要理解电子音乐对乐理的态度，得从它的特点说起。电子音乐，强调的往往是音色、纹理、和节奏，而不是传统的旋律和和声。这意味着传统乐理里那些关于和声的内容，可能远远不如你对音色的把控来得重要。就像Aphex Twin和Autechre那样，他们把节奏和旋律推向极致，但对他们来说，音色才是核心。有的电子音乐，甚至可以完全摒弃和声和旋律，比如噪音、无人机（Drone）和频谱音乐，这些类型就完完全全是对音色质感的探索。说实话，我觉得电子音乐特别酷的一点就是，它把音色放在了前所未有的重要位置。传统音乐强调旋律和和声，而电子音乐告诉你，一段尖锐的噪音、一片广阔的音墙、甚至一些频率扫过的失真音色，本身就可以成为音乐的核心。这就像重新定义了音乐的DNA，不再是讲究层层递进的和弦进行，而是纯粹的音响体验。电子音乐的先锋人物Wendy Carlos也曾经大胆尝试非传统音阶，探索一些基于纯律但不重复八度的音阶。她的《Beauty in the Beast》专辑中使用了“Beta Scale”，将完全五度分为11等份，这种熟悉中又带有异域色彩的音律，完美诠释了她对传统和声系统的挑战精神。这种不走寻常路的尝试，正是电子音乐充满魅力的原因——它敢于颠覆，敢于让人耳朵一亮。从某种意义上说，电子音乐的创作跟玩声音的科技有关。比如你可以用一堆控制器随心所欲地拉扯、扭曲各种声音信号——这种自由本质上就超越了传统乐理中关于和声和旋律的限制。你不必被那些“哪个音跟哪个音合起来才不别扭”的规则绑住，而是可以用任何音色、任何节奏创造出一种新的音乐语言。
要不要学乐理？看你自己！
最后，有人会问，那我到底要不要学乐理？我觉得，如果你是那种希望精确控制音乐表达的人，了解点基础的物理学和声学可能会很有帮助，尤其是当你在合成器上调制音色时。了解基本的物理振动原理、了解不同滤波器的频率响应，这些知识可能比你懂得如何写一个Neapolitan六和弦更有实际意义。而对于电子音乐制作人来说，耳朵比眼睛更重要——你得靠听觉去判断，而不是光看屏幕上的频谱分析。我有个朋友，在一开始做电子音乐的时候，连基本的和弦都不知道怎么构成，但他对音色有超强的感觉，总能调出一些让人眼前一亮的声音。后来他稍微学了点基础的物理和声学，整个人的制作水平直接提升了好几个档次。他并不是去死记硬背那些和弦规则，而是学会了如何更好地用科技去控制声音，去创造出他脑海里的那个“酷炫”的声音。所以，我们不必为了遵循几百年前的规则而束手束脚，也不必完全摒弃传统的音乐知识。乐理的学习可以成为我们工具箱中的一部分，但不是我们创造音乐的唯一出发点。就像有人说的那样，“你可以在规则中找到灵感，但绝不能成为规则的奴隶。”电子音乐的精髓在于自由、在于实验、在于不断挑战传统。所以，无论你懂不懂乐理，只要你有想法、有情感，敢于探索不同的声音——你就已经是个合格的电子音乐创作者了。我们做音乐，重要的不是会不会背和声规则，而是如何用声音表达自我，用科技去突破界限，用旋律和节奏打动人心。这，才是电子音乐真正的魅力所在。总之，如果你觉得乐理有用，那就学一点，但不要让它成为束缚你创作的枷锁；如果你觉得乐理是累赘，那就放下它，专注于你耳朵里那些独特的声音和感觉。电子音乐就是这么自由，这么狂野，不拘一格，适合每一个敢于打破常规的人。参考页面：https://www.perfectcircuit.com/signal/music-theory-and-electronic-music120W的蓝牙小精灵Gibbon AIR 近场监听音箱
