2022年4月26日，当代电子乐界的先锋、德国电子乐研究家、作曲家，克劳斯·舒尔茨（Klaus Schulze）先生，因长期疾病不治与世长辞，享年75岁。他一生中发行过60多张专辑，我们用四个小时的节目分享克劳斯的音乐来纪念他（音频略）。
早上得知克劳斯·舒尔茨去世的消息，我的心情很沉重。他确实是电子音乐演变的支柱和创始人之一，他留下的东西是永恒的，并将继续下去。 如果我在70年代中期没有听过他的《Timewind》专辑，就不会自1978年以来创作音乐并日以继夜地学习。我们会再见的，克劳斯...
克劳斯· 舒尔茨 1947 年8月出生于二战后盟军托管时期的柏林，他的父亲是一位作家，母亲是芭蕾舞演员。十几岁时克劳斯在乐队里演奏过吉他和贝斯，做过电报投递员，在柏林大学学习文学、哲学和现代古典音乐。他还在各种乐队中担任鼓手，早年的学习和参与为他积累了一定的音乐经验。他回忆说，打鼓是因为受到哥哥的影响，哥哥向他介绍了号称爵士使者的美国鼓手亚瑟·布雷奇（Arthur Blakey）和美国鼓手兼指挥家伯纳德·里奇（Bernard Rich）等爵士音乐家。
1967年，他以鼓手的身份与吉他手阿莱克斯·孔蒂（Alex Conti）和风琴手约阿西姆·舒曼（Joachim Schumann）一起建立了摇滚三人组Psy Free。
1969年，克劳斯被柏林一家名为Zodiac的夜总会那前卫场景所吸引，这所俱乐部也是当时西柏林地区那些想要尝试新事物、富有冒险精神的年轻创意人士的乐土。当时还是鼓手的克劳斯遇到了埃德加·弗罗斯（Edgar Froese），埃德加把Tangerine Dream乐队介绍给了克劳斯并吸纳了他的加入。
克劳斯又一次以鼓手身份成为Tangerine Dream（橘梦乐队）的一员，埃德加注意到克劳斯能用鼓乐来演奏出长篇的旋律，这种旋律当时在西柏林圈内被誉为有着 “令人兴奋和破坏性浪漫主义”的色彩，克劳斯能在音乐中充分描绘出那种感觉，并展现在1970年橘梦乐队的首张专辑《Electronic Meditation》（电子冥想）中，这是一张以自由形式即兴创作的集合，是一部有欢快感的即兴艺术摇滚音乐作品。
克劳斯还在尝试用他最新的乐器，用一台电子管风琴来录制音乐。他在2015年一次采访中说道：
“在当时后来举行的音乐会中，埃德加不想在舞台上使用我用那台电子管风琴录制的磁带，并告诉我：“要么打鼓，要么离开！”
由于埃德加拒绝使用实验性的电子声乐，1970年克劳斯离开了当时成员频繁流动的橘梦乐队，他在橘梦乐队中的位置被克里斯托弗·弗兰克（Christopher Franke）取代。
克劳斯发现，鼓手在乐队中是个过于局限的角色，他在2015年那次采访中说道：
“作为鼓手，你是摇滚乐队的中坚力量，不是执行自己音乐创意的独奏者”。
随后，克劳斯与曼努尔·戈钦（Manuel Göttsching）和 哈特穆特·恩克（Hartmut Enke）一起组建了Ash Ra Tempel乐队（太阳神殿），并与他们一起制作了乐队的同名专辑。讽刺的是，这次克劳斯仍然是鼓手，他回忆说，
“我想演奏的是和声和新的电子声乐，而不是鼓乐”。
不久后，克劳斯离开了乐队，追求并开启了他的独奏生涯。
自上世纪60年代末至此后的十余年，电子乐在音乐界还属于小众圈的时期，尽管许多摇滚歌手和流行乐队对这种新技术表现出兴趣，但专注于合成器探索来创作音乐的人却寥寥无几。如果说“流派”这个词，确实可以被用来形容那个时代出现的九头鸟现象的话，那么，克劳斯·舒尔茨可堪称为电子音乐最有影响力的人物。
1972年，克劳斯的第一张个人专辑《Irrlicht》问世了，专辑名称意为：荒野中闪烁的鬼魂之火。创作这张专辑他还并没拥有一台合成器，其中三段作品是以Drone这种电气声乐为主基调、克劳斯用他那台处于损坏状态的电子管风琴，构建出缓慢演变的电子声乐，当然，也用到了他的吉他，以及对一盘学生时代录制的管弦乐磁带进行倒放处理的声音。这张专辑的问世，被认为是环境音乐史上一个值得注意的时刻，它在极大程度上为未来的音乐寻找方向，开启了一个对传统音乐有着革命性改变的，推动音乐理念朝着多种意识方向发展的时代。
克劳斯说：
“虽然，我的音乐震动了英国和美国，可是如果你想在当时的德国获得成功，那你必须复制那些旧有的德式摇滚Krautrock，但我不希望那样，我想要一些独立的东西！”。
他的目标是通过音乐让人联想到以前不存在的东西。
