、新编戏以及国外名著改编等领域进行了积极探索。如今身处高科技时代，戏曲发展更应做到“多条腿走路”。一方面原汁原味传承老前辈的经典，另一方面大胆革新，例如在舞台、服饰、音乐等方面进行创新，这也是当代年轻演员需要思考的关键。而我始终觉得，大家就算走远一点都没关系，只要川剧的精神和内核还在，无论走多远都可以回来的。

众所周知 ，戏曲是活态的艺术，需要代代传承发展，否则只能走进博物馆。而其中，年轻演员是关键。

我经常会问我的学生：你们爱不爱川剧？如果你热爱、你喜欢，那么吃再多苦，到后面都会觉得这是人生的一笔财富。我会告诉他们，一路走来注定不易，年轻演员一定要多演，积累舞台经验，也一定要明白，只有沉淀下来、钻研进去，才能拥有更高的艺术水平。同时，我们也更愿意推出我们的年轻演员，多给他们舞台实践的机会，只有这样才能让他们快速成长起来，青年是事业的未来，青年文艺工作者是文艺事业的未来。

舞台上的传承和舞台下的传承同样重要，在培养年轻川剧演员的同时，我们更要培养年轻的观众。只有让更多年轻观众愿意走进剧场，了解川剧艺术，才谈得上喜欢，然后才谈得上爱，最后才能忠实地传播。

2022年，在四川省文化和旅游厅指导下，我位于锦江区的工作室入选首批四川省戏曲名家工作室。如今，我正依托工作室这一平台开展更多推广活动。比如开展川剧进校园，针对不同年龄段的学生打造“专属川剧课程”，不断激发他们了解传统戏曲的好奇心，提升他们对川剧的艺术鉴赏能力；举办川剧赏析沙龙活动，邀请资深戏迷与专家共话川剧，分享见解、交流感悟，在思想碰撞中增进大众对川剧艺术的深度理解。

我相信，在一代又一代戏曲人薪火相传、矢志不渝的共同努力下，中国传统戏曲一定会越走越好。