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首先要说，这篇文章每个观点可能都是「偏见」，甚至笔者自己都不难找到反例。它们不是一组照片成为「艺术摄影」的充分条件，甚至也不是必要条件。但是，它们描述了某种属于艺术摄影的特殊「气味」。说得直接点，如果你想让自己的照片看起来更「像」大师作品，更「像」美术馆墙上的展览，而不是在沙龙摄影的话，可以参考。艺术摄影和与之相对的实用摄影、沙龙摄影相比，有个比较显著的取向差异就是——
实用摄影、沙龙摄影比较喜欢「突出主体」「强调重点」，这样一张照片可以更容易被人理解。所以我们看到很多非艺术类照片是单一主体的，主与次、要突出的和做陪衬的一目了然。而艺术摄影常常出现多个主体，或者没有明显主体，又或是即使有主体画面各处也藏着多个有效的信息点。这样信息量的分布方式，就从单一集中分布，变成了更丰富信息量的分散分布。常会表现为「单一视觉重心」与「多个分散的视觉重心」的区别。
画面都将注意力引向壮丽的山形和上面奇异的光线，重点被明确强调出来
选自Pexles©Nicholas Dias
画面视觉重心不明确，丰富的信息量分布在画面各处
选自《不寻常之地》©Stephen Shore
很多被摄影艺术界称为大师作品的照片，看起来很「无聊」，实际上是它们放弃了开足火力强化集中的信息量。太单一集中的信息量，虽然更容易引眼球，但欣赏常短时间内完成，读图乐趣消退也很快。而信息量更分散，虽然乍一看有点「无聊」，却很容易产生一种「后劲」。艺术摄影偏好的信息量「分散分布」，常常拥有更多的信息总量，也表达了更丰富和多维的细节。很多沙龙摄影「大片」，习惯用尽力气反复描摹一件事，看似拥有很多（像素和视觉层面的）细节，却基本看一眼就能获知表达意图。而艺术摄影常呈现为组照，比较忌讳用力过猛，呈现出信息量「多张分散分布」的状态，是一种细水长流的感觉，需要深入细看、多张整体进行审美。正好前段时间解读杜扬的摄影集《Slow and…》，其中的主要观点就是她的单张照片信息量「克制」，而很多沙龙摄影则着力过多。我们如果将两类照片集中观看对比，相信大家也能看出明显的「力度」差异：艺术摄影常常比较忌讳直接和刻意，这还会自然引出第二个「潜规则」——除非有特殊艺术表达上的需要，艺术摄影不太喜欢用超广角、鱼眼镜头、超长焦等。如果按大家熟悉的全画幅等效焦距来看的话，多集中在35-85mm之间。有种——超广角、超长焦镜头和我们平时肉感观看到的透视感不一样。超广角透视很「陡」，而超长焦的透视感又很「平」。如果用超广角镜头近距离拍摄主体，会有一种夸张的透视变形；而用超长焦镜头拍摄，则是一种很不真实的空间压缩感、超距离拉近潜望的感觉（相见透视科普文：《摄影与透视 | 如何科学地拍建筑与大长腿？》）。特别是超长焦，在人像写真、打鸟拍荷、野生动物等应用很广。而这些感觉，都是很显性的「陌生感」，会给很多初学者和普通观众带来一种「很牛」的新奇感，认为视觉冲击力很强，所以往往被认为是优点。艺术摄影就不太喜欢这种纯视觉层面上的夸张。我们常看到，同样是拍摄城市街道一点透视，和典型的城市风光「大片」相比，托马斯·斯特鲁斯（Thomas Struth）的透视就要平缓很多：我们用「视觉动力」来描述这两种感觉。我们常感觉前者有一种明显的拉扯感，而后者则平实很多。沙龙摄影经常很在意一些形式，比如透视结构线会追求完整，而艺术摄影中常会被消解，让「视觉动力」显得不那么猛烈和直接。透视结构线完整，强调一点透视的集中感
©选自Pexles
透视结构线常被消解，显得不那么猛烈和集中
©托马斯·斯特鲁斯