克劳斯很快意识到合成器似乎是符合这一想法的不二选择，他是最早认识到这种有着潘多拉魔盒般魅力的合成器存在的可能性的少数人之一。
这些被视为潘多拉魔盒的合成器，在当时很新颖而且价格很昂贵。但克劳斯认为，在这场对音乐有着革命性的冒险举动中，商业上的需求也许不是个需要考虑的问题。
“我想做去主流化的音乐，而不是那些普通的流行音乐。”
他后来回忆说，这在当时是一种“音乐解放”，最重要的是，他也明白了：他最好独自一人执行这些大胆的想法。
克劳斯习惯性地不愿描述、分析有关他音乐中的思想或技巧。
1998年的一次采访中他说道：
“我是音乐家，不是演说家。音乐本身能做的只有一件事：表达情感，它是一种情绪的表现，悲伤、喜悦、沉默、兴奋或者紧张”。
克劳斯从1973年开始举办独奏音乐会，他积累了越来越多的合成器。2018年他对 “Sound and Vision”杂志说：
“从本质上讲，我是一个‘探索者’类型的音乐人，当电子乐器出现时，搜索就结束了。我找到了此前一直在寻找的工具，它有无限的机会，提供了声音无限的可能性，以及我可以使用的节奏和旋律。”
在1973年专辑《Cyborg》中，他通过对EMS、VCS3 等合成器的部署迈向未来，这种开创性的乐器也被平克·弗洛伊德、让·米歇尔·雅尔和The Who乐队使用过。
使用鼓机和音序器，克劳斯在他的音乐中引入了推进式的电子节奏。1975年克劳斯这张向理查德·瓦格纳（Richard Wagner）致敬的专辑《Timewind》被广泛认为是他早年的巅峰之作，它赢得了法国国际唱片大奖赛的大奖，通过来自法国各地唱片销售商的紧迫订购，被邀请与维京唱片公司在德国、奥地利、瑞士的所有分公司签约发行，推动了他的创纪录销量。《Timewind》与此后1976年的《Moondawn》，1977年的《Mirage》 ，在当时被誉为 “柏林流派”电子乐的里程碑式作品，因其音乐前卫鲜明的风格和极简主义色彩，在当时迅速催生出众多的效仿者。
在1975年此后的三、四年间，克劳斯在法国也算得上是超级明星。法国发行量最大的两家流行音乐、摇滚乐杂志，几乎全都是关于克劳斯的访谈和文章，包括他的专辑和音乐会与一些对于电子乐新技术的解释系列文章。克劳斯的音乐专辑销售量登上了法国排行榜，他同其他摇滚巨星一样在法国举办音乐会，并且享受着巨星的待遇。在此期间，先前并不知名的法国人Jean Michel Jarre出现了，雅尔的音乐几乎和克劳斯做得一样精彩，但是雅尔的音乐更为流行。当时的乐界舆论为此感到眼花缭乱，仿佛这一切就像是事先计划好的路线，这位对后来世界音乐有巨大影响的法国人极速崛起，运用到了一炮走红需要的一切条件，几乎就在一夜之间。
雅尔先生在克劳斯去世后发表的一则悼念信息，他说：
再见，克劳斯！电子音乐的伟大人物之一，我们不会忘记你。
克劳斯在国外总是比在德国获得更多的掌声和荣誉，但这一事实并没影响到他。他从未离开，只是在七十年代中期离开了柏林，当时的柏林对他来说已经失去了魔力，克劳斯搬到了他所说的乡下。1975年，他搬到了德国西北部萨克森州汉诺威附近的汉比伦镇，并建立了工作室，在接下来的几十年里，他录制自己的大部分音乐作品。
与七十年代中期音乐上的成功，家庭的组建和居所及工作室搬迁的同时，克劳斯也在世界范围内对兴起且日趋成熟的电子乐进行更加宽泛繁忙的合作。
1975年，克劳斯在汉堡访问Polydor（宝丽金）旗下的子公司Metronome时，结识了来自日本的Far East Family Band（远东家庭乐队），克劳斯答应为宝丽金组建一个跨国多乐人项目，旋即8月飞往东京与远东家庭乐队合作了第一张跨国黑胶专辑《Nipponjin》。
克劳斯发现，日本，真正是一个技术的中心！但是让他恼火的是，日本的录音室拥有自己想要的一切，可当地没有一个人能合理的操作这些设备，更别提用这些器材来进行艺术创作了。
接下来发生的一切就像是特务电影里发生的一样，克劳斯对器材所有的指令和操作 都被一些机敏的日本技术人员记录下来。比如说，一些很简单的事情，杜比系统在使用前需要被检测一遍才能启动开关，或者说电子键盘器需要连接在混音器上，等等。而其中有个键盘手，他就是后来成名的Kitaro（喜多郎）！总是称赞克劳斯激励他拥抱合成器和电子音乐世界。
得知克劳斯去世的消息，喜多郎当天在社交媒体发送了一则简短的悼词：
听到克劳斯·舒尔茨去世的消息，我非常难过。克劳斯多年来一直激励着我，我很感激我们尽情在一起创作的时光。谨向他的家人、朋友和粉丝致以最深切的慰问。
待续（下）篇