某种意义上来说，这也可以算是在避免单一和集中的信息量，只是这里体现在了透视结构和视觉动力的集中。我们说艺术摄影不喜欢显性的夸张，它更偏好客观冷静的观看方式。还是先拿上面的街景来作为例子。沙龙摄影，如果明显的透视，透视灭点通常会被视为唯一的「视觉重心」，为了强调它，常会用比较明显的「视觉引导线」，来强调所谓的趣味点。比如这里就是太阳。这里是纽约的日落大道，据说一年中只有一天可以拍到太阳正好落下的这个角度，照片以此明确而强烈地展现这种「稀缺性」，带着浓烈的个人情绪和明确的呈现意图。而托马斯·斯特鲁斯，拍到的则是一个冷静的景象。其冷静表现为，它不会试图特意选择一个特殊时刻，而更呈现了一个普遍的景象。除了透视、焦段很平和之外，光线也不会追求戏剧性，常用柔和的散射光。这样整个画面有一种剥离了刻意选择新、奇、特的视角，呈现出了一种——从光线、色彩、结构方面用力展现浓烈的情绪
©选自Pexles
我们可以比较新闻摄影，它常有一种强烈的情绪和姿态，快速吸引人目光，强烈地表达一种观点。前些日子被广泛关注的特朗普遇刺那张照片，就体现了这种浓烈情绪。在我们过去的文章（《如何能get到“不讲故事”的照片审美？》）中多次说过，「故事感」容易被初学摄影者认为是正面评价，但在艺术摄影中却要慎用。故事感与摄影中的「叙事性」有很大关系，看照片就好像它是一部电影、一则故事，或者我们说这张照片「好像会说话」。在新闻摄影、（传统）纪实摄影中，叙事性自然很重要，他们承载着一种展现现实世界和真实事件的使命。这看起来合理且必要。可早在二战后不久，罗伯特·弗兰克等人，就已经质疑过这种「真实性」，认为它不过也是一种带着某种立场的截取而已。而后艺术纪实逐渐发展起来。艺术纪实带着艺术家的主动构建，深入探究主题。这也意味着记录事件不是首要目的，无需去捕捉人物的那些典型的「在做某件事」的瞬间。反而是，你能看到叙事留白很多的场景，例如冷面无表情的人物，空旷的街景、无人的室内、看起来「无意义」的角落。在艺术摄影中，这些图像极大稀释了叙事倾向，让渡了解读空间。在艺术摄影的价值观中，明确的叙事感更多在宣传式的、商务式的、游客式的作品中使用，并不是艺术上的优点，反而会成为被语言和文字所束缚的证据。在叙事这条光谱上，不明确的叙事，甚至是更完全的非叙事，也保证了艺术性不被其功能性所影响。尽管被归为纪实摄影，艺术纪实照片中的叙事感都会减弱。不明确地以纯粹记录的姿态呈现场景。
很多商业摄影师，在个人作品中朝非叙事的方向走一走，展示一种「更艺术」的姿态，以呈现自己有更「高」的艺术境界。例如上田义彦的《島へ》。我们知道，如果是个摄影初学者，能够借助对焦和背景虚化，快速将主体从复杂的环境中抽离出来加以强调，会是很方便且出效果的。加上被虚化的部分的油润感，本身也可以被作为一种新奇的陌生感，以至于「虚化」本身也被作为了一个被追求的目的。![]()
浅景深带来有些夸张的背景虚化，以此突出主体拍摄的花朵©选自Pexles
浅景深带来的背景虚化，在大多时候强化了单一主体的存在。如果背景虚化程度特别高的话，所谓主体和背景变成简单的二元对立。信息量不多，且向单一的区域集中，也与艺术摄影的信息量偏好违背。这种表达方式，除了有特别的目的，否则不会成为艺术摄影的特别追求。甚至也因为很多时候浅景深会让人联想到「糖水小清新」，艺术摄影也有回避。![]()
没有明显的背景虚化©古斯基《萨勒诺》
艺术摄影常用的大画幅，更是遵循沙姆定律，可以获得焦平面内的「全实」图像，有刻意避免虚化的倾向。客观冷静地观看，常常也在避免突出单一主体的基础上，在画幅中呈现一种精确、实在、锋利的感觉。当然，上述五点只是让照片外观看起来更「像」艺术摄影的一些外在表现，提出来并非让大家片面模仿，而是客观呈现属于艺术摄影的「气味」。你注意到，每个点都是以（艺术摄影）「不喜欢xx」的句式提出的，言外之意就是在沙龙摄影中，这些点却常被视为绝对的「优点」，而被过度追求，甚至成为一种本能。这些「优点」有时候反而会成为一种障碍。虽然未必每个人都要去拍「艺术摄影」，但至少它提醒了我们，那些理所当然的正确，可能也在阻碍我们更多元的表达。| 场所标本 | 摄影课堂 | 照片书 | 审美清单 |
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主理人 - KKM
文·编-KKM 校对-小鱼
